Elaine May war die Erste, die sich weigerte, nach den üblichen Regeln zu spielen, und ebnete vielen modernen Regisseurinnen den Weg. Es geht um die Autorin von nur 4 Filmen, die die Vorstellung von Autorenfilmen von Frauen für immer verändert haben.

In den knapp 20 Jahren ihrer Karriere gelang es Elaine May, die Würde des männlichen Hollywoods in Frage zu stellen, die Kanons des amerikanischen Humors zu brechen und einen Film zu drehen, der gleichermaßen Zuschauer und Kritiker erzürnte.

„May-Nichols“

Elaine May, geborene Berlin, wurde 1932 in Los Angeles als Tochter eines Theaterregisseurs geboren. So sagen es viele Quellen. Aber stimmt das? Elaine Mays Biografie ist ein Realfilm in Reinkultur. Sowohl was die Anzahl einprägsamer Bilder und Ereignisse betrifft, als auch den Grad der Fiktion.

Man muss sagen, dass Miss May selbst ein eher verschwiegener Mensch ist und selten auch nur kurze Interviews gibt. Das letzte große Gespräch fand 1967 während der Promotion des Films „Love“ statt, in dem sie eine der Rollen spielte.

Alles, was später gesagt wurde, wie die Regisseurin später zugab, war eine geplante Lüge, die auf leichtgläubige Journalisten abzielte. Aber eines ist sicher: Es war das „Compass“-Studio und die Begegnung mit Mike Nichols während des Studiums.

Ihre Bekanntschaft glich bereits einem Comedy-Sketch. Der junge Nichols probte auf der Universitätsbühne eine Rolle in dem schwedischen Stück über den Sündenfall „Fräulein Julie“ und übertrieb dabei maßlos.

Aus dem Augenwinkel bemerkte er im Saal ein Mädchen, das offen ihre Verachtung für seine schauspielerischen Fähigkeiten zeigte. Diese Reaktion überraschte ihn äußerst, und er interessierte sich für May. Am Abend traf er sie am Bahnhof, wie sie Zeitung las. Nichols gab vor, ein Spion zu sein, und begann ein improvisiertes Gespräch mit ihr. May griff die gemeinsame Welle sofort auf und begann aktiv mitzuspielen. Sie setzten ihre Improvisation ununterbrochen bis zur Tür ihrer Wohnung fort. Schon bald sollte dieser studentische Scherz das puritanische Amerika zu Fall bringen.

Das Duo „May-Nichols“ hatte in den 60ern den Popularitätsgrad der Beatles und die Wirkung einer Atombombe. Ihre Auftritte wurden von mehreren Millionen Menschen gesehen, die nach Veränderung dürsteten. Während auf der Comedy-Bühne die physische Komödie von Jerry Lewis und Bing Crosby das Sagen hatte, scheuten sich die jungen Comedians nicht, Verbote zu brechen und Regeln zu missachten. In ihren Sketchen sprachen sie erstmals über das Sexualleben von Jugendlichen, die Angst vor Beziehungen haben, Mütter, die ihre Söhne nicht erwachsen werden lassen, und das Thema Untreue zwischen Ehemännern und Ehefrauen.

Außerdem konnten sie bei Live-Konzerten, während sie ihre Comedy-Fähigkeiten verfeinerten, das Publikum um eine alltägliche Situation bitten und diese, jonglierend mit literarischem Hintergrund, im Stil von Tolstoi bis Ibsen ausspielen. Grenzen gab es für sie nicht.

Die Schärfe des Materials und die improvisatorische Kraft ihrer Auftritte waren so stark, dass einige von ihnen einen Grammy für das beste Comedy-Album erhielten. Und zukünftige Bühnenriesen wie Robin Williams, Steve Martin und David Letterman verhehlten nicht den Einfluss von May und Nichols auf ihre Karrieren.

Doch bereits 1961 bekam das Comedy-Duo Risse, und die Gruppe löste sich auf. Hauptgrund war kreative Erschöpfung. Nichols zog es immer mehr zur ernsthaften Regie, also machte er sich daran, den Hays Code in „Die Reifeprüfung“ zu stürzen, während May sich für 10 Jahre in den Schatten zurückzog und Theaterstücke für die Bühne schrieb, um in den 70ern in einer anderen Rolle zurückzukehren.

„Ein neues Blatt“

„Ein neues Blatt“ – Elaine Mays erster eigenständiger Film als Regisseurin – war in seiner Handlung für eine gewöhnliche Romantische Komödie äußerst revolutionär. Wenn es vor ihr in Filmen dieses Genres zwei ungleiche Menschen gab, die am Ende ein Paar wurden, so verdrehte May ihre Unterschiede bissig und zynisch zu offenem Grotesk.

Der Protagonist Henry, ein älterer Junge mit silbernem Löffel im Mund, verliert eines Tages aufgrund von Verschwendung seine Dampfschiffe, Flugzeuge und Autos. Um über Wasser zu bleiben, muss er eine Scheinehe eingehen und dann die Braut ums Erbe willen ins Jenseits befördern.

Aber die Angebetene hat neben einer stattlichen Mitgift einen unstillbaren Drang zur Botanik und eine natürliche Ungeschicklichkeit, sowohl physisch als auch in finanziellen Angelegenheiten. Unerwartet wird der ausgeklügelte Bereicherungsplan zur „Erziehung eines Kleinkindes“.

May beginnt bereits in ihrem Debüt mit der Dekonstruktion der männlichen Welt. Sie spart nicht damit, das starke Geschlecht als verwöhnte Kinder darzustellen, und besetzt daher Walter Matthau – einen anerkannten Comedy-Giganten, den ewigen mürrischen alten Mann des amerikanischen Kinos und Teil des legendären Duos mit Jack Lemmon.

Sein Henry Graham ist ein Überbleibsel des Patriarchats, der den verkauften Fuhrpark beweint und kriminelle Wege geht, um das Image eines unverbesserlichen Playboys aufrechtzuerhalten. Er ist lächerlich und offen erbärmlich in seinen Methoden, die Ehefrau auf jede erdenkliche Weise zu töten, die weder durch Gift noch Ertrinken umkommt. Aber nicht ohne Fürsorge.

Die „Ehefrau“ spielt Elaine selbst, und zwar mit aller komödiantischen Kraft. Das ist physischer Humor in Reinkultur. Henrietta ist erstaunlich albern und kristallklar ungeschickt. Eine einzige 5-minütige abendliche stumme Szene des Anziehens eines griechischen Nachthemds ist vielen anderen Vertretern des Genres überlegen. Und wie sie filigran, einen nach dem anderen, das Service vor den Augen der High Society zerbricht! Das kann man sich endlos ansehen.

In „Ein neues Blatt“ kreuzt May wie ein talentierter Züchter sehr präzise verschiedene Elemente. Schwarze Komödie wird hier in die Romantische Komödie eingewoben und schafft einen paradoxen Fall, in dem Profitgier und tiefer Egoismus ein echtes hohes Gefühl ohne unnötige Sentimentalität hervorbringen.

„Ein neues Blatt“ ist nicht nur ein furioses Debüt, sondern auch das erste Kapitel von Elaine Mays erbittertem Kampf mit Hollywood-Produzenten. Sie kämpfte 20 Jahre lang ohne Waffenstillstand mit ihnen. Mit dieser Beharrlichkeit und dem Verteidigen ihrer Autorenpositionen ähnelt sie einem weiteren eigensinnigen großen Regisseur. Orson Welles trat nach der Veröffentlichung des Kultfilms „Im Zeichen des Bösen“ in einen jahrelangen Konflikt mit Hollywood wegen der Änderung des Films durch die Produzentenschere und der Einstufung als „B“-Film. Erst 40 Jahre später wurde „Im Zeichen des Bösen“ in der Autorenfassung veröffentlicht. Aber Mays Filme wurden nie in der Originalversion gezeigt.

Das erste Mal bissen ernsthafte Männer in Anzügen, darunter der große und schreckliche Robert Evans, Produzent von „Der Pate“, dem Film genau die Hälfte der Laufzeit ab. Sie kürzten die 3-stündige Version auf die bekannten anderthalb Stunden. Und sie entfernten brutale Morde an Nebenfiguren und explizite Szenen der Frauenfeindlichkeit. Mays düstere und kompromisslose Sichtweise wurde aufgehellt. Als Elaine von den „Verlusten“ erfuhr, wollte sie ihren Namen aus dem Abspann entfernen, aber das Studio ließ dies nicht zu.

„Der Herzensbrecher“

„Der Herzensbrecher“ ist nach den Worten des bekannten Kritikers Jonathan Rosenbaum einer der besten Filme des Jahres 1972. Dieser Film ist eine Illustration des bekannten Satzes von Bulgakow: „Fürchte dich vor deinen Wünschen, sie könnten in Erfüllung gehen.“

Der junge New Yorker Jude Lenny heiratet überstürzt ein gewöhnliches Mädchen namens Lila. Sie fahren in eine südliche Kleinstadt in die Flitterwochen, wo Lenny Kelly trifft, eine junge Studentin, die im Urlaub ist. Die restlichen anderthalb Stunden bereut der Held seine erste Wahl und versucht, die Zuneigung der neuen Angebeteten zu gewinnen, die nicht so einfach ist, wie sie scheint.

„Der Herzensbrecher“ ist Elaine Mays giftigster und mitleidlosester Film. Es ist schwer, dieses Werk einfach als vorbildliche Anti-Romantische Komödie zu bezeichnen. Ja, es gibt hier rein genretypische Szenen wie die verbrannte Ehefrau und ihr schlechtes Singen, das den Helden in den Wahnsinn treibt. Oder der Moment, in dem Lila mitten in der Nacht einen Schokoriegel verschlingt und Lenny auf die Nerven geht. Aber das wird so zynisch gezeigt, dass das Lachen eher nervös ist – aus Angst, dass es im Leben genauso ist. Elaine dokumentiert die Chronik des Zerfalls einer frühen Ehe. Verliebtheit wird zur Alltäglichkeit, und das Märchen wird zur schweren Prosa des Lebens. Miss May handelt kompromisslos und fügt naturalistische Züge der Arbeiten von John Cassavetes hinzu.

Die Szene im Restaurant am Meer, in der Lenny Lila verlässt, ist mit einer dokumentarischen Kamera gedreht, und die ganze Bitterkeit und der Groll der Heldin werden wie im Leben gezeigt – distanziert und alltäglich. Nach dem Anschauen werden Sie Pekannusstorte nicht mehr ruhig ansehen können, das versichere ich Ihnen.

In der Reihe von Porträts von Männern unterschiedlicher Verdorbenheit und Niedertracht in Mays Filmen belegt Lenny souverän den ersten Platz. Das ist ein großes Verdienst von Charles Grodin. Sein Charakter betrachtet die Frau nicht als Menschen, sie ist ein Zahlungsmittel. Deshalb bricht er das Leben der ersten Frau, lenkt seine Aufmerksamkeit auf Kelly und führt sie am Ende zum Traualtar. Aber er selbst sehnt sich nicht besonders nach der Heirat. Er will eine weitere Trophäe, ein Spielzeug, ein Erinnerungsstück, aber keine Lebensgefährtin und keinen Herd. Nicht umsonst sitzt er vor dem Abspann auf der Couch in der Pose von Rodins Denker und denkt bereits über die Möglichkeiten der Auflösung der neuen Ehe nach. Lenny verbrennt mit Napalm alles, was er berührt, in dem Versuch, ein existenzielles Loch zu stopfen.

Im Jahr 2007 bastelten die Farrelly-Brüder, anerkannte Meister des Humors an der Grenze, ein Remake mit dem Titel „Das Mädchen meiner Albträume“. Sie besetzten einen weiteren New Yorker Juden, Stiller, in der Hauptrolle, tauschten die Ereignisse des Films aus, fügten einen Sack voll Vulgaritäten hinzu und klebten ein banales Happy End anstelle des philosophischen Endes. So grausam wurde May nicht einmal von ausgeklügelten Produzenten behandelt.

„Mikey und Nicky“

„Mikey und Nicky“ wird als einer der besten Filme von Cassavetes bezeichnet, der nicht von ihm gedreht wurde. In diesem Kriminaldrama pumpt Elaine May systematisch die Luft aus dem Bildschirm, füllt den gesamten Raum des Films mit Grau, fettem Licht der Nachtlaternen und leuchtet wie ein Röntgengerät die tiefe Krise der männlichen Beziehungen aus.

Der kleine Gauner Nicky, der seinen Mafiaboss um eine beträchtliche Summe erleichtert hat, versteckt sich vor der Vergeltung und verfällt in einem der Hotels in Chicago in wilde Paranoia. Seine Gesellschaft wird unerwartet von Mikey aufgemuntert, einem Jugendfreund und ehemaligen Kameraden in kriminellen Angelegenheiten. Gemeinsam begeben sie sich auf eine Odyssee durch die Nachtstadt, ohne zu ahnen, dass einer von ihnen den anderen vor Sonnenaufgang töten muss.

„Mikey und Nicky“ ist Mays persönlichster Film. Seine Handlung ist teilweise autobiografisch und stammt aus Elaine Mays Kindheit. Als sie mit ihrer Familie in Chicago lebte, waren ihre Nachbarn eine Mutter mit zwei Söhnen, die Gangster waren. Einer von ihnen erhielt von der Verwandten keine besondere Aufmerksamkeit, der andere war ein Liebling mit einem sehr problematischen Charakter. Und eines Tages beraubte er den Anführer einer Bande. Als die Banditen davon erfuhren, riefen sie im Haus der Frau an und sagten, sie solle den Schuldigen zur Vergeltung schicken. Die liebende Mutter traf eine „Sophies Entscheidung“ und schickte den anderen Sohn in die Schlachtbank.

„Mikey und Nicky“ ist in vielerlei Hinsicht Mays bester Film. Hier deckt die Regisseurin berechnend und gründlich die Hintergründe männlicher Beziehungen auf und fällt ein niederschmetterndes Urteil: Freundschaft existiert nicht. Und die ganze Stärke der Beziehungen basiert auf offen niedrigen Dingen: gegenseitigen Lügen, offenem Sexismus, der Herabwürdigung der Rechte von Frauen, sei es die Ehefrau oder die Geliebte, und offener Gemeinheit gegeneinander.

Das phänomenale Duo John Cassavetes und Peter Falk hilft, diese Idee dem Publikum klarer zu vermitteln. Wahre langjährige Freunde im wirklichen Leben sprengen mit ihrer wahnsinnigen Energie die Grenzen des Bildes. Cassavetes vermittelt maximal genau die Getriebenheit und moralische Ambivalenz seines Helden. Sein Nicky ist einen halben Film lang im Delirium, rennt unermüdlich vor dem Schicksal davon, verwickelt sich in Schlägereien und tut alles, damit man ihn hasst. Falk, der allseits bekannte Detective Columbo, zeichnet seinen Helden zunächst mit einfachen Strichen. Er gibt Zeit zum Anlauf, um in der Mitte des Films auf einer leeren nächtlichen Straße einen Monolog von shakespeareschem Ausmaß zu halten und die ganze Abstufung von verborgenem Groll und Wut auf Nicky zu zeigen.

„Mikey und Nicky“ überrascht neben den schauspielerischen Leistungen durch seine filmische Schönheit. Chicago auf der Leinwand nimmt die Atmosphäre durchdringenden Verlusts und der inneren Hölle aus Cassavetes‘ „Ehemänner“ auf. Eine absolut respektlose dokumentarische Kamera in der besten Tradition des „New Hollywood“.

Die Helden begeben sich, wie nach Dante, auf eine Flucht durch die Stadt und landen in einem nächtlichen, ruckelnden, halbleeren Bus. Sie lachen und reden, aber das Gefühl ist, dass die nächste Station die Hölle ist und es bis dahin keine Haltestellen gibt.

„Mikey und Nicky“ ist der Rekordhalter für die Eskalation des bewaffneten Konflikts zwischen May und den Produzenten. Und diese Geschichte verdient einen eigenen Film: übermäßiger Filmverbrauch, und da wurden, mal kurz, etwa 1,4 Millionen Fuß Zelluloid verbraucht. Um das Ausmaß der Katastrophe zu verstehen: Für die Inszenierung der epochalen Saga „Vom Winde verweht“, die 4 Stunden dauerte, wurde dreimal weniger Film verwendet.

Dies geschah aufgrund der unkontrollierten Improvisationsfreiheit von May. Sie verbot den Kameraleuten einfach, die Kamera auszuschalten, selbst wenn die Schauspieler aus dem Bild gingen. „Sie könnten ja zurückkommen“, wiederholte die Regisseurin. Das Filmset glich einem sakralen Ritual.

Nach solchen Eskapaden beschlagnahmte das Studio das gedrehte Material und beschloss, den Film eigenhändig fertigzustellen, aber Elaine sah keine Hindernisse, wenn es um den kreativen Prozess ging, also stahl sie den Film und „nahm ihn ein ganzes Jahr lang als Geisel“, damit niemand die Autorenidee zerstören konnte. Das Ergebnis war offensichtlich: eine vergessene Perle der 70er, die in puncto Spannungsintensität „Hundstage“ von Lumet in nichts nachsteht, und Mays Rückzug in den Schatten für 10 Jahre, um als Script Doctor an vielen bekannten Projekten zu arbeiten: von „Labyrinth“ bis „Tootsie“.

„Ishtar“

„Ishtar“ ist Mays umstrittenster und ungerechtfertigt verleumdeter Film. Selbst „Heaven‘s Gate“ von Michael Cimino, das mit seiner unkontrollierten Freiheit der Vision am Set endgültig das „New Hollywood“ begrub, wurde nicht so stark von allen beschimpft.

Nach der Veröffentlichung von „Ishtar“ empörten sich alle: sowohl die einfachen Zuschauer, die einen Comedy-Actionfilm erwartet hatten (die Dreharbeiten kosteten etwa 40 Millionen Dollar), als auch anerkannte Kritiker wie Ebert und Siskel. Sie ließen kein gutes Haar an Mays Film. Und das ist wahrscheinlich die größte Verschwörung seit Watergate.

Der Handlung nach kommen zwei stimmlose Sänger, die sich als neues Simon & Garfunkel sehen, aus Verzweiflung in den östlichen Staat Ishtar, um ihre Taschen ein wenig zu füllen. Aber das Leben nimmt Korrekturen vor, und die beiden charmanten Spinner werden aus Versehen zu Messias aus einer alten Legende, die das blutige Regime von Ishtar beenden sollen.

Dieser Film ist ein erstaunlicher Präzedenzfall einer Mischung aus Komödie des goldenen Zeitalters Hollywoods und schärfster Gesellschaftssatire, die kein bisschen veraltet ist. Eine Art „Dumm und Dümmer“ mit Anklängen an „Dr. Seltsam“.

Der Film wimmelt von physischem Humor und Gags aus den Werken des berühmten Trios der Marx Brothers. Man nehme nur die Episode mit dem Gespräch bei einem blinden Kamel auf dem Markt oder die Szene in der Wüste, in der die ausgehungerten „Solisten“ einen Schwarm über den Sand rennender Geier für eine lang ersehnte Oase halten.

May vergleicht in „Ishtar“ die amerikanische Politik mit der Führung des Showbusiness. Zwei egozentrische Trottel, die versuchen, ihr Werk zu promoten und ein originelles Album aufzunehmen, egal was passiert, korrespondieren deutlich mit der amerikanischen Politik jener Jahre, als die patriarchalische Führungsspitze der USA den Bewohnern Afghanistans und des Irak gewaltsam die Freiheit schenken wollte.

Neben der wilden komödiantischen Kraft kann der Film mit einem brillanten Kinoduo aufwarten. Hoffman und Beatty, die in „Ishtar“ zwei untalentierte Unzertrennliche spielen, genießen die Gelegenheit, endlich frühere schauspielerische Vorstellungen abzulegen. Warren, dem Zuschauer als erstklassiger Frauenheld bekannt, verkörpert hier das Bild eines zwei Meter großen Versagers, während Dustin, ein Neurotiker und Spezialist für Außenseiterrollen, den Alphamann mit dem sprechenden Spitznamen „Falke“ spielt.

Ihre Charaktere sind so charmant und unmittelbar in ihrer Dummheit, dass sie oft legendäre Sätze von sich geben wie: „Vielen fehlte der Mut, sich mit 40 Jahren einzugestehen, dass man ein Versager ist und das Leben umsonst war, aber du hast alles hingeschmissen und es getan.“ Man sollte anmerken, dass Beatty diesen Satz zu Hoffman sagt, als dieser sich auf einen Sprung von der Mauer seines Hauses vorbereitet. Oder: „Gaddafi? Ist das weit?“ während der Anwerbung. Seltsam, aber diese Perlen wurden nie zu Klassikern.

Gedreht wurde „Ishtar“ von Vittorio Storaro, dem Meister des Lichts, der „Der Konformist“ und „Apocalypse Now“ ihr Aussehen verlieh. Dank seiner Sichtweise ähnelt der Film an manchen Stellen „Lawrence von Arabien“ von David Lean: malerische Aufnahmen der endlosen Wüste und Silhouetten zweier Reisender auf Kamelen. Durch Storaros und Mays Hand wird eine der Szenen zur besten Parodie auf eben jenen „Lawrence von Arabien“, indem sie der bekannten Episode mit Peter O‘Toole und dem brennenden Streichholz, das in eine Sonnenscheibe übergeht, Tribut zollt.

Warum also wurde „Ishtar“ zum geflügelten Schimpfwort im amerikanischen Kino und ließ May die Regie aufgeben? Hat etwa die CIA persönlich alles getan, damit Elaine sich dem Regiestuhl nicht mehr nähert?

Natürlich nicht.

Es ist viel schlimmer und alltäglicher. Die scharfsinnigste Frau Amerikas wurde vom Produzenten David Puttnam ans Messer geliefert, der aufgeblähte Budgets und Hoffman und Beatty nicht ausstehen konnte. Er tat alles, damit der Film noch vor seiner Veröffentlichung unterging.

Es tauchten verschiedene anonyme Briefe über angebliches seltsames Verhalten von May auf. Es hieß, sie habe Sanddünen für eine Szene einebnen lassen, in einem verminten Gebiet gedreht und ein blindes Kamel für authentisches Spiel gequält. Außerdem stellten die Medien „Ishtar“ bereits vor seiner Premiere auf den großen Leinwänden als Sommer-Megablockbuster dar. Das weckte andere Erwartungen beim Publikum.

Die subversive Tätigkeit war ein voller Erfolg. Das patriarchale Hollywood schickte die „Emporkömmlingin“ in den wohlverdienten Ruhestand, und die weibliche Optik im Kino wurde wieder weit nach hinten geschoben.

„Ein neuer Film?“

May ist jetzt 93, und nach „Ishtar“ hat sie keinen einzigen Film mehr gedreht, außer einem Dokumentarfilm über Mike Nichols aus der Reihe „American Masters“, aber das zählt nicht. Das ist eher TV-Arbeit.

Immer mehr tauchen in den Medien Ankündigungen über einen möglichen fünften Film von Miss May mit dem Titel „Crackpot“ auf. Die Hauptrolle soll Dakota Johnson spielen. Der Haken ist, dass Mays Alter für eine alleinige Regie ziemlich fortgeschritten ist. Daher ist zur Absicherung unbedingt ein Schattenregisseur nötig, der den Film im Falle unvorhergesehener Umstände fertigstellen kann.

Elaine May ist ein einzigartiges Beispiel für kreative Entschlossenheit, eine originelle giftig-sarkastische Sicht auf Beziehungen und den Mut, die Grundfesten des patriarchalischen Unternehmens zu erschüttern, wenn auch um den Preis der eigenen Karriere. Die Männerwelt war nie so zerbrechlich und schwach wie unter der Linse dieser furchtlosen Regisseurin und ersten Frau, die Hollywood erschütterte.