Interview mit dem Regisseur des Dokumentarfilms „Naum. Vorahnungen“ Andrei Natotsinski: über den Patriarchen der Filmwissenschaft ohne Bronze, den hippokratischen Eid und das Erbe des Vaters des Tauwetters.

Am 29. April wurde in Woronesch die neue Arbeit von Andrei Natotsinski „Naum. Vorahnungen“ über den Hauptbewahrer der Geschichte unseres Kinos Naum Kleiman vorgestellt. Wir sprachen mit dem Regisseur über die Jugend der Seele, den Nutzen von Illusionen und den stets modernen Chuzijew.

– Warum hast du dich entschieden, einen Dokumentarfilm über Naum Ichiljewitsch zu drehen? Wen hast du in seiner Gestalt gesehen?

Ich begann aus Notwendigkeit zu drehen. Einfach, weil ich es nicht lassen konnte. Wahrscheinlich gibt es heute nur noch sehr wenige Menschen, die dich buchstäblich in alle Richtungen schicken können. Von ihm führen Boten in alle Enden der Geschichte.

– In welchem Moment hast du verstanden, dass Kleiman nicht der Hauptheld in diesem Film sein würde, sondern eine Art Vermittler zwischen Epochen, zwischen der Geschichte des Kinos, der Geschichte des Landes?

Zum Glück hat sich dieser Film weitgehend intuitiv entwickelt, und man kann nicht sagen, dass es einen Moment gab, in dem ich etwas entschieden habe. Ich kann nicht behaupten, ob Naum in diesem Film der Hauptdarsteller ist oder nicht. Ich habe vor allem versucht, eine harmonische Einheit zu schaffen. Mir scheint, das ist mit Kleiman sehr einfach, weil er selbst ein ganzer und unzerstörbarer Mensch ist. Wenn man auf ihn hört, kann sich diese Aura vielleicht auch nach außen ausbreiten.

– Im Film werden Naum Ichiljewitschs Gedanken, seine Erinnerungen oft durch Szenen aus der klassischen Weltkinematographie fortgesetzt. Wie ist dieser an Poesie erinnernde Montagetrick überhaupt entstanden? 

Das ist, als würde man einen Dichter fragen, wie seine Gedichte entstehen. Er wird kaum antworten. Aber ich wollte Naums Worte nie kommentieren. Es war eher der Wunsch, einen Raum der Kontraste zu schaffen, vielleicht indem ich einige seiner Andeutungen nutze, das, was er nicht ausgesprochen hat. Und noch mehr – einen Zeitraum zu schaffen, für den der eine oder andere Film, ein Ausschnitt, eine Melodie passte. Und sie erzeugen dann Spannung und Atmosphäre, die die Welt des Bildes aufbauen.

– Ich habe viele Rezensionen gelesen, und dort wurde mehrfach angemerkt, dass der Film eine übermäßige Monumentalität in der Darstellung des Helden aufweise. Aber mir schien das Gegenteil der Fall. Du malst kein repräsentatives Porträt von ihm. Sag mir bitte, wie es dir bei solcher Verliebtheit in den Helden gelungen ist, diese Distanz dennoch zu wahren und es nicht in eine Lobeshymne zu verwandeln?

Ich denke, ein Autor, der sich nicht von seinem Helden distanzieren kann, ist sehr schlecht, und ich wäre ein Sklave der Liebe. Aber zum Glück konnte ich das vermeiden. Ich bin überzeugt, dass mir dabei in erster Linie mein Beruf hilft. Denn das Einzige, wofür wir das tun, ist die Schaffung eines filmischen Werkes. Es ist immer größer als der Held, es spricht über die Zeit. Wenn du, wie mein Meister Alexander Nikolajewitsch gern sagt, wie ein braver Esel dem Helden folgst, wie es in einigen Dokumentarfilmschulen unseres Landes gern gemacht wird, dann gleicht dieses Folgen eher einer Sklaverei. Diese Unlust, sich zu äußern, ist mir völlig fremd.

– Naum Ichiljewitsch ist im Verständnis, sagen wir, meiner Altersgenossen so ein edler Ältester, ein Guru, der sehr wichtige Gedanken über unsere Zeit, über uns selbst äußern kann. Aber in deinem Film ist er etwas anders, er bewahrt diese Weisheit, ist aber zugleich irgendwo schelmisch, irgendwo lachlustig, irgendwo sogar ein wenig rebellisch. War es eine bewusste Aufgabe, dieses Bild in den Augen der Zuschauer zu brechen?

Es gab keine Absicht. Der Mensch ist bekanntlich ein komplexes Bündel widersprüchlicher Strömungen, Gefühle, Potenzen. Ein guter Schauspieler ist ambivalent, er ist breit. Deshalb schätzen wir Marlon Brando, Klaus Kinski oder Marcello Mastroianni. Weil sie uns jene Bandbreite geben, in der sie in einer Szene, manchmal sogar in einem Satz sehr unterschiedlich sein können. Sie verändern sich. Ich denke, Naum hat diese enorme, vor allem menschliche Bandbreite. Und ich wollte, dass der Zuschauer das erfährt und sieht. Kleiman überrascht immer.

– Womit genau hat dich Kleiman beeindruckt? Ich weiß, ihr kennt euch seit über zwei Jahren.

Überraschen kann manchmal mit ganz einfachen Dingen. Zum Beispiel mit einem sofortigen Gefühl der Verbundenheit. Du erwartest, dass er ein Patriarch und großer Greis ist, der dich segnet, aber du siehst etwas völlig anderes. Du staunst über das Lebendige und Echte, von dem du dachtest, es könne es nicht mehr geben. Ich erlebe dieses Wunder bei jeder unserer Begegnungen. Wenn ich manchmal gedanklich irgendwo rosten, altern oder übermäßig schwerfällig sein kann, so war das bei Naum nie der Fall.

– Ich weiß, dass Kleiman ein Freund von Schpalikow war, Godard gut kannte, mit Schukschin befreundet war. Ein Mensch, der in unseren Augen die Meinung über die Figur Eisensteins verändert hat, den man lange für einen sowjetischen Propagandisten hielt, aber dank Kleiman haben wir verstanden, dass Eisenstein eine Persönlichkeit war, die die Struktur des Kinos neu zusammengesetzt hat. Und nun gehörst du zusammen mit Wjatscheslaw Schutow und Sergej Kalwarski zu seinem engsten Kreis und bist sogar bei ihm zu Hause. Scheint es dir nicht, dass beim Anschauen eine gewisse Distanz zwischen dem normalen Zuschauer, wenn wir das sehen, und euch entsteht, die ihr Naum Ichiljewitsch ausgezeichnet kennt?

Distanz ist nicht immer schlecht. Ein Held, Schauspieler oder Regisseur muss dem anderen oder dem Zuschauer gegenüber nicht unbedingt ein netter und freundlicher Gesprächspartner sein. Vielleicht gibt es deshalb Werke.

Obwohl ich mich jetzt sofort widerlegen und sagen werde, dass Menschen, die Naum nach einem Vortrag treffen, sich im wärmsten Sinne des Wortes angenommen fühlen. Sie teilen ihm ihre Gedanken mit, jemand spricht über seine Träume, und er hört ihnen mit echtem Interesse und Engagement zu. Und das beeindruckt die Menschen tief, weil wir solchen Menschen im Leben nicht oft begegnen.

– In der zentralen Szene des Films unterhalten sich Kleiman und Sokurov über die ungewisse Zukunft des Kinos, die moderne Filmwissenschaft und das verlorene WGIK. Ich erinnere mich, dass du in einem Interview erzählt hast, dass du mit dem aktuellen Zustand der Filmkritik nicht sehr zufrieden bist. Glaubst du, dass man diese Situation verbessern kann?

Wahrscheinlich muss man zunächst verstehen, welcher Idee man dient. Wenn es Geld, schnellem Ruhm und der „Szene“ dient, ist das eine Sache. Ein ernsthaftes Gespräch über Filmwissenschaft ist nur mit Bildung und Hingabe an das Kino möglich. Ich bin es leid, Kritiker der Filmkritik zu sein, meine Aufgabe ist es natürlich, Filme zu drehen, aber die Krise ist offensichtlich. Und ich denke, das sehen auch andere Menschen.

In der Branche gibt es viel Kleinmut, weil alle Geld verdienen und schnell einen Text schreiben wollen. Es ist natürlich leicht, nach dem ersten Eindruck zu schreiben, denn oft erscheinen auch Filme, die keine tiefgehende Analyse zulassen. Selten kommt ein Film heraus, der dich stärker berühren kann als auf der Ebene von Eindrücken oder irgendwelchen freundschaftlichen oder nicht freundschaftlichen Beziehungen.

Eigentlich müsste jemand einen Eid ablegen, natürlich nicht den des Hippokrates, sondern auf eine große Figur des Filmemachers. Und dann wäre es unangenehm, schlecht zu schreiben. Ich hoffe, wir kehren dazu zurück, dass Regisseure Anlass geben, ernsthaft über sie zu sprechen.

Die Rede ist nicht nur vom russischen, sondern auch vom Weltkinematographen, denn die Krise ist allgegenwärtig. Ich dachte, dass solche Erschütterungen, die wir jetzt erleben, dazu führen würden, dass sich die Sprache der Kunst verändert. Aber das kann man bisher nicht sagen. Ich hoffe, dass es Menschen gibt, die ihrem Geist nach dafür kämpfen, sich anders äußern zu können.

– Wir haben vielleicht die Tradition der Kontinuität verloren, nicht wahr? Im Film verbindet die Figur Kleimans Epochen und Zeiten. Es gibt den Kurs von Alexander Sokurov, und wir alle kennen herausragende junge Regisseure, die unter seiner Fittiche hervorgegangen sind. Es gibt die Werkstatt von Sergej Solowjow, der ebenfalls würdige Schüler hat, die auf verschiedenen Filmfestivals gewinnen. Aber die Schule selbst scheint von Jahr zu Jahr kleiner zu werden. Einige Meister werden bronzen, und ihre Schützlinge bekommen nichts.

Naum hat mich daran gewöhnt, dass es keine schlechte Zeit gibt. Zu verschiedenen Zeiten gab es Persönlichkeiten, die mit Bronze überzogen waren und eben diese Schule verloren haben. Ich wiederhole, die Krise ist offensichtlich, aber man muss die Sache tun und mit aller Kraft dieses sinkende Schiff retten; zum Glück haben wir die Steuerleute noch nicht verloren, solange es Menschen gibt, die uns sagen können, wie man die Löcher in diesem Schiff stopft, werden wir nicht untergehen. Zumindest schwebe ich noch in diesen süßen Illusionen.

Der Hauptvorteil unserer schwierigen Zeit ist, dass jetzt jeder einen Film drehen kann. Sei es mit dem Telefon, einer GoPro-Kamera oder Röntgen- und Wärmebildaufnahmen. Der Zugang zu solchen Technologien steht vielen offen. Hauptsache, es gibt das Bedürfnis und den Wunsch, die eigene Filmsprache zu verteidigen und der ganzen Welt zu präsentieren.

– Im Film spricht Naum Ichiljewitsch über den Begriff der Vorahnung. Er erzählt, dass er als ehemaliger Physik-Mathematik-Student zum ersten Mal nach Moskau ans WGIK kommt. Eine unbekannte und unerklärliche Kraft zieht ihn dorthin. Mit einem Pappkoffer springt er auf ein vorbeifahrendes Sprengfahrzeug und stürzt sich wie ein Held des Tauwetterkinos in den Beruf, der sein Lebenswerk werden sollte. Ich habe diese Episode angeführt, weil ich weiß, dass du derzeit an dem unvollendeten letzten Film von Marlen Chuzijew „Newetschernjaja“ (Die Unabendliche) arbeitest. Was hast du empfunden, als du das erste Mal das Arbeitsmaterial am Schneidetisch gesehen hast?

Ich verspürte eine große Arbeitslust. Nicht oft kann man sich in einen Schneideraum setzen und so etwas spüren. Dieses Kino, das man sich in unserer Zeit nicht vorstellen kann, und dass es in diesem oder nächsten Jahr auf die großen Leinwände kommt, ist ein Präzedenzfall, vor allem für das Eindringen in eine andere Intonation, zu der wahrscheinlich kein heutiger Regisseur fähig ist. Denn Chuzijews Sprache ist einzigartig, er drehte dies als letzten Film, als Summe einer gewissen Erfahrung.

„Newetschernjaja“ ist sehr konservativ, wie „Juliregen“ oder „Iljitschs Vorposten“, besitzt aber dennoch einen jungen Atem, den ich voll und ganz zu unterstützen versuchte, damit er in unserer Zeit schärfer spürbar ist.

– Soweit ich weiß, wurde dieser Film für Chuzijew zu einem Langzeitprojekt und wurde etwa 15 Jahre lang gedreht, und als Marlen Martynowitsch starb, wurde der Film dreimal versucht, neu zu schneiden, eine der ersten Versionen wurde in den berühmten Weißen Säulen gezeigt und sogar zum Festival nach Locarno gebracht. Hast du diese Version gesehen und unterscheidet sie sich stark von der jetzigen?

Dort fehlte fast die Hälfte des Materials. Es war eher eine Probe, eine Art Skizze. Statt Worten gab es nur Musik, und das Bild war vollständig schwarz-weiß.

Jetzt haben wir es mit einem zweistündigen Film zu tun, der eine strenge Handlungsentwicklung hat, wobei das Bild keine klare Narration besitzt, denn es ist eine Reihe von Begegnungen und Gesprächen und die sich darum entfaltenden Empfindungen. Den größten Teil des Films nehmen Dialoge zwischen Tschechow und Tolstoi ein.

– Hattest du, als du zum ersten Mal mit Chuzijews Erbe in Berührung kamst, Bedenken, dass die Absicht des Autors versehentlich verändert werden und das ursprüngliche Bild verloren gehen könnte?

Gott sei Dank hatte nicht nur ich diese Angst, sondern auch Naum, Ali Chamrajew. Diese Arbeit wurde für uns zur Überwindung dieses Gefühls. Wir kämpften für die Bewahrung der besonderen Chuzijewschen Intonation. Und es scheint, dass es uns gelungen ist.

– Jetzt, wo der Film fast fertig ist, besteht die Möglichkeit, dass er die heutige flugunfähige Zeit aufbricht, in der Junge versuchen, wichtige Filme zu drehen, die von den großen Leinwänden ignoriert werden. Kann dieser Film Barrieren durchbrechen?

Dieser Film ist eine Herausforderung. Er wird viele heiße und leidenschaftliche Anhänger haben, aber es wird auch die geben, die ihn abtun. Es ist eine Symbiose einer gewissen generationellen Arbeit. Wir haben viel mit Kostja Tscherwjakow am Ton gearbeitet. Er ist ein großartiger junger Mann.

Die Klanggestalt des Films ist ebenfalls jung, aber nicht modern, wie man denken könnte. Und diese Verbindung, die es bei Chuzijew gab – etwas Junges, etwas Konservatives und irgendwo sogar Episches – ist im Film vorhanden. Ich denke, wir werden bald erfahren, wie sich das entwickelt. Ich warte mit großer Spannung auf die erste große Vorführung.