Von „Battle of the Battles“ mit Leonardo DiCaprio bis zu „Sinners“ von Ryan Coogler – präsentieren wir Ihnen die besten Filme des Jahres 2025, die bewiesen haben, dass Autorenkino noch überraschen kann und das Publikumskino kreativ sein kann.

2025 erwies sich als eines dieser seltenen Jahre, in denen Kritiker und Publikum fast einhellig einer Meinung waren – und das allein ist schon eine Sensation. In einer Ära endloser Sequels und Franchises, die dem Kino die letzten Säfte der Kreativität aussaugen, geschah plötzlich ein Wunder: Autorenkino überlebte nicht nur, es brachte die Leute zum Reden. Von der fast dreistündigen Epopöe Guillermo del Toros über den berühmten Wissenschaftler und seine monströse Schöpfung bis zum stylischen Vampir-Actionfilm Ryan Cooglers mit zwei Michael B. Jordans – das Jahr war außergewöhnlich vielfältig. Paul Thomas Anderson erinnerte uns daran, warum er der wichtigste Formalist des modernen Kinos bleibt, Mike Flanagan adaptierte erneut brillant Stephen King, und Park Chan-wook drehte eine urkomische Komödie. Wir in der Redaktion von „Nach dem Abspann“ haben alles gesehen, was wir in die Finger bekommen konnten (legal und weniger legal), bis zur Heiserkeit diskutiert und schließlich eine Liste der Filme zusammengestellt, die das Kinojahr geprägt haben. Wir sind sicher, dass Sie den Spitzenreiter unserer Top-Liste bis zum Schluss nicht erraten werden.

Platz 10 – „Train Dreams“

Regisseur Clint Bentley, den viele als Drehbuchautor von „Sing Sing“ in Erinnerung haben, nahm sich die Novelle von Denis Johnson vor und verwandelte sie in eine meditative Aussage darüber, wie leicht die Geschichte einen Menschen vergisst, selbst wenn er sie mit eigenen Händen baut. Der Film debütierte in Sundance, landete in den Top 10 der besten Filme des Jahres laut National Board of Review und American Film Institute, und Joel Edgerton erhielt eine Golden-Globe-Nominierung – und das alles zu Recht.​

Die Handlung spielt zu Beginn des 20. Jahrhunderts in den Bergen von Idaho, wo der Holzfäller und Eisenbahner Robert Grainier (Edgerton) monatelang auf der Arbeit verschwindet – er fällt Bäume, verlegt Schwellen, baut Brücken. Amerika industrialisiert sich rasant, Dampflokomotiven donnern, Autos tauchen auf, und Robert bleibt irgendwo am Rande dieses Fortschritts, führt ein einfaches und stilles Leben neben seiner Frau Gladys (Felicity Jones). Nach einer Familientragödie wird er zum Einsiedler, zum Zeugen vieler Jahrzehnte amerikanischer Geschichte, die an ihm vorbeirauscht wie eben jene Züge durch die Wälder.​

„Train Dreams“ ist ein Film, der beweist: Man kann eine fesselnde Geschichte ganz ohne gewohnte Handlung erzählen (im Grunde: ein Mann arbeitete, heiratete, starb – das ist die ganze Handlung des Films). Es gibt keine dramaturgischen Wendungen oder Actionszenen, dafür aber eine atemberaubende Kameraarbeit, den Soundtrack von Nick Cave und Edgertons schauspielerische Leistung, die Gänsehaut verursacht. Es ist ein Filmgefühl, bei dem jede Einstellung von Melancholie und der Schönheit der wilden Natur durchdrungen ist, und der Protagonist stellt sich genau dieselben Fragen nach dem Sinn des Lebens wie wir heute. Langsam, tiefgründig, stellenweise schwer – aber genau solche Filme bleiben einem lange im Gedächtnis.

Platz 9 – „Frankenstein“

„Frankenstein“ von Guillermo del Toro ändert nicht die Spielregeln, die Mary Shelleys Roman vorgibt. Es fühlt sich wohl darin, sich wie vor zweihundert Jahren in Gothic zu kleiden, fremde Skepsis und Unglauben zu überwinden, aber nicht mehr durch die Hinwendung zu „niederen“ Mitteln des Sinnlichen (Angst und Schrecken), sondern dank einer ungewohnten Anordnung längst von der Menschheit verinnerlichter Elemente. Schöpfer, sehr viele Schöpfer umgaben Mary Shelley: ihr Ehemann Percy Shelley, Lord Byron, eine progressive feministische Mutter und ein egozentrischer Vater-Philosoph. Die Schriftstellerin hörte die edlen Seufzer Dutzender Viktor Frankensteins, auch den in ihrem erstaunlichen Kopf. Erschaffen und von der eigenen Schöpfung verfolgt werden, sich versuchen lassen und Verantwortung übernehmen – die Qualen eines Autors, der zufällig ein Monster erschaffen hat.

Guillermo del Toro hat ein ganzes Bestiarium von Wesen in die Welt entlassen und bewiesen, dass er ein weiterer Prometheus, ein weiterer prüfender Gott ist, aber ist er mit dieser Position zufrieden? Der mexikanische Regisseur hat mehrfach klargemacht, dass er nicht nur auf der Seite derer steht, die gegen ihren Willen Leben schenken, sondern auch auf der Seite derer, die dieses Leben leben. Guillermo del Toro ist ein Monster, deshalb besuchen seine Gedanken ständig unerforschte Lebensformen (der Amphibienmensch, Pinocchio) oder Außenseiter (Elisa Esposito aus „Shape of Water“, Ofelia aus „Pans Labyrinth“).

Vielleicht hat das beeinflusst, wie der „Frankenstein“ von 2025 geworden ist. Noch immer düster in seiner Eleganz erstarrter Formen, aber nun im Namen der Schöpfung, nicht des Schöpfers. Das Monster hat über sich selbst gesprochen und Viktor angeklagt, und wir haben eine neue Vorstellung von Monstrosität bekommen. Die ewige Handlung von Mary Shelley hat das Recht, unverändert zu bleiben, aber das neue Jahrhundert ist nicht ohne Befugnis, Narrative nach den Bedürfnissen des modernen Menschen umzugestalten. Nicht nur Gott, sondern auch Adam, nicht nur der Autor, sondern auch das Buch, nicht nur der Vater, sondern auch der Sohn.

Platz 8 – „Sorry, Baby“

Eva Victor wagte in ihrem Debüt einen sehr mutigen Schritt: Sie schrieb und inszenierte einen Film, in dem sie selbst die Hauptrolle spielte. Wenn man „Sorry, Baby“ sieht, wird schnell klar, dass die Hauptrolle keine andere Schauspielerin der Welt so hätte verkörpern können, wie die Regisseurin selbst es tut. Ihr Spiel gleicht nicht einer gewöhnlichen Darbietung – es ist eher ein reines Durchleben der Figur.

Agnes ist Literaturdozentin an der Universität und führt ein sehr asketisches und zurückgezogenes Leben. Bald verstehen wir, dass sie seit einem bestimmten traumatischen Ereignis tief in einer Depression steckt. Man könnte meinen, eine solche Handlungsbeschreibung würde zu einem maximal düsteren, moralisierenden und schweren Schauspiel einladen. Aber Eva Victor überrascht den Zuschauer, indem sie Stereotype vermeidet.

Sie schuf einen Film, der weniger von der Dunkelheit der Verzweiflung und dem Schrecken des Traumas spricht, sondern vielmehr davon, wie ein Mensch mit diesen Erfahrungen umgeht. Davon, wie nach und nach Licht in die Dunkelheit eindringt. In dieser gemächlichen und manchmal kalten Erzählung zeigt sich besonders deutlich der Wert der Wärme, die man in Freundschaft, in einem einfachen Fremden oder sogar in einem Straßenkätzchen finden kann. Der Film „Sorry, Baby“ sagt, dass schreckliche Dinge unvermeidlich sind, aber wenn es jemanden gibt, mit dem man seinen Schmerz teilen kann, wird alles wieder gut.

Platz 7 – „Das Leben des Chuck“

„Das Leben des Chuck“ ist wohl der lebensbejahendste und freundlichste Film, der je nach Stephen King gedreht wurde. Mike Flanagan, der den Meister bereits zweimal verfilmt hat, verwandelt eine kleine Erzählung des Horror-Meisters behutsam in ein bewegendes und inspirierendes Kino. Der Film hat eine leichte Mystik und ein Gefühl des Unerklärlichen, aber vor allem packt er auf der Ebene der Gefühle und Emotionen. Über die Handlung möchte man bewusst kein Wort verlieren – das ist einer dieser Fälle, in denen man den Film am besten mit einem unbefangenen Kopf sieht.

Ein angenehmer Bonus waren die zahlreichen Cameo-Auftritte von Flanagans Lieblingen, Anspielungen auf Carl Sagan, das ironische Auftreten des Regisseurs selbst im Bild und natürlich die Tanzeinlage des unvergleichlichen Tom Hiddleston.

„Das Leben des Chuck“ ist ein Film, der an den Wert des Lebens in jedem seiner Momente und Erscheinungsformen erinnert, und eine sehr zarte und wichtige Erinnerung, besonders in der heutigen Zeit.

Platz 6 – „Sarrat“

Es gab wohl 2025 keinen beunruhigenderen, zeitgemäßeren und mit dem Zeitgeist resonierenden Film als den, den der Spanier Oliver Laxe nach Cannes brachte. Eine meditative, fast traumartige Parabel über die Irrfahrt durch die marokkanische Wüste zu einem hypnotischen Rave-Soundtrack entpuppt sich als eine für den Zuschauer absolut gnadenlose Begegnung mit der Realität. „Sarrat“ schlägt im dritten Akt mit einer so hemmungslosen und keine anderen Interpretationen zulassenden Wut Alarm, dass keine Fragen mehr offen bleiben, was der Autor sagen will oder warum dieses Werk gerade jetzt das Licht der Welt erblickt hat.

Laxe spricht offen und ohne Umschweife vom Ende der Welt, hält es aber bis zu einem bestimmten Punkt im Hintergrund, als Hintergrund für die Haupthandlung, als etwas fast Alltägliches, das parallel geschieht oder vielleicht bereits geschehen ist. Wir sehen ein Mosaik aus verstreuten, aber erkennbaren Bildern: zerfetzte Autos, Flüchtlingsströme, Spuren von Raupen im Sand, verstreute Patronenhülsen, eiskalte (aber wenig informative und die Protagonisten nicht besonders interessierende) Radionachrichten sowie Gesichter von Einheimischen, die in stummem Entsetzen erstarrt sind, als hätte sich vor ihnen gerade die Hölle aufgetan. Ob man tanzt bis zum Umfallen oder rennt, ohne sich umzusehen – ein abgefahrener Trip (im Kontext des Films sind beide Bedeutungen zutreffend) schützt nicht vor dem Sturm.

Sich dem Eskapismus hingebende Partygänger, die unbekümmert direkt auf einem Minenfeld tanzen – ist das nicht das treffendste Porträt unserer Gesellschaft (und insbesondere der Menschen aus der Kunstwelt) im Jahr 2025?

Platz 5 – „The Tools“

Aus einer Schulklasse verschwinden plötzlich und spurlos alle Schüler bis auf ein Kind. In der ruhigen Kleinstadt bricht Panik aus: Was oder wer könnte der Grund für das Massenverschwinden sein? Die Ermittlung des Geheimnisses obliegt unerwarteten Figuren: einer Lehrerin, die versucht, Schuld und Entsetzen mit Alkohol zu betäuben (Julia Garner), dem Vater eines der Vermissten (Josh Brolin) sowie einigen Bewohnern, deren beschauliches Leben in der amerikanischen Vorstadt sich über Nacht in einen Albtraum verwandelt hat, der alle gewohnten Regeln bricht.

„The Tools“ von Zach Cregger („Barbarian“) ist einer dieser seltenen Fälle, in denen ein Film, der fast sofort zum Kassenschlager wurde, auch noch Anspruch auf den Status eines modernen Klassikers des Genres erhebt. Er wurde bis auf die Knochen auseinandergenommen, man stritt über ihn, er gab Anlass, erneut über die Wiederbelebung des Autoren-Horrors zu sprechen, der sowohl Filmkritiker als auch das Massenpublikum fesseln kann. Der Film zeichnet sich durch die Ambitionen eines soliden Detektivfilms und die Manier von Ozgood Perkins und Stephen King aus. Der Film hält gekonnt die Spannung, erschreckt nicht zu knapp, verwirrt manchmal absichtlich, aber das kommt ihm nur zugute.

Dies ist zweifellos der Horrorfilm des Jahres, in dem sich ein Genre-Experiment kühn mit einer eleganten Parabel über schädliche Abhängigkeit verbindet. Und das ist so kunstvoll gemacht, dass man alle sorgfältig versteckten Bedeutungen und Anspielungen beim ersten Mal leicht übersehen kann. Tante Gladys ist eine eigene Geschichte. Ein würdiger Neuzugang in der Sammlung faszinierender Monster. Ihr Bild wirkt zu hundert Prozent, selbst wenn man nicht genau versteht, was sie verkörpert. Bei gutem Horror ist diese beunruhigende Untertreibung jedoch die größte Stärke.

Platz 4 – „Elimination Method“

Yoo Man-soo (Lee Byung-hun) ist ein hochqualifizierter Spezialist mit fünfundzwanzig Jahren Erfahrung in der Papierindustrie. Besitzer eines renovierten Familienhauses und vorbildlicher Familienvater, ist er von der Stabilität seiner Welt überzeugt. Daher ist die plötzliche Kündigung ein echter Schock für ihn. Monate erfolgloser Arbeitssuche werden zur Bedrohung, alles zu verlieren. In seiner Verzweiflung kommt Man-soo zu einer radikalen Lösung: seine Hauptkonkurrenten physisch zu beseitigen – ebenfalls qualifizierte und verzweifelte Arbeitslose wie er.

Vor dem Hintergrund beißender Pamphlete wie „Eddington“ von Ari Aster wirkt „Elimination Method“ von Park Chan-wook überraschend intim. Formal ist es ebenfalls eine Satire auf den Kapitalismus mit seinen Übernahmen, KI und Unternehmensdämonen. Aber der Regisseur zeigt östliche Weisheit: Ihn interessiert weniger das System als vielmehr, wie sich dessen Störungen im Mikrokosmos einer einzelnen Familie widerspiegeln. Die Krise tritt ein, wenn Männer, die in Stabilität gebadet haben, nach der Kündigung an den Rand gedrängt werden. Ihre Frauen müssen entscheiden: bis zum Ende bei ihnen bleiben und die Ausbrüche ignorieren. Oder, wenn die Situation den Siedepunkt erreicht, den problematischen „Aktivposten“ physisch beseitigen.

Gerade die weibliche Hälfte beobachtet Park Chan-wook am genauesten, schaltet bewusst den moralischen Stimmgabel aus und bleibt ein externer Beobachter. Am Ende ist die stärkste Seite des Films nicht seine giftig-satirische Schlagkraft, sondern ein feines Arbeitsplatzdrama über Menschen im Epizentrum des Absturzes. Unerwartet, aber wahr: In einem Jahr voller lauter Pamphlete erwies sich eine der überzeugendsten antikapitalistischen Arbeiten als eine Geschichte über die Familie.

Platz 3 – „Sinners“

Vor dem Hintergrund mehrerer anderer großer und lauter Veröffentlichungen Ende 2025 schienen „Sinners“ von Ryan Coogler etwas „verloren“ gegangen zu sein, aber es ist wirklich einer der seltsamsten (im guten Sinne) und tiefgründigsten Triumphe des Jahres. Und die letzte Bastion origineller Ideen unter den Studio-Blockbustern. Der Film kam an den Osterwochenenden in die weltweiten Kinos und wurde zu einem Wunder, das weder Hollywood noch das Publikum erwartet hatte. Er spielte weltweit 368 Millionen Dollar ein und wurde (zu diesem Zeitpunkt) zum erfolgreichsten Originalfilm der letzten 15 Jahre sowie zum zehnt-erfolgreichsten R-Rated-Film aller Zeiten.

Ich denke, eines der Hauptgeheimnisse ist, dass die scheinbar lokale Erzählung über den Süden der 1930er Jahre, die Ära von Jim Crow, zu einem universellen Mythos über die Bewahrung des Selbst gegen „unsterbliche“ Assimilation wird. Das berührt jeden, der jemals einen Verlust von Identität und „Wurzeln“ oder die Notwendigkeit, dafür zu kämpfen, gespürt hat.

Für mich ist an diesem Film alles wunderbar, aber die unglaubliche Musik von Ludwig Göransson, die die wahre Hauptfigur ist, wirkt wie ein Defibrillator für die Seele: von Blues mit der atemberaubenden Stimme von Miles Caton, für den die Rolle in „Sinners“ sein Filmdebüt war (aber das ist kaum zu glauben), bis zu irischen Motiven – einer der besten Originalsoundtracks der letzten zehn Jahre.

Es ist keine Neuerfindung des Vampirfilms, im Grunde ist es nicht einmal Horror. In der heutigen Ära der Popcorn-Filme mit offensichtlich aufgedrängten Botschaften, die einfach nicht mehr funktionieren, weil keine Seele hinter ihrer Entstehung steckt, ist eine so durchdachte und persönliche Geschichte, die gleichzeitig so viele Zuschauer auf der ganzen Welt etwas fühlen lässt, ein Hauch frischer Luft. All das macht „Sinners“ zu einem Erlebnis, das es in letzter Zeit nicht oft gibt. Übertreibung oder nicht, aber ich bin sicher, wir werden noch lange über diesen Film sprechen.

Platz 2 – „Battle of the Battles“

Paul Thomas Anderson hat „Findet Nemo“ (wenn Sie ein Fan der Klassiker sind, dann „Der Seewolf“) mit einem Bändchen Thomas Pynchon in der Hand neu verfilmt. In der Darstellung des Regisseurs wird die klassische Handlung, in der ein etwas paranoider und verlorener Vater versucht, sein in Wirklichkeit viel anpassungsfähigeres Kind (in diesem Fall die Tochter) zu retten, zu einem großen amerikanischen Roman. Der von Leonardo DiCaprio gespielte Vater kann die Welt nicht akzeptieren, in der er ein Relikt einer vergangenen Epoche ist; Nazis suchen Liebe und Anerkennung; gestrige Revolutionäre retten, wenn auch mit einer unglaublichen Lächerlichkeit, den heutigen Tag. Überall Verwirrung, Angst vor dem Verlust von Idealen, mit denen die Helden in der Regel auch sich selbst verlieren.

Eine direkte Verfilmung von Thomas Pynchons Prosa war in Andersons Karriere „Inherent Vice“, aber gerade in „Battle of the Battles“, das nur von Pynchon inspiriert ist, erlaubte sich der Regisseur Leichtigkeit, konnte die Überfülle des Stils des Schriftstellers, die in Melancholie übergehende Absurdität seiner Romane widerspiegeln. Nonnen mit Maschinenpistolen; DiCaprios Hysterie, der das geheime Passwort vergessen hat; Karate-Sensei (der großartige Benicio del Toro), der bei der Festnahme tanzt. „Battle of the Battles“ ist wie die besten klassischen Werke furchtbar fesselnd, man möchte es sofort noch einmal sehen. Und allein damit gewinnt es gegen die Realität, deren Kritik es angeblich gewidmet ist.

Platz 1 – „Sentimental Value“

Das Jahr 2025 brennt im Feuer der Familiendramen. So erobert „Sentimental Value“ unter lauten, manchmal ironischen Konkurrenten das Publikum mit purer Aufrichtigkeit. Es scheint, als atme der Film von der ersten bis zur letzten Einstellung damit, beginnend mit dem Prolog über die Geschichte des Hauses und seine unscheinbaren Details, endend mit einem offenen Ende, in dem die Interpretation der Beziehung der Hauptfiguren im Off bleibt.

„Sentimental Value“ ist besonders therapeutisch, wenn man es mit seinen Lieben sieht, denn genau sie möchte man im vergehenden Jahr verstehen und verzeihen. Fügt man zur Idee der gegenseitigen Barmherzigkeit das Schauspielerduo Renate Reinsve und Stellan Skarsgård hinzu, bleibt kein Zweifel, dass dies der Film des Jahres ist.