Naum Kleiman rettete das Filmmuseum, war mit Tarkowski befreundet und kannte Godard. Und das ist nur ein kleiner Teil seiner Verdienste. Regisseur Andrei Natotsinski setzt ein Porträt des legendären Filmwissenschaftlers aus Erinnerungsfragmenten zusa...
Wer auch nur ein wenig über die Person Naum Ichiljewitsch Kleiman weiß, versteht, mit welcher Ehrfurcht man ihn erwähnen sollte. Es ist dasselbe, als würde man versuchen, die hundertjährige Filmgeschichte in einem bescheidenen Videoessay nachzuerzählen. Die Chronologie zu erfassen, Veränderungen und Entwicklungsstufen aufzuzählen, ist schlichtweg unmöglich. Dafür bedarf es einer Vorlesungsreihe, Bände von Memoiren und einer unbegrenzten Menge an Freizeit, die uns allen leider fehlt. Naum Ichiljewitsch ist ein Mann, der vierzig Jahre lang das Filmmuseum leitete und dafür gegen Bürokraten kämpfte, er kannte Tarkowski, Schukschin und Schpalikow, und Jean-Luc Godard bewunderte ihn öffentlich. Allein beim Bewusstsein dieser Fakten ist es angenehm zu denken, dass man Naum Kleiman in den Gärten von Peterhof oder auf Moskauer Straßen treffen, ihm die Hand schütteln oder ein Erinnerungsfoto machen kann.
Regisseur Andrei Natotsinski versucht nicht, die Größe der Figur des Helden in eineinhalb Stunden Laufzeit zu pressen. „Naum. Vorahnungen“ spielt mit dem Zuschauer durch die Form, und darin liegt sein größter Erfolg und sein größtes Risiko. Die Auflösung des Montagecharakters liegt im Film selbst, in den Überlegungen von Naum Ichiljewitsch darüber, wie Sergej Eisenstein montierte und Alexander Puschkin Gedichte schrieb. In erster Linie geht es um homonyme Strukturen und Polyphonie der Bedeutungen, Begriffe, die Kleiman selbst im Laufe des Films ausspricht. Ein geübtes Auge wird Aufnahmen aus „Oktober“ und „Russische Arche“, „Die Passion der Jungfrau von Orléans“, „Die sieben Samurai“, „Später Frühling“ und einem Dutzend weiterer Filme erhaschen. Manche mögen dies als Geschmacklosigkeit, cinephile Geschwätzigkeit oder billiges Wiedererkennen empfinden. Doch die Fragmente sind nicht nur zur Freude des Wiedererkennens eingewoben, oder zumindest nicht nur dafür. Es ist doch angenehm zu denken, dass man als versierter Zuschauer genau jene Anspielung gesehen hat, die niemand bemerkt hat. Die Fragmente bergen jene vielfältigen Bedeutungen, von denen der Held erzählt. Das Kino spricht hier für sich selbst, wird nicht zur Illustration, sondern zum Co-Autor. Eine solche Polyphonie der Bedeutungen ist nicht neu. Ähnliche Mittel beobachteten Zuschauer in „Hundert und eine Nacht des Simon Cinema“, einem Film zum hundertjährigen Jubiläum des Kinos unter der einfühlsamen Regie der Großmutter der französischen „Nouvelle Vague“, Agnès Varda. Aus bekannteren Filmen im modernen Zuschauerbewusstsein kann man Bernardo Bertolucci herausgreifen. „Naum. Vorahnungen“ lässt sich schwer in diese logische Reihe einfügen, da Spielfilme immer antagonistisch zu Nicht-Spielfilmen sind. Doch all diese Filme werden zu einer Liebeserklärung an die Welt des Kinos, von der die Zuschauer seit über einem Jahrhundert fasziniert sind.
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Manche werfen „Naum. Vorahnungen“ übermäßige Monumentalität vor. Natotsinski stellte sich jedoch die einzige Aufgabe – das Leben am Schopf zu packen und es dem Zuschauer in den Händen zu bringen, wie die aufrichtigste, fast kindliche Entdeckung. Der Film fühlt sich an wie eine unendlich lebendige und leichte Präsenz. Andrei Natotsinski strebt in erster Linie danach, mit dem Zuschauer in der Sprache der Expression zu sprechen, was bereits riskant ist im Rahmen eines Genres, das an Chronik und Augenzeugenberichte gewöhnt ist.
Die Kameraführung zeichnet sich hier durch den Effekt des Petzval-Objektivs aus, das sich auf den Helden konzentriert, die Ränder des Bildes verschwimmen lässt und die Illusion von Film erzeugt. „Naum. Vorahnungen“ bleibt ein reines Kinoerlebnis, eine sentimentale Begegnung mit einem Menschen, der den Zuschauer in seine Erinnerung eingelassen hat.
Gegen Ende dessen, was man im Spielfilm als Auflösung bezeichnen würde (gibt es eine Auflösung im Nicht-Spielfilm, wo das Leben auch nach dem Abspann weitergeht?), blickt Naum Ichiljewitsch auf Feuerwerke. In dieser Szene ist Kleiman monumental wie die Ikonen, von denen er spricht. In seinem Porträt drückt sich eine stumme Autorenaussage über die Erhabenheit der Figur aus. Die Salven erhellen stoßweise die nachdenkliche Ruhe auf seinem Gesicht, und aus den Lautsprechern des Kinos dringt das Flüstern von Kindern aus „8½“ von Fellini: „Asa Nisi Masa“.
Den Abschluss des Films mit einer der wichtigsten Geschichten über die Neubewertung des Lebens, über Magie und Geheimnis, versteckt in einem Kinderabzählreim, zu synchronisieren, ist zumindest virtuos. Es ist der Schlüssel zur Wahrnehmung. Auch Natotsinskis Film ist eine Beschwörung, der Versuch, den Geist des vergangenen Jahrhunderts heraufzubeschwören, ihn kurz festzuhalten und seine Anwesenheit spüren zu lassen. Und im Kontrast zwischen Sichtbarem und Vorahnbarem liegt die Hauptsubstanz des Films. Natotsinski hat keinen Film über Kleiman gedreht, sondern ein visuelles Bekenntnis zu seiner tiefen, fast religiösen Liebe zur Natur des Kinos geschaffen, in dem Naum Ichiljewitsch zur Brücke zwischen der legendären Vergangenheit und der zitternden Gegenwart wird. Gibt es im Film Überlegungen zur Zukunft? Natürlich. Sie bestehen in der Diskussion von Alexander Sokurow und Naum Kleiman mit Filmstudenten. Selbst wenn der Zuschauer sich nicht zu dieser sozialen Kategorie zählt, kann er die Wirkung des Films als leichte Schwere in der Brust spüren. Angesichts der Natur der Sterblichkeit bleibt den Menschen nichts anderes übrig, als zu versuchen, das Erbe des Kinos zu bewahren.
Wir haben das Glück, zur gleichen Zeit wie Naum Ichiljewitsch zu leben, zu wissen, dass er, wie wir, die Morgensonne betrachtet, Bücher umblättert, Filme wieder ansieht. Natotsinskis Film materialisiert kollektive Dankbarkeit. Der Film ist ein Muss für alle, die dem Kino nicht gleichgültig gegenüberstehen und über grundlegende Seherfahrung verfügen. In diesem Fall wird die Montage des Regisseurs Sie regelmäßig mit Polyphonie der Bedeutungen durchdringen. Auch für diejenigen, die zweifeln. Von einer Figur solchen Ausmaßes Bekenntnisse zu ständigen Zweifeln, den Mühen der Wahl zu hören, ist zumindest nützlich. Für diejenigen, die glauben, es gäbe Auserwählte, denen alles leicht fällt und die niemals an ihrer eigenen Einzigartigkeit zweifeln, ist dies der Gegenbeweis. Die Branche wurde von Romantikern und Träumern aufgebaut und wird auf ihnen beruhen.
Der Film ist dank K24 im Kino, sucht nach Sondervorführungen in Moskau und St. Petersburg.
Asa Nisi Masa.
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