Gefällt Ihnen Godards „Die Verachtung“? Sehen Sie sich 5 weitere großartige Filme über das Hinterzimmer der Filmindustrie an: von Fellinis Komödie bis zu Clint Eastwoods Magnum Opus.

Am 30. Oktober kommt erstmals „Die Verachtung“ von Jean-Luc Godard in die deutschen Kinos. Der französische Rebell und Avantgardist kritisiert die Filmindustrie schonungslos und vergleicht sie mit einer Fabrik, die Talente zu Rohmaterial für das Studiosystem verarbeitet. Wenn Sie das Werk des Klassikers bereits kennen, ist es Zeit, sich auch andere Filme anzusehen, die in Sachen Filmproduktion alle Punkte aufs i setzen.

Die Filmindustrie war schon immer ein gefundenes Fressen für wütende und scharfe Aussagen von Regisseuren. Unter die kritische Lupe gerieten sowohl verblasste Stars, die um jeden Preis ins Land der Träume zurückkehren wollten, als auch der gesamte Hollywood-„Zoo in seiner ganzen Vielfalt“. In unserer anklagenden Liste gibt es Platz für unschuldige Illusionen über Filmhelden und die Folgen der Hölle der Studiozensur.

„Der weiße Scheich“ (Regie: Federico Fellini)

Ein junges Paar kommt zum ersten Mal nach Rom. Er – ein stattlicher Pragmatiker, sie – eine windige Träumerin. Gemeinsam werden sie der Täuschung der ewigen Stadt erliegen und ein für alle Mal ihre Illusionen über das Kino verlieren.

„Der weiße Scheich“ von Fellini ist nicht nur wegen seiner Verspottung der Institution Ehe und des Einflusses dieser hundertprozentigen Vaudeville-Komödie auf das weitere Schaffen des Regisseurs bis hin zu „Die Nächte der Cabiria“ und „La Strada“ – Meisterwerken des Neorealismus – interessant, sondern auch wegen seiner sanften und präzisen Kritik am Personenkult um Schauspieler, die vom Publikum manchmal für unsterbliche und sündlose Wesen gehalten werden.

Die Hauptfigur, die ihren Idol zum ersten Mal vor den Kameras trifft, bewundert unaufhörlich seine Draufgängerei, seine vorgetäuschte Tapferkeit und seine honigsüßen Reden.

Sobald die furchterregende Frau des „weißen Scheichs“ am Horizont erscheint, ordnet sich alles ein. Hinter dem schneeweißen Bild des tapferen und unbezähmbaren Helden verbirgt sich ein feiger Betrüger, ein Lebemann und Wüstling, der in seinem ausschweifenden Leben nicht nur ein unschuldiges Herz gebrochen hat. Und schon steht die enttäuschte Heldin am Fluss, bereit zum Sprung.

Fellini zeigt mit Elan und Leichtigkeit, wie zerstörerisch Träume und Fantasien über den Helden auf der Leinwand für den Menschen sein können. Er macht ohne erhobenen Zeigefinger deutlich, dass viele Illusionen der Filmindustrie das reale Leben ersetzen können – und das unwiderruflich.

„Kino über Kino“ (Regie: Valeri Rubinchik)

Ein einst vielversprechender Autor, heute ein zweitklassiger Regisseur von Gangsterfilmen, liegt in einem gottverlassenen Sanatorium und hat quälende Träume von Filmen Fellinis und Tarkowskis, während er versucht, unter den Bedingungen der modernen Filmproduktion zu überleben.

Der verkannte Klassiker des heimischen Kinos Valeri Rubinchik zusammen mit dem herausragenden Drehbuchautor Anatoli Grebnew erschaffen in den Kulissen eines verlassenen Filmemacherhauses eine bittere Tragikomödie über die heimische Filmindustrie und ihre Hauptprobleme.

Mit einem Ensemble von höchster Güte – vom Star der Vergangenheit Valeri Nikolajew bis zu den Größen Tatjana Lawrowa und Stanislaw Ljubschin – schreiben sie die Krankengeschichte des neuen Jahrhunderts des Kinos, und das hellsichtig und kühn.

Von alten Nichtigkeiten des vergangenen Jahrhunderts wie einer Reihe von Affären am Filmset bis hin zum wahren alltäglichen Übel – der Macht der Produzenten. Diese gönnt sich hier nichts und kann das angekündigte Genre eines Thrillers einfach in eine Melodram ändern und dann aus dem geschaffenen Chaos ein Musical zusammenkleben. Wie man so schön sagt: Wenn man schon stirbt, dann mit Musik.

Rubinchik und Grebnew blicken wehmütig auf das Kino von damals zurück und lassen mit aller Ironie, manchmal auch beißender Satire, keinen Stein auf dem anderen von den neuen Spielregeln.

„Living in Oblivion“ (Regie: Tom DiCillo)

Der neurasthenische Steve Buscemi als exzentrischer Regisseur versucht zusammen mit einer Gruppe unabhängiger amerikanischer Filmemacher, einen neuen Indie-Film zu drehen. Jedes Mal geht etwas schief, und der ohnehin schwierige Prozess verwandelt sich in einen wahnsinnigen Karneval aller Schattierungen des realen Filmstudio-Alltags.

Tom DiCillo, ein ehemaliger Kameramann, übernahm dessen absurde Stilistik. In „Living in Oblivion“ dekonstruiert er mit jugendlichem Elan den Traum vieler angehender Filmliebhaber, zukünftiger Eroberer von Sundance und Cannes.

Roman Kowaljow

Jim Jarmusch – Künstler des unabhängigen Kinos

Jim Jarmusch wird 68! Wir erinnern uns, warum wir diesen herausragenden und mit niemandem vergleichbaren amerikanischen Regisseur lieben.

Open material

Was in Träumen wie große Magie, ein Akt unglaublichen Wunders erschien, entpuppt sich auf der Leinwand als Apokalypse im Miniaturformat und Hölle auf Erden. DiCillo scheut sich nicht, das Filmleben ohne Beschönigung darzustellen, daher koexistieren ein versehentlich im Bild befindliches Mikrofon und ein Telefonklingeln bei laufender Kamera mit Schauspielerhysterien verschiedener Register und Ehebrüchen aller Art.

„Living in Oblivion“ ist die Wahrheit mit 24 Bildern pro Sekunde, mit allem, was dazugehört. Dem Auge des Regisseurs entgehen keine Details der Feldbedingungen des Lebens von tausend freien Künstlern, die ihre Filme für die ewige Kunst drehen.

Eines Tages taucht sogar eine Tür aus Lynchs Filmen auf, um die These zu beweisen: „Kino ist ein Traum.“ Bei 42 Grad ohne fiebersenkende Mittel, aber liegt darin nicht der Hauptgenuss?

„Sullivans Reisen“ (Regie: Preston Sturges)

Eine Kultkomödie des etwas in Vergessenheit geratenen Klassikers des goldenen Zeitalters Hollywoods, Preston Sturges, über den erfolgreichen Studio-Regisseur John Sullivan, der eines Tages beschließt, ein sozialkritisches Drama über das Leben der Armen zu drehen. Er packt sein Bettlergepäck und macht sich auf eine Reise in die weite Welt, um das Leben der Armen zu verstehen.

„Sullivans Reisen“ ist eine auch ein halbes Jahrhundert nach ihrem Erscheinen unvergessene Satire, die erstaunlich genau die große Kluft zwischen den Vorstellungen der Künstler über das Vagabundenleben und dem Alltag der wirklich Armen zeigt. Denn einen abgenutzten Hut, ein schmutziges Hemd und zerrissene Schuhe zu tragen, bedeutet noch lange nicht, obdachlos zu sein.

Dies wird durch zahlreiche Szenen bestätigt, in denen der falsche Wanderer Sullivan auf „geheimnisvolle Weise“ nach Hollywood zurückkehrt. Sturges macht sich auch über die „guten Absichten“ wohlhabender Künstler lustig, die ein tragisches Gemälde über das Leben der Armen schaffen wollen, aber nicht ahnen, dass die Menschen, die von Reichtum und einem satten Leben abgeschnitten sind, in Wirklichkeit einfach nur herzhaft lachen wollen, um für ein paar Minuten im Schein der Kunst zu vergessen.

Sturges fordert die Filmindustrie anderthalb Stunden lang auf, nicht zu heucheln, dass sie das Leben besser verstehe als diejenigen, die Armut aus erster Hand kennen.

„Weißer Jäger, schwarzes Herz“ (Regie: Clint Eastwood)

Clint Eastwood, bewaffnet mit undurchdringlichem Blick, herablassender Art gegenüber seiner Umgebung und einer Zigarre im Mundwinkel, verkörpert die wahre Geschichte der Entfremdung des herausragenden amerikanischen Regisseurs John Huston während der Dreharbeiten zu dem Kultfilm „African Queen“.

Auf den ersten Blick ist es ein Abenteuerfilm über einen rücksichtslosen, unkontrollierbaren Regisseur, der bereit ist, die teuren Dreharbeiten auf dem entlegensten Kontinent abzubrechen, um die majestätischen afrikanischen Elefanten zu jagen.

Doch hinter dieser abenteuerlichen Handlung verbirgt sich eine feine und beißende Kritik an der gesamten Hollywood-Filmindustrie, die mit ihren oft unerträglichen Anforderungen und der allgegenwärtigen Macht der Zensur selbst die talentiertesten und unabhängigsten zu Megalomanie und Besessenheit von Kapitän Ahab treibt. Was mehr als ein gewöhnliches Verbrechen provoziert, dessen Folgen alle zu spüren bekommen.