Von bescheidenen Festivaldramen über Animationshits bis hin zu resonanten Dokumentationen – wir teilen weiterhin unsere Lieblingsfilme des Jahres 2025.
Im Jahr 2025 erschienen viele herausragende Filme, aber die durch redaktionelle Abstimmung erstellte Liste konnte aufgrund der begrenzten Platzzahl nicht alle aufnehmen. Die Autoren von „Nach dem Abspann“ beschlossen, Gerechtigkeit walten zu lassen und über Filme zu berichten, die ihrer Meinung nach zu Unrecht im Schatten blieben.
Von „Battle for Battle“ mit Leonardo DiCaprio bis zu „Sündern“ von Ryan Coogler – präsentieren wir die besten Filme des Jahres 2025, die bewiesen haben, dass Autorenkino noch überraschen kann und das Publikum
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„Blue Moon“ ist genau das Kino, das Richard Linklater und Ethan Hawke am besten können. Es ist eine kammerspielartige Geschichte eines Abends, in der jede Zeile wie ein Geständnis und jede Pause wertvoller als jeder Monolog ist. Die neunte Zusammenarbeit von Regisseur und Schauspieler wird zu einem ergreifenden Porträt eines Genies am Ende seiner Kräfte – des Textautors Lorenz Hart, der eine Märznacht 1943 in einer Bar verbringt, während sein ehemaliger Partner Richard Rodgers für die Premiere von „Oklahoma!“ Ovationen erhält. Linklater holt aus einem einzigen Schauplatz alles heraus: Zigarettenrauch, Gläserklirren, bissige Bemerkungen über „Casablanca“ und die Bitterkeit eines Mannes, der versteht, dass seine Ära vorbei ist.
Der Film erforscht die Zerbrechlichkeit des Künstlers, den Schmerz beruflicher und romantischer Zurückweisung – und tut dies mit der unverwechselbaren Melancholie des Regisseurs, der Gespräche in Musik verwandelt. „Blue Moon“ versucht nicht, Hart zu heroisieren – es zeigt ihn gebrochen, geistreich, verzweifelt an Illusionen klammernd, und genau deshalb berührt es bis ins Mark. Es ist ein ehrlicher Abschied von einer vergessenen Legende (für Broadway-Fans), gedreht mit einer solchen Zärtlichkeit und einem solchen Verständnis, dass man sich nicht entziehen kann. In einem Jahr, in dem das große Kino immer öfter schreit, flüstert Linklater – und man hört ihn dabei lauter als alle anderen!
In unserer Redaktions-Topliste gab es leider keinen einzigen Animationsfilm. Kein Wunder, denn 2025 war recht arm an guten abendfüllenden Zeichentrickfilmen, aber ein Diamant hätte dabei sein können. Natürlich ist die Rede von „K-Pop-Jägerinnen der Dämonen“ – einem echten Hit von Netflix und Sony Pictures Animation, der bereits zu einer langlebigen Franchise ausgebaut werden soll. In naher Zukunft erwarten wir also die Fortsetzung, die offiziell in Entwicklung gegeben wurde!
Eine einfache Geschichte über Liebe und den Kampf zwischen Gut und Böse eroberte sofort Millionen von Herzen. Die Macher verbanden meisterhaft koreanische Mythologie, asiatische Stilistik und ein ganzes Album mit fantastischen K-Pop-Tracks (Your Idol – der absolute Hammer, seit Kindheit K-Pop-Fan). Vor der Premiere hätte niemand gedacht, dass ein Projekt mit einem solchen Titel kein billiger Streaming-Spaß sein würde, sondern fast der Hauptkandidat für prestigeträchtige Auszeichnungen in den Kategorien „Bester Song“ und „Bester Animationsfilm“. Nun, man kann mit Sicherheit sagen, dass alle Trophäen völlig verdient sind!
„Bugonia“ von Yorgos Lanthimos spaltete die Kritiker der Filmfestspiele von Venedig in zwei Lager. Die einen sagten, der Regisseur sei nicht mehr derselbe, man werde keinen neuen „Kynodontas“ und „Lobster“ sehen. Die anderen behaupteten, den Zuschauer zu marinieren und die Emotionen im letzten Drittel des Films auszuschütten, sei ganz im Sinne der griechischen „seltsamen Welle“. Das Sternenpaar Emma Stone und Jesse Plemons leuchtet am Himmel des Weltruhms und plant nicht, im Morgengrauen zu verschwinden. Die Schauspieler spielen wieder einmal sowohl Komplizen als auch Rivalen. Es ist eine Geschichte eines unzuverlässigen Erzählers, die den Zuschauer zwingt, Interpretationen zu erfassen und eigene Theorien zu entwickeln.
Hier hängt alles von der Optik ab: Entweder ist Teddy ein verrückter Entführer, oder Michelle ist eine Vertreterin einer außerirdischen Rasse. In jedem Fall ist die Welt in Gefahr. Eine eindeutige Interpretation findet sich in der koreanischen Sci-Fi-Komödie „Rettet den grünen Planeten!“, nach der „Bugonia“ gedreht wurde. Die Krise der Menschheit und die Bedeutung der Bienen sind jedoch bereits Lanthimos‘ Verdienst. Er lässt den Zuschauer nach der ohrenbetäubenden Auflösung den Atem anhalten und verlässt vorübergehend den Regiestuhl. Nach dem Film möchte man am liebsten die Knöchel der Weltelite überprüfen: Sind sie nicht zu schmal?
Pedro Almodóvar hat sich längst in der Filmkunst als Mittel ihrer Anwendung auf die Realität zurechtgefunden: Die Arbeiten des Spaniers sind keine Ereignisse, sondern ein Sein. Sie sind regelmäßig, es fällt ihnen schwer, sich an einen rein dramatischen Inhalt zu halten, selbst wenn er im Drehbuch angelegt ist. Seine Regievision, ungetrübt und klar, erhebt keinen Anspruch auf Totalität. Seine Frauen sind stark, aber nicht autoritär, seine Komödie ist absurd, aber bodenständig, sein Spanien ist farbenfroh und romantisch, aber real in seiner Ungeschliffenheit und Grobheit.
Im Fall von „The Room Next Door“ geht es bei Almodóvar weder um Madrid noch um Spanien, sondern um den Bundesstaat New York, die Stadt Woodstock nordwestlich von Kingston. Seine Frauen sind natürlich stark, aber eine von ihnen ist unheilbar krank. Die Komödie des Regisseurs ist so dünn geworden, dass es sie gar nicht mehr gibt. Die letzten Stunden im Leben einer Journalistin (Tilda Swinton) an der Seite einer eingeladenen Freundin (Julianne Moore), der von den Heldinnen und dem Autor in den Hintergrund gestellte gemeinsame Liebhaber (John Turturro), die flämischen Farben der freien Kostüme und Interieurelemente – Almodóvar hat neue Töne und Bilder gefunden, die ihm zuvor nicht gehörten, um in seiner Sprache die Botschaft des irischen Postmodernisten James Joyce auszusprechen: „Besser mutig in eine andere Welt hinübergehen auf dem Kamm irgendeiner Leidenschaft, als dahinwelken und mit den Jahren kläglich verblassen.“
Ein Einzelgänger-Fixer (Riz Ahmed) rettet in den glänzenden Kulissen New Yorks eine Klientin (Lily James) aus den Händen von Corporate-Söldnern, die nach kompromittierenden Dokumenten jagen. Zwischen Retter und Geretteter entspinnt sich ein feines Spiel gegenseitigen Misstrauens und Enthüllungen, in dem unerwartet ein aufkeimendes Gefühl hervortritt. Von David Mackenzies Arbeit („Hell or High Water“), der nach einer sechsjährigen Pause ins große Kino zurückkehrte, erwartet man natürlich etwas Gewichtiges und Bedeutendes. Und der Regisseur erfüllt diese Erwartungen: ein klar konstruierter Spionagethriller mit allen notwendigen Genre-Attributen, der sich mühelos in eine Reihe mit Klassikern wie „Die drei Tage des Condor“ oder „Der Informant!“ stellt.
Im breiten Verleih erscheint das kleine Meisterwerk des Autors von „Hell or High Water“ David Mackenzie – „Der Dispatcher“. Warum der Film diese Bezeichnung verdient, erfahren Sie in unserer Rezension.
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Minimum an Reflexion, Maximum an intellektueller Arbeit und ein wenig extreme Romantik – ein fast ideales Rezept für denkwürdiges Kino, das sich nicht schämen muss, ein wenig altmodisch zu wirken, aber dennoch den modernen Trends der Branche gut standhält. Riz Ahmed scheint alles allein mit den Augen spielen zu können; Lily James – eine schutzbedürftige einsame Frau, deren Leben plötzlich eine rasante Wendung nimmt; Sam Worthington – ein abgeschriebener, aber dennoch hervorragend geeigneter Bluthund auf der Spur. „Der Dispatcher“ fesselt die Aufmerksamkeit nicht nur durch seine packende Handlung, sondern auch durch die schauspielerischen Leistungen. Und er lässt einen leicht immer wieder zu ihm zurückkehren. Kurz gesagt, wie Panikowski sagte: „Man sieht sofort – das ist Kino aus früherer Zeit.“
Es ist kein Zufall, sondern durchaus folgerichtig, dass die Dystopie Stephen Kings, die er noch auf dem Höhepunkt des Vietnamkriegs schrieb, ausgerechnet 2025 auf die Leinwand gebracht wurde. „The Long Walk“ mag zwar an Einfallsreichtum einem guten Teil der Genre-Vergleichsstücke unterlegen sein und folgt nicht in allem dem Buchstaben der Vorlage (die meiner Ansicht nach in manchen Aspekten veraltet ist), stellt aber dennoch ein Paradebeispiel für einen solide gebauten High-Concept-Thriller dar, dessen Hauptvorteil in der erschöpfenden Entfaltung der Autorenbotschaft liegt. Der Film von Francis Lawrence ist keine Ansammlung von theoretischen Moralpredigten über Diktatur, menschliche Natur, den verderblichen Einfluss des Kapitalismus auf die Psyche oder den Zusammenbruch des sogenannten „American Dream“, sondern eine eindeutig interpretierbare Aussage.
Im Gegensatz zum koreanischen „Squid Game“, das dank seiner grellen Ästhetik im Gedächtnis blieb, oder den „Tribute von Panem“ mit ihrer Überfülle an typischen Attributen der Jugendfantasie der 2010er Jahre, protzt dieser Film nicht einmal besonders mit seiner Attraktionskomponente. Es ist kein „Battle Royale“ mit satirischem Unterton, sondern eine düstere Chronik der Zertrampelung der Menschenwürde, in der erschöpfte, mit Blut, Schweiß und Dreck bedeckte Jungen unter ohrenbetäubendem Knattern von Maschinengewehrsalven zum Abschluss getrieben werden, wobei jede Salve das Ausscheiden eines Athleten markiert. Es gibt in „The Long Walk“ zwar auch Lichtblicke, die hauptsächlich von der Figur des David Jonsson ausgehen, aber sie sind zu selten und fragmentarisch, um die Helden und das Publikum zu ermutigen. Und ja, es ist nach „The Mist“ von Darabont die zweite Verfilmung eines Werks von Stephen King, bei der das abgeänderte Finale das Buch um ein Vielfaches übertrifft.
Alles, was ich vor dem Anschauen von „Predators“ von David Osit über Chris Hansen und seine Sendung wusste, erfuhr ich aus der „South Park“-Folge „Le Petit Tourette“ (Staffel 11, Folge 8). Das ist wohl ein weiterer Grund, warum dieser Dokumentarfilm einen so großen Eindruck auf mich gemacht hat. Was war das Wesen von Chris‘ Projekt To Catch a Predator? Sein Team verfolgte zusammen mit der Polizei und „lebenden Ködern“ (Erwachsenen, die wie Teenager aussahen) Erwachsene, die in sozialen Netzwerken mit Personen Kontakt aufnahmen, die sie für Minderjährige hielten, und lockte sie zu einem Treffen unter Aufsicht der Strafverfolgungsbehörden. Den Zuschauern wurde das Gespräch des Moderators mit den Protagonisten und ihre anschließende Festnahme gezeigt, wobei der präventive Charakter dieser Aktionen zum Schutz von Kindern betont wurde.
Für die USA wurde diese Show zu einem gewissen Markstein einer Ära, und Chris Hansen zu einer erkennbaren Figur der Popkultur (neben „South Park“ wurde der Moderator in Dutzenden von Shows und Sitcoms erwähnt und parodiert). Dabei war „To Catch a Predator“ keine eigenständige Sendung, sondern eine Reihe von investigativen Sonderausgaben innerhalb der Nachrichten-Dokumentationsshow „Dateline NBC“. Bis 2007 entfielen 19 der 25 meistgesehenen Stunden auf MSNBC auf nächtliche Wiederholungen. NBC stellte die Show im selben Jahr 2007 im Zuge eines großen Skandals (wir verzichten auf Spoiler) und wachsender Kritik am Format ein. Der Show wurden Provokationen und mögliche Verletzungen der Rechte von Verdächtigen vorgeworfen.
David Osit kam zur Erstellung von „Predators“, als ihm klar wurde, dass sich um das alte TV-Segment eine ganze Gemeinschaft von Fans, Archivaren und Nachahmern gebildet hatte – von YouTube-„Jägern“ bis zu Subreddits, die davon leben und vollständige, nicht ausgestrahlte Versionen der „Hinterhalte“ sammeln. Ein weiterer Ausgangspunkt waren Fragen. Wie kommt es, dass eine Sendung, die vor mehr als 15 Jahren aus dem Äther verschwunden ist, immer noch in Form von Memes und Reposts im Internet kursiert, und werden die Zuschauer, die diese Aufnahmen immer wieder ansehen und verbreiten, nicht selbst Teil dieser öffentlichen Demütigung?
Am Ende ist einer der besten Dokumentarfilme der letzten Jahre entstanden, der keinen Raum für „moralische Flucht“ lässt. Er erlaubt uns, selbst zu spüren, wo der Journalismus endet und die Ausbeutung fremden Leids beginnt. Und wie ein Fernsehprojekt, das ursprünglich als Mittel des Schutzes und der Warnung gedacht war, sich mit der Zeit den Gesetzen der Dramaturgie und der Einschaltquoten unterwirft. Der Fokus des Dokumentarfilmers liegt nicht mehr nur auf dem Moderator selbst, sondern auch darauf, wie der Sender die Geschichte zusammenstellt, den Schockgrad berechnet und auf dem Bildschirm ein bequemes Bild des „vorbildlichen Raubtiers“ erschafft.
Uns werden nicht einzelne Skandale gezeigt, sondern ein ganzes Ökosystem: Medien, Polizei, Aktivisten und Publikum, die sich gegenseitig nährten (und weiterhin nähren werden) die Existenz dieses Formats. Die gut eineinhalb Stunden sehen sich in einem Atemzug an, wecken eine urzeitliche Neugier und viele Emotionen, auch darüber, wie leicht fremde Scham, Schmerz und Angst in sensationsheischenden Content verwandelt werden.
Eine der stillsten Premieren des vergangenen Jahres war die Komödiendrama „Code 3“ von Christopher Leone, das von einem Rettungssanitäter erzählt, dargestellt von Rainn Wilson, den die meisten Zuschauer als Dwight aus der Kult-Sitcom „The Office“ kennen. Auf den ersten Blick erzeugen der amüsante Erzählton und der Hauptdarsteller zusammen ein Gefühl von Leichtigkeit und Unbeschwertheit beim Anschauen. Doch bereits der Einstieg des Films macht deutlich, dass wir es mit einem Menschen zu tun haben, der an seinem Arbeitsplatz unter einer tiefen Depression leidet.
Rainn Wilson hat wohl eine der besten schauspielerischen Leistungen seiner Karriere gezeigt. Gestützt auf sein närrisches Rollenfach spielt er meisterhaft mit dem Kontrast von Ironie und Drama und zeigt die ganze Tiefe der Gefühle und Erlebnisse allein mit einem Blick. Die von ihm verkörperte Figur ist voller Verzweiflung, Zynismus und Gleichgültigkeit, wirkt aber dennoch zutiefst menschlich und ruft aufrichtiges Mitgefühl und Verständnis hervor. Viele bemerken zu Recht die Ähnlichkeit des Films „Code 3“ mit dem harten Drama von Jean-Stéphane Sauvaire, da beide Filme synonyme Themen behandeln. Nur dass die Tragikomödie von Christopher Leone im Gegensatz zum naturalistischen Noir mit Sean Penn den Zuschauern Hoffnung auf eine helle Zukunft gibt, die in unserer permanent instabilen Welt so sehr fehlt.
In den russischen Kinos ist die Verfilmung des Bestsellers „Black Flies“ angekommen, ein Teilnehmer des letztjährigen Filmfestivals von Cannes – der schockierende Thriller „Asphalt-Dschungel“ mit Sean Penn und Ta
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Der Handlung des Films „Downhill“ zufolge ist Aurora (die wunderbare Joana Santos) aus Portugal nach Schottland eingewandert, um ein besseres Leben zu suchen, und hat eine Stelle im Lager eines lokalen Wildberries-Äquivalents angenommen. Mit dem besseren Leben hat es nicht geklappt, und sie sucht von Tag zu Tag nur nach Waren, die sortiert und verschickt werden müssen. Sie und ihre Kollegen verstehen, dass man so im Grunde nicht leben kann: Selbst Roboter würden diese Arbeit unerträglich finden, und Aurora ist ein lebendiger Mensch mit Interessen, Gefühlen, Leidenschaften. Diese sehen wir allerdings kaum: Der Mensch passt sich der Umgebung an, und die einzige Anpassungsmöglichkeit unter Auroras Lebensbedingungen ist, Emotionen zu unterdrücken, auf Freizeit zu verzichten, in gewissem Maße aufzuhören, man selbst zu sein.
Auroras Drama ist alltäglich, in ihrem Leben gibt es keine Tragödien – Ereignisse, die man leicht als solche klassifizieren und darüber klagen könnte –, denn ihr ganzes Leben ist aus einem bestimmten Blickwinkel eine Tragödie. Der Unbehaustheit, Verlorenheit, inneren Migration in Richtung hoffnungsloser Trübsal. Das Debüt von Laura Carreira wird nicht umsonst mit dem Kino von Ken Loach verglichen – wie den großen britischen Sozialisten bewegt sie die innere Zerstörung des Menschen vor dem Hintergrund der äußeren Krise der Gesellschaft. Aber wo bei Loach immer das Pathos der Klassensolidarität durchscheint, herrscht bei Carreira eine ziemlich zarte Melancholie alltäglicher Episoden. Unerwiderte Verliebtheit in einen gutmütigen Polen (eine großartige Szene in der Bar), eine Narbe am Arm einer geselligen Verkäuferin, eine zusätzliche Portion Eintopf in Momenten des Hungers; letztlich – einfache Güte.
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