Wir haben neun Animes zusammengestellt, die Opfer des Systems wurden – absurd, misslungen und manchmal geradezu beschämend.

Einst stand Anime für sorgfältige Handarbeit, künstlerische Vision und mutige Experimente. Doch heute hat sich die Industrie in eine gnadenlose Content-Maschine verwandelt, in der enge Zeitpläne, Hungerlöhne und die Erschöpfung der Schöpfer selbst die vielversprechendsten Projekte töten. Endlose Isekai-Klone, „zusammengeschnittene“ Adaptionen und Animation auf Diashow-Niveau sind kein Zufall, sondern eine Systematik, bei der Profit wichtiger ist als Kunst.

„Berserk“ (2016–2017)

Die Leute haben fast 20 Jahre auf eine Fortsetzung gewartet, um das zu bekommen? Der 2016 erschienene Anime „Berserk“ wurde zu einer der umstrittensten Adaptionen der Geschichte – die Fans des Mangas Kentaro Miura wollten sehnsüchtig die epische Rückkehr sehen, doch die Freude wich einem Schock.

Die Serie sollte ein lang erwarteter Triumph werden, der die legendäre Franchise fortsetzt, doch stattdessen bekamen die Zuschauer ein schmerzhaftes Beispiel dafür, wie die moderne Anime-Industrie selbst die kultigsten Werke zermalmt. Hässliches 3D-Rendering, das epische Schlachten in eine lächerliche Diashow verwandelt, hölzerne Charakteranimation und eklatante Sparsamkeit bei jedem Bild – all das steht in krassem Gegensatz zur filmischen Trilogie „Das goldene Zeitalter“, die nur wenige Jahre zuvor erschienen war. Besonders empörend ist der Verrat am Original: Wichtige Handlungsbögen wurden herausgeschnitten und wichtige Dialoge auf ein primitives Niveau vereinfacht.

Hinter diesem Fiasko steckt eine systemische Krankheit der gesamten Branche – Studios nehmen Projekte ohne ausreichende Finanzierung in Angriff, Künstler arbeiten in rasendem Tempo für einen Hungerlohn, und Verlegern sind schnelle Veröffentlichungen wichtiger als die Qualität des Produkts. Die zweite Staffel des Animes verschlimmerte die Situation, anstatt die Fehler zu korrigieren, durch zusätzliche Budgetkürzungen nur noch. Infolgedessen rettete selbst die Beteiligung von Kentaro Miura als Produzent das Projekt nicht vor dem Scheitern – die Fans waren sich einig, dass die Adaption die schlechteste Version von „Berserk“ aller Zeiten sei. Diese Serie sollte man sich höchstens aus wissenschaftlichem Interesse ansehen – als Beispiel dafür, wie man geniales Ausgangsmaterial ruinieren kann. Für alle anderen Fälle bleiben der Manga und , die einen zumindest nicht vor Scham das Gesicht in den Händen vergraben lassen. Die bittere Ironie besteht darin, dass „Berserk“ von 2016 selbst zu einer Metapher für sein Universum wurde – ein grausames, hässliches und hoffnungsloses Produkt eines Systems, in dem die Kunst längst gegen die Kommerzialisierung verloren hat.

Alina Mukhamedzyanova

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„One Punch Man“ (2015, zweite Staffel)

Die zweite Staffel von „One Punch Man“ wurde zum Beispiel dafür, wie ein brillantes Konzept seine Magie verlieren kann, wenn es in andere Hände übergeht. Nach dem durchschlagenden Erfolg der ersten Staffel von Madhouse konnte das Studio J.C.Staff weder die tadellose Animation noch den unverwechselbaren Erzählrhythmus beibehalten. Was früher ein visuelles Fest war – epische Kämpfe mit Präsenzgefühl, bei denen jeder Schlag von Saitama physisch spürbar war – verwandelte sich in eine Ansammlung statischer Bilder und undeutlicher Ruckler. Besonders bedrückend wirkt dies in Schlüsselmomenten wie der Konfrontation mit Garou, die der Höhepunkt der Staffel hätte sein sollen, aber stattdessen ein Gefühl ungenutzten Potenzials hinterließ.

Das Problem liegt nicht nur in der technischen Seite. Während früher die Balance zwischen absurdem Humor und unerwartet tiefgründigen Momenten perfekt war, schwankt die Geschichte nun zwischen in die Länge gezogenem Drama und Versuchen, frühere Witze zu wiederholen. Saitama, wegen dem viele das Projekt überhaupt verfolgten, fand sich am Rande der Handlung wieder, und die neuen Charaktere konnten trotz interessanter Ideen seine Abwesenheit nicht vollständig kompensieren. Besonders enttäuschend ist die Behandlung des King-Bogens, der im Manga ein Meisterwerk der Satire auf Heldenarchetypen war, im Anime aber die Hälfte seines Charmes verlor.

Dennoch kann man nicht sagen, dass die Staffel völlig gescheitert ist – einige Momente funktionieren durchaus. Die Geschichte von Garou als „Held für Monster“ erwies sich als überraschend berührend, und einzelne komödiantische Szenen bewahrten den unverwechselbaren Stil des Originals. Aber insgesamt gleicht dies einem blassen Schatten der ersten Staffel – ein Projekt, das sich daran erinnert, wie es sein sollte, es aber nicht erreichen kann. Für viele Fans war die Fortsetzung besonders traurig, denn „One Punch Man“ war ursprünglich eine Parodie auf standardisierte Shōnen-Animes, und in der zweiten Staffel verfiel es selbst in genau die Klischees, die es einst verspottete.

Die wichtigste Lehre aus dieser Geschichte ist einfach: Selbst das genialste Konzept kann man ruinieren, wenn man vergisst, was es besonders gemacht hat. Jahre nach der Veröffentlichung wirkt die zweite Staffel eher wie ein missglücktes Experiment denn wie eine vollwertige Fortsetzung. Es bleibt zu hoffen, dass die Macher in der dritten Staffel diese Fehler berücksichtigen, während man in der Zwischenzeit den unglaublich schönen Manga lesen und „One Punch Man“ in seiner ganzen Pracht sehen kann.

„Uzumaki“ (2024)

Von der Anime-Adaption des Kult-Mangas von Junji Ito erwarteten die Fans eine visuelle Offenbarung. wurde zu einer grausamen Illusion für die Manga-Fans. Die erste Folge lockte wie eine Fata Morgana in der Wüste mit Versprechungen – filmische Einstellungen, beklemmende Atmosphäre. Es schien, als hätte man endlich eine würdige Verfilmung des Kultwerks. Doch schon in der zweiten Folge verflog die Begeisterung und legte eine leblose Ödnis frei. Was wie eine Oase wirkte, wurde nur zum Spiegelbild dessen, was dieses Projekt hätte sein können. Die Zuschauer sahen zu, wie der großartige Plan vor ihren Augen zerfiel: Die Animation, die mit den Spiralen des Wahnsinns hypnotisieren sollte, verwandelte sich in eine Ansammlung statischer Bilder. Die Charaktere, deren seelische Mutationen im Manga faszinierten, bewegten sich im Anime wie Marionetten mit durchtrennten Fäden. Selbst die Tonkulisse – die letzte Hoffnung – klang so distanziert, als ob die Macher selbst nicht an ihr Projekt glaubten. Besonders bitter ist die Erkenntnis, dass dieses Scheitern von Anfang an vorherbestimmt war. Das Studio, das die Adaption übernahm, schien nicht zu verstehen, dass „Uzumaki“ nicht einfach ein Horror ist, sondern ein visuelles Gedicht über den Zerfall. Statt sorgfältiger Arbeit mit Form und Perspektive – grobe Umsetzung. Statt zunehmenden Wahnsinns – eine Ansammlung standardisierter Gruselgeschichten. Statt hypnotischem Rhythmus – nervöse Szenenschnitte. Dieses Projekt hätte ein neues Wort im animierten Horror werden können, wurde aber zu einem Denkmal dafür, wie man selbst die zäheste Idee töten kann. Es reicht, einfach nicht zu verstehen, was sie großartig macht.

Jewgeni Belousov

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Am 19. Oktober erschien die letzte Folge der kurzen Anime-Serie „Uzumaki“ nach dem Kult-Manga von Junji Ito. Zunächst mag es scheinen, als sei dies die erste würdige Verfilmung des Werks

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„The Promised Neverland“ (2019–2021)

Als die erste Staffel endete, waren die begeisterten Fans überzeugt, dass der Anime zur modernen Klassik werden würde. Es war eine gut animierte und geschriebene Adaption eines fesselnden und beängstigenden, aber dennoch herzlichen Mangas. Doch noch bevor die zweite Staffel zur Hälfte vorbei war, hatte sich der Titel den Status eines der schlechtesten Animes gesichert. Die zweite Staffel des Animes versuchte nicht einmal, den Manga zu adaptieren. Die zuvor kunstvollen Handlungen und Charaktereigenschaften verwandelten sich in allgemeinen und hastigen Unsinn. Die Fans waren verwirrt und wütend über diesen historischen Qualitätsverlust. Jetzt wollen sie die Existenz dieses Animes nicht einmal mehr anerkennen. Die Macher versuchten, über 180 Manga-Kapitel in nur 11 Episoden unterzubringen, was zu katastrophalen Kürzungen führte: Ganze Handlungsbögen verschwanden, darunter das zentrale „Jagdrevier“, und Charaktere wie Yugo verschwanden ohne Erklärung. Besonders deprimierend ist das Finale – statt einer spannenden Auflösung bekamen die Zuschauer eine zweiminütige Diashow, bei der die wichtigsten Momente, wie das Schicksal von Isabella oder Emmas Pakt mit den Dämonen, einfach ignoriert wurden. Die technische Seite verschlimmert den Eindruck nur: CGI-Dämonen sehen unnatürlich aus, Kampfszenen verlieren an Dynamik, und eine Recap-Folge deutet auf ernsthafte Produktionsprobleme hin. Die Charaktere degradierten – Ray wurde zum passiven Beobachter, Norman verlor seine düstere Ausstrahlung, und Emmas Entscheidungen werden nicht mehr hinterfragt, was der Geschichte den Dramatismus nimmt. Die Gründe für das Scheitern liegen auf der Hand: Druck des Verlegers, Eile und der Versuch, den düsteren Ton des Originals abzumildern. Das Ergebnis war statt eines logischen Abschlusses ein oberflächliches „Happy End“, das die Fans ratlos zurückließ.

Valeria Fomina

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„Tokyo Ghoul √A“ (2015)

„Tokyo Ghoul √A“ wurde zu einem Paradebeispiel dafür, wie ein ambitioniertes Projekt Fans enttäuschen kann, indem es sich von einer potenziell starken Fortsetzung in ein chaotisches Sammelsurium von Szenen mit verlorenem Kern des Originals verwandelt. Die zweite Staffel des Animes, produziert vom Studio Pierrot, wich nicht nur von der Handlung des Mangas ab – sie entkernte dessen zentrale Themen und ersetzte sie durch einen zusammenhanglosen Narration und eine unklare Stilistik. Im Gegensatz zur ersten Staffel, in der sich Kanekis Konflikt zwischen Menschlichkeit und Ghul-Natur allmählich entfaltete, verfiel „√A“ in oberflächliche Spektakel: Die Charaktere trafen unlogische Entscheidungen (z. B. Kanekis plötzlicher Wechsel zu „Aogiri“ ohne nachvollziehbare Motivation), und Kultmomente wie die Konfrontation mit Arima wurden bis zur Unkenntlichkeit gekürzt.  

Das Hauptproblem ist das Fehlen von Kohärenz. Die Drehbuchautoren versuchten, eine alternative Geschichte mit Elementen des Originals zu kombinieren, erhielten aber einen Brei aus zusammenhanglosen Episoden. Wichtige Bögen (z. B. die Enthüllung von Yoshimuras Vergangenheit oder die Tragödie von Anteiku) wurden bruchstückhaft präsentiert, und neue Szenen, wie Kanekis „psychedelische“ Reise durch die Katakomben, wirkten konstruiert. Selbst visuell verlor die Staffel: Die Animation der Kämpfe vereinfachte sich zu statischen Blitzen, und der unverwechselbare Stil des Mangas – der Kontrast zwischen Alltäglichkeit und Horror – löste sich in einer grauen Farbpalette auf.  

Das Finale wurde zum Urteil über das Projekt. Statt eines Höhepunkts sahen die Zuschauer eine depressive Collage aus Unausgesprochenem: Das Schicksal der Schlüsselfiguren (Touka, Hinami) blieb außen vor, und der „Endkampf“ zwischen Kaneki und Arima dauerte Minuten, als wäre er aus Budgetmangel herausgeschnitten worden. Die Manga-Fans empörten sich – das Studio hatte nicht nur die Handlung geändert, sondern deren philosophische Tiefe zerstört und alles auf eine modische „dunkle“ Kulisse ohne Inhalt reduziert.  

Warum ist das ein Misserfolg? Dieser Anime ist ein seltener Fall, in dem die Abweichung von der Vorlage nicht zu einem kreativen Glücksgriff wurde. Er verlor sogar das, wofür die Serie geschätzt wurde: Psychologismus, harte moralische Entscheidungen und das langsame Eintauchen in den Wahnsinn. Stattdessen – leere ästhetische Posen, undeutliche Action und Verrat an den Charakteren. Kein Wunder, dass selbst das Studio Pierrot nach so etwas auf weitere Experimente verzichtete und die Fans seit Jahrzehnten ein Remake fordern.

„Rent-A-Girlfriend“ (2020–…)

„Rent-A-Girlfriend“ ist ein grundlegendes Mehrteiler-Projekt, das sich in einen endlosen Kreislauf künstlich in die Länge gezogener Situationen verwandelt hat, in dem die Handlung auf der Stelle tritt und die Charaktere jahrelang nicht aus dem Zustand jugendlicher Unentschlossenheit herauskommen. Der Protagonist Kazuya steckt statt einer Entwicklung in einer Schleife endloser Zweifel fest, und seine „Romanze“ mit Chizuru ist längst in die Kategorie der Seifenopern mit konstruierten Hindernissen übergegangen. Die zweite Staffel verschlimmerte das Problem nur, indem sie neue Mädchen zum Harem hinzufügte, aber den Zuschauern keinen klaren Fortschritt in der Beziehung bot – stattdessen bekamen die Zuschauer Dutzende Episoden mit gleichartigen Dialogen, in denen die Helden im Kreis dieselben Probleme diskutieren.

Die Animation ist übrigens nicht besser – das Studio TMS Entertainment hat offenbar an den Bildern gespart, weshalb sich Schlüsselszenen auf statische Dialoge vor verschwommenen Hintergründen beschränken. Selbst emotionale Momente wie Geständnisse oder Konflikte wirken flach, als wären sie einer billigen visuellen Novel entnommen. Besonders nervt, wie oft die Kamera auf die Brust und Oberschenkel der Heldinnen fokussiert und so eine romantische Geschichte in eine Fanservice-Attraktion verwandelt.

Die Hauptsünde von „Rent-A-Girlfriend“ ist ihre toxische Dynamik. Kazuya ist nicht nur infantil – er ist pathologisch unangemessen, verfällt mal in Hysterie wegen Kleinigkeiten, mal gibt er das Geld seiner Familie für die Anmietung falscher Liebe aus. Chizuru wiederum, anstatt diesen Teufelskreis zu durchbrechen, spielt nur seine Illusionen mit und schafft eine Beziehung, die auf Lügen und Manipulation basiert. Und wenn man dies in der ersten Staffel noch als Auftakt abtun konnte, hat sich die Situation bis zur vierten Staffel (angekündigt für 2025) nicht geändert – die Macher haben offenbar beschlossen, die Franchise bis zum letzten Yen auszuquetschen, ohne sich um Logik oder Zufriedenheit der Zuschauer zu kümmern.

Dies ist nicht einfach ein schlechter Anime – es ist ein endloses Simulakrum der Romantik, ohne Charakterentwicklung oder Respekt vor dem Publikum. Wenn man die erste Staffel noch aus Ironie ertragen konnte, haben die Fortsetzungen nur bestätigt: Das Projekt existiert nur, weil jemand es weiter finanziert.

„Boruto: Naruto Next Generations“ (2017–2023)

„Boruto“ enttäuschte nicht nur, sondern zerstörte methodisch alles, was das Original kultig gemacht hatte. Statt epischer Kämpfe und komplexer moralischer Entscheidungen – endlose Filler (80 % der Episoden!), in denen die Kinder der Shinobi mit hochtechnologischen Spielzeugen Schulprobleme lösen, als hätten die Autoren vergessen, dass die Handlung in einem Universum spielt, in dem noch vor kurzem ein Krieg auf Leben und Tod tobte. Die Charaktere der vorherigen Generation, wie Naruto und Sasuke, wurden zu Karikaturen: Sie wurden nicht nur für die Handlung geschwächt – sie wurden zu hilflosen Statisten im Hintergrund von Teenagern, die zufällig die Kraft „außerirdischer“ Feinde erhalten. Selbst visuell scheiterte das Projekt: Die Animation verfiel auf das Niveau von „schwebenden“ Gesichtern und statischen Kämpfen, bei denen die Helden statt komplexer Jutsu einfach mit den Fäusten schwingen.  

Das Problem des Animes liegt nicht im mangelnden Talent der Macher, sondern im systemischen Verrat an „Naruto“. Hier gibt es keine Andeutung von „Mühe des Genies“ – der Sohn des Hokage meistert das Rasengan mit Leichtigkeit, obwohl es im Original ein Symbol jahrelangen Trainings war. Es gibt auch keine Opferbereitschaft: Die Welt, die einst am Rande der Katastrophe balancierte, erinnert nun an eine Parodie mit Mini-Kanonen und tragbaren Konsolen. Selbst der Manga-Kanon, für den man die Filler ertrug, erwies sich als zusammengestaucht: Schlüsselbögen wie die „Gefängnis“-Handlung wurden so langweilig präsentiert, dass selbst Fans es zugeben.

Die Ironie besteht darin, dass das Studio Pierrot das Projekt selbst begraben hat: Der Anime wurde aufgrund eines Übermaßes an Fillern eingestellt, die selbst die Animatoren demotivierten. Aber am schlimmsten ist, dass „Boruto“ nicht nur schlecht ist – es ist toxisch für das Erbe von „Naruto“. Jede Episode erinnert daran, wie man eine großartige Geschichte in sinnloses Merchandise verwandeln kann, bei dem selbst der Tod von Jiraiya dadurch entwertet wird, dass die heutigen „Genies“ mühelos siegen. Wenn das Original lehrte zu kämpfen, lehrt die „neue Generation“ nur, wie man ein Sequel auf allen Ebenen vermasselt.

„Black Butler“ (2008–…)

„Black Butler“ – ein undeutlicher Mix aus Fanservice, Handlungslöchern und verlorener Atmosphäre. Die erste Staffel startete 2008, als der Manga noch nicht genug Material angesammelt hatte, und statt einer durchdachten Adaption bekamen die Zuschauer einen chaotischen Vinaigrette aus kanonischen Kapiteln und lose verbundenen Fillern. Zum Beispiel wurde der Schlüsselbogen mit dem Bestatter zu früh enthüllt, was zukünftige Wendungen des Mangas spoilte, und die Motivation der Antagonisten wie Angela reduzierte sich auf „weil sie böse sind“ ohne Andeutung der Tiefe des Originals.

Charaktere als leere Hüllen. Sebastian, der im Manga zwischen Sarkasmus und kalter Grausamkeit balanciert, wurde hier einfach zum „idealen Butler“ ohne Pfiff. Ciel verwandelte sich von einem komplexen Kind mit Trauma und List in eine mürrische Puppe, deren Entscheidungen sich auf „befiehl – ich töte“ reduzieren. Selbst die komischen Momente mit Grell oder den Dienern von Phantomhive wirken gezwungen – als hätten die Macher vergessen, dass Humor lustig sein sollte, nicht nervig.

Visuell hält die Serie ebenfalls keiner Kritik stand. Trotz der hübschen Stilisierung als viktorianisches England verfällt die Animation oft zu Dialogen vor verschwommenem Hintergrund. Die Kampfszenen, die das Markenzeichen des Dämonen-Butlers sein sollten, erinnern an eine Diashow: ein paar Schläge, Lichtblitze – und die Feinde sind besiegt. Besonders peinlich wirkt das Finale der ersten Staffel, in dem Sebastian plötzlich „traurig“ wird und geht, obwohl sein Verhalten im Manga stets logisch und vorhersehbar ist.

Die zweite Staffel wurde gar zur Parabel. Geschlechtsumwandlung von Ciel, Verlagerung der Handlung in die Gegenwart und eine absolut sinnlose Handlung um den „Dämonenkönig“ – das ist nicht einmal ein Fanfiction, sondern eine Parodie auf das Original. Die Zuschauer empörten sich zu Recht: Warum das etablierte Lore zerstören, wenn man einfach auf die Veröffentlichung neuer Manga-Kapitel hätte warten können? Die Netflix-Adaption von 2014 besiegelte das Scheitern nur, indem sie Sebastian zur Dekoration und Ciel zu einer gender-veränderten Schablone ohne Charisma machte.

Statt eines düsteren Detektivs mit philosophischen Fragen bekamen die Zuschauer einen Mischmasch aus Yaoi-Andeutungen, flachen Bösewichten und einer Optik, die nur von Nostalgie getragen wird. Wenn Sie verstehen wollen, warum Fans immer noch ein Remake fordern – lesen Sie den Manga. Den Anime sollte man sich höchstens als Beispiel ansehen, wie man Adaptionen nicht machen sollte.

„Gibiate“ (2020)

Von Anfang an leidet das Projekt unter einem eklatanten Missverhältnis zwischen der ambitionierten Idee (Postapokalypse + Samurai + außerirdisches Virus) und ihrer Umsetzung. Die mit plumperm CGI erstellten Monster sehen aus wie misslungene Assets aus einem Mobile Game der 2010er Jahre, und ihre Animation beschränkt sich auf Ruckler und Teleportation zwischen den Bildern. Dabei erinnern die Kampfszenen, die das Markenzeichen hätten sein sollen, an eine Diashow: Der Samurai Sensui schwingt sein Schwert – und schon zerfallen Dutzende Mutanten in Einzelteile, ohne Andeutung von Physik oder Dynamik.

Die Handlung balanciert zwischen Absurdität und Langeweile. Die Reisenden aus der Edo-Zeit meistern nicht nur sofort die Realitäten des Jahres 2030, sondern akzeptieren auch fraglos die Tatsache, dass sie zur Bekämpfung des Virus „berufen“ wurden. Die Logik ist von Anfang an ausgeschaltet: Monster, die mit kalten Waffen im Nahkampf getötet werden können, wurden warum auch immer nicht von der Armee mit Schusswaffen und Luftunterstützung vor dem globalen Kollaps vernichtet. Der Höhepunkt mit dem außerirdischen Ursprung des Virus in der 11. Folge wirkt wie ein verzweifelter Versuch, Handlungslöcher zu stopfen, verschlimmert aber nur den Eindruck eines chaotischen Skripts, das auf dem Knie geschrieben wurde.

Die Charaktere sind ein weiterer Fehlschlag. Kathleen, die einzige Ärztin der Welt, die einen Impfstoff herstellen kann, vergisst regelmäßig die Vorsicht und stürzt sich mitten in die Gefahr. Der Samurai und der Ninja, statt Taktik oder wenigstens Angst vor dem Unbekannten zu zeigen, hacken mit steinernen Gesichtern stumpf auf Monster ein. Selbst die Bösewichte der Bande „Gallients“ sind eine Ansammlung von Klischees: ein ehemaliger Yakuza, ein verschmutzter Wahnsinniger und ein dicker Vielfraß, deren Motive sich auf „wir mögen es einfach zu rauben“ reduzieren.

Die technische Seite vollendet die Katastrophe. Die Hintergründe im postapokalyptischen Japan sehen aus wie billige 3D-Kulissen, und die Licht-Schatten-Wirkung funktioniert nach dem Prinzip „mal überbelichtet, mal unterbelichtet“. Der Soundtrack besteht trotz der Beteiligung von Yuzo Koshiro aus sich wiederholenden Tracks mit aufdringlichem Shamisen, der zur Mitte der Staffel hin die Ohren schmerzt.

Die Liste der misslungenen Animes ließe sich noch sehr lange fortsetzen, aber wir haben nicht so viel Platz. Daher können Sie uns jederzeit widersprechen oder in den Kommentaren von anderen schlechten Titeln erzählen, damit die Leute wissen, was sie besser nicht anfassen sollten. Wie man so schön sagt: Gewarnt ist gewappnet.