Kim Ki-duks Debüt, Park Chan-wooks Hits und vieles mehr – in unserer Auswahl der beliebtesten koreanischen Filme.

Koreanische Filme sind immer Emotionen, eine Mischung aus Genres und ein unverwechselbarer Stil. Egal, in welche Richtung der jeweilige Regisseur arbeitet, der Film wird eine Reaktion hervorrufen, mit unerwarteten Handlungswendungen überraschen und das Auge erfreuen. Wir in der Redaktion haben beschlossen, uns an unsere liebsten koreanischen Filme zu erinnern, die für euch zu einer Art Leitfaden in die Welt des südkoreanischen Kinos werden können.

„Krokodil“ (1996)

Das Jahr 1996 ist für die südkoreanische Filmindustrie wie das Jahr 1969 in Hollywood, als mehrere Wunderkinder ohne Absprache einen neuen Zyklus der Filmspule des Weltkinos in Gang setzten und ihr Talent auf den sockelförmigen Altar des Kinoauges erhoben. Hong Sang-soo und Kim Ki-duk kodierten eine Botschaft und verewigten sie in der antidynastischen Geschichte der koreanischen Neuen Welle.

Kim Ki-duks „Krokodil“ ist nicht „Crocodile Dundee“ und überhaupt keine Geschichte über einen Menschen. Das Krokodil, gespielt von Cho Jae-hyun, ist ein aufrecht gehendes Wesen mit einer Neigung zu Exhibitionismus und Gewalt, aber gleichzeitig mit einer aufkeimenden Empathie. Eines Tages zwingt ihn seine ambivalente Natur, zuerst ein Mädchen zu retten und es dann zu vergewaltigen. Doch die Sonderlingin antwortet darauf mit grenzenloser Liebe zu dem Unhold. Nach Jean Genet liegt das wahre Gute nicht im Wunsch, das allgemeine Gute zu tun, sondern in der Liebe zur Subjektivität und sogar zu den abscheulichen Äußerungen ihres Wesens. Aus dieser Perspektive ist Hyun-jungs Gefühl für das Krokodil absolut und engelhaft.

Kim Ki-duk sollte später viele Siege erringen, aber „Krokodil“ ist der Ausgangspunkt, der den Autor ständig in seinen Bann zieht. Ein perverses, im städtischen Kanal der Metropole trübes, gespenstisches und bis zur Vulgarität fleischliches Bild wird später den Ton für Kim Ki-duks Romantik angeben und die Resonanz der dramaturgischen Stimmgabel der Regisseure der Neuen Welle stören, indem es den Namen des koreanischen Kinos in die Gehörschale der Epoche schreit.

„Memories of Murder“ (2003)

Ein bereits kultiger Klassiker, der eine freie Adaption der Ereignisse im Zusammenhang mit den Verbrechen des ersten Serienmörders in Südkorea und den anschließenden Ermittlungen darstellt. In einer solchen Handlung sind Klischees schwer zu vermeiden, aber Bong Joon-ho baut mit Vergnügen Stereotype ab.

„Memories of Murder“ ist ein Meisterkurs in Erzählkunst, Charakterstudie und Dekonstruktion des Genres. Bong Joon-ho „platziert“ seine Schauspieler meisterhaft wie Schachfiguren, mit Fokus auf das Privatleben, die Schwierigkeiten und die Fehler der Helden, die Machtdynamik in jeder einzelnen Szene und die Kritik am System, die in erster Linie den Wahnsinn gedeihen ließen.

In diesem Film gibt es Platz für Humor (was für diejenigen, die mit dem Werk des Regisseurs vertraut sind, nicht überraschend sein kann), aber es ist eine herzzerreißende, grausame, niederschmetternd traurige Geschichte. Und das Ende bleibt lange, wenn nicht für immer, im Gedächtnis und erinnert daran, dass es in dieser Welt das Böse gibt (und geben wird), gegen das eigentlich niemand kämpft.

„Sympathy for Lady Vengeance“ (2005)

Lee Geum-ja kommt aufgrund einer falschen Anschuldigung wegen Kindesmordes ins Gefängnis. Nach 13 Jahren findet sie zusammen mit ihren Mithäftlingen den wahren Mörder und inszeniert eine öffentliche, langwierige Hinrichtung, zu der sie die Eltern der betroffenen Kinder einlädt, die an der farbenfrohen Abrechnung nicht weniger interessiert sind als das Mädchen. Aber es wird nicht besser. Der giftige Fleck, der sich von Gedanken an die ersehnte Rache nährte, wächst noch weiter.

Wenn eine Frau Rache will, bietet die Popkultur nicht nur die süß-samtige Stimme von Justin Warfield, sondern auch den räuberischen Blick von Uma Thurman. Obwohl selbst im blutig-postmodernen und fröhlichen „Kill Bill“ die Heldin weint, während sie ihr letztes Opfer erledigt. Park Chan-wook sammelt diese Tränen und erhebt sie zu einer führenden moralisch-philosophischen Sackgasse, die auch den beiden anderen Filmen seiner Anfang der 2000er gedrehten „Rache-Trilogie“ eigen ist.

Die natürliche Reflexivität des asiatischen Kinos vermischt sich mit der antiken Vorstellung vom Schicksal. Indem er direkte Anspielungen (wie in „Oldboy“) vermeidet, entlehnt der Regisseur den schwerfälligen Block der altgriechischen Mythen. Lee Geum-ja hat hier keine Wahl, sie kann nicht untätig bleiben, aber das Handeln vervielfacht die seelischen Qualen. Allerdings rieselt selbst inmitten der schwarzen, schleimigen, vibrierenden Dunkelheit manchmal weißer, reiner Schnee.

„The Man from Nowhere“ (2010)

Der stille Pfandhausbesitzer Cha Tae-sik, meisterhaft gespielt von Won Bin, ist ein ehemaliger Spezialeinheitssoldat mit einer tragischen Vergangenheit. Sein Leben ändert sich, als das Nachbarsmädchen So-mi und ihre drogenabhängige Mutter in einen Drogenraub bei einer örtlichen Bande verwickelt werden.

Der Film, der den Ton für den gesamten modernen koreanischen Noir angab, verbindet rasanten Action mit emotionaler Tiefe: Die Kampf- und Schießszenen sind hier nicht nur spektakulär, sondern metaphorisch – jeder Schlag scheint den inneren Schmerz des Helden widerzuspiegeln. Regisseur Lee Jeong-beom balanciert virtuos zwischen zärtlichen Momenten (z. B. den Klavierszenen) und schwarzem Humor, und das Finale hinterlässt einen bitteren Nachgeschmack, der zum Nachdenken über den Preis der Erlösung anregt.

„The Assassination“ (2015)

Im südkoreanischen Kino gibt es einen Überfluss an Historienfilmen, insbesondere solchen, deren Handlung im Zeitraum von 1910 bis 1945 spielt. Der Widerstand gegen die japanischen Besatzer nimmt einen wichtigen Platz im nationalen Selbstbewusstsein eines jeden Koreaners ein, unabhängig von seinen politischen Präferenzen. Daher die hohe Nachfrage nach Filmen über die Heldentaten der Partisanen. Einer dieser Hits des heimischen Marktes ist „The Assassination“ von Choi Dong-hoon, der von einem Attentat einer Sabotageeinheit auf den Generalgouverneur und einen kollaborierenden Geschäftsmann erzählt.

Wie bei den Koreanern üblich, lässt sich der Film nicht auf ein oder zwei Genres festlegen: Das Komödiantische gleicht das Dramatische aus, das Lyrische das Epische. Mal verfällt der Film in hochtrabenden Ernst (das Thema ist schließlich kein Scherz), mal verwandelt er sich in eine Action-Buffonade mit Schießereien in den besten Traditionen Hongkongs, vermischt mit Bollywood. Trotz der Fülle an Handlungssträngen, der beeindruckenden Laufzeit und dem häufigen Tonwechsel sackt „The Assassination“ in der Dynamik kaum ab und rast wie die Hauptfiguren durch die Straßen Seouls im Finale. Die farbenfrohen Charaktere sind zweifellos das Beste am Film. Besonders hervorzuheben ist der gewissenhafte Gangster mit dem Spitznamen Hawaiianischer Revolver, dessen Rolle Ha Jung-woo – der Star aus „Die Taschendiebin“ – verkörpert.

„Die Taschendiebin“ (2016)

Eine atmosphärische Geschichte über Betrug, Liebe und Verrat, in der eine koreanische Diebin in das Haus einer japanischen Aristokratin eindringt, um einem Abenteurer zu helfen, ihr Vermögen zu erlangen.

Park Chan-wook verwandelt den Erotikthriller in ein raffiniertes Spiel mit Perspektiven: Der Zuschauer betrachtet dieselben Ereignisse dreimal und entdeckt jedes Mal neue Schichten der Lüge. Der Film hypnotisiert mit seiner Optik – von samtigen Interieurs bis zu surrealen Szenen im Keller-Kunstkabinett. Aber das Wichtigste hier ist nicht die Perversion, sondern das Thema der Befreiung: Die Heldinnen brechen patriarchalische Ketten, indem sie gegen ihre Unterdrücker deren eigene Waffen einsetzen – 欲望 (Begierde) und 恨 (Han, koreanische Melancholie).

„Along with the Gods: The Two Worlds“ (2017)

Ein episches Fantasy-Abenteuer über einen Feuerwehrmann, der nach seinem Tod zum „Angeklagten“ vor einem jenseitigen Gericht wird. Um wiedergeboren zu werden, muss er innerhalb von 49 Tagen 7 Prüfungen bestehen, die die Sünden der Menschheit widerspiegeln.

Der Film beeindruckt durch seine Größe: von visuellen Effekten auf dem Niveau von Marvel-Filmen bis zu philosophischen Fragen über Opferbereitschaft und Vergebung. Regisseur Kim Yong-hwa verbindet buddhistische Mythen mit Hollywood-Action, aber das Herz der Geschichte liegt in der Beziehung des Helden zu seiner Mutter, deren opferbereite Liebe der Schlüssel zur Erlösung wird. Der Kassenerfolg (Einspielergebnis über 100 Millionen Dollar) bestätigte: Koreanisches Kino kann mit westlichen Blockbustern konkurrieren, ohne seine Herzlichkeit und seinen unverwechselbaren Charme zu verlieren.

„Deliver Us from Evil“ (2020)

Ein farbenfroher, dynamischer und, wie es sich für das asiatische Kino gehört, blutiger und brutaler Actionfilm mit filigran inszenierten Actionszenen. Die Handlung: Der ehemalige Auftragskiller In-nam (Hwang Jung-min) führt seinen letzten Auftrag aus – die Ermordung des Oberhaupts eines Yakuza-Clans – und möchte in den Ruhestand gehen. Aber der Clan ist nicht bereit, die Sache einfach auf sich beruhen zu lassen. Nachdem sie Informationen über den Auftragsmörder herausgefunden haben, töten sie zunächst In-nams Freundin und entführen dann deren Tochter, von deren Existenz der Killer nichts wusste. In-nam macht sich auf die Suche, während ihm bereits ein anderer Killer folgt – der Bruder des getöteten Clanoberhaupts.

„Deliver Us from Evil“ setzt die glorreichen Traditionen koreanischer Actionfilme fort, in denen komplexe choreografische Szenen neben Drama stehen und jede sorgfältig aufgebaute Einstellung uns in eine düstere Welt eintauchen lässt, in der Killer auf Killer treffen und die anderen besser zur Seite stehen sollten, während diese beiden aufeinander einprügeln.

„Emergency Declaration“ (2021)

„Emergency Declaration“ ist ein absoluter Hit in seiner Heimat und der umsatzstärkste Blockbuster des Jahres 2022. Der Film handelt von einem tödlichen Virus an Bord eines Passagierflugzeugs, das gezwungen ist, von einem Flughafen zum anderen zu irren, in der Hoffnung, dass es endlich irgendwo landen und den Passagieren medizinische Hilfe zuteilwerden kann. Aber am Boden sind bei weitem nicht alle bereit, ein infiziertes Flugzeug aufzunehmen, und sie versuchen, die schwerfällige bürokratische Maschine ins Wanken zu bringen.

Es ist ein ziemlich kraftvoller Publikumsfilm mit polierter Optik, hervorragender Dynamik und meisterhaft geschürzter Spannung. Aber das reicht für das südkoreanische Kino immer noch nicht. Der damalige Debütregisseur Han Jae-rim drehte nicht einfach einen Katastrophenfilm. Hier gibt es darüber hinaus an jeder Ecke der Handlung eine Portion der bereits gewohnten Sozialkritik – einen monotonen Detektiv, tragische Monologe und Geißelung des Kapitalismus. Hinzu kam die ungebrochene gesellschaftliche Angst vor der jüngsten Pandemie. Und der Regisseur zeigte anschaulich, dass man vor den Problemen, die einem auf den Kopf fallen, nicht einfach mit dem Flugzeug davonfliegen kann. Die Zeiten sind nicht mehr so.

„In Our Day“ (2023)

Hong Sang-soo ist einer der Schlüsselautoren des modernen koreanischen Kinos, ebenso wie des Weltkinos, obwohl seine stillen Dramen selten die Aufmerksamkeit von jemandem außerhalb des Kreises der Fans auf sich ziehen. Allerdings unternimmt er alle paar Jahre Ausflüge nicht unbedingt ins große, aber, sagen wir vorsichtig, nicht in so kleines Kino: Ein bescheidener Hit war „Die Frau, die weglief“, ein gewisser Erfolg war „Die Bedürfnisse des Reisenden“ (vor allem dank Isabelle Huppert in der Hauptrolle). Diejenigen, die bereit sind zuzusehen, wie Menschen leben, Soju trinken, sich treffen und trennen, werden sich auch bei den bescheidensten Filmen des Regisseurs nicht vom Bildschirm losreißen können.

Unter ihnen ist besonders „In Our Day“ bemerkenswert. Eine meditative Geschichte über eine Schauspielerin, die ihres Berufs überdrüssig ist, und einen Dichter, der mit dem Trinken aufhört. Die Helden reden und trinken wieder (obwohl sie es versuchen, nicht zu tun), suchen eine Katze, streiten sich, aber sie verraten ein wenig mehr von dem, was sie wirklich fühlen. Angesichts von Hongs Produktivität fühlt sich „In Our Day“ wie ein weiterer Besuch in einer vertrauten Bar mit einem alten Freund an, aber sowohl im Freund als auch in einem selbst entdeckt man plötzlich etwas Neues, und das gewöhnliche Treffen bleibt lange in Erinnerung. Im Finale (kein großer Spoiler) spielen alle fröhlich eine Alkoholversion von Schere-Stein-Papier, und man möchte natürlich nichts anderes mehr im Leben tun.

„Cobweb“ (2023)

Kim Jee-woon ist einer jener Regisseure, mit denen das moderne südkoreanische Kino in erster Linie assoziiert wird. Das goldene Zeitalter seiner Karriere fiel in die zweite Hälfte der 2000er Jahre. Doch nach dem effektvollen Thriller „I Saw the Devil“ verschlug es den Regisseur in die falsche Richtung, genauer gesagt auf die texanischen Ebenen. „The Last Stand“ mit Schwarzenegger war weder künstlerisch noch kommerziell ein Erfolg. Allerdings gelang Kim später die Rehabilitation.

Seine bislang letzte Arbeit – die selbstironische Komödie „Cobweb“ – stellt eine Mischung aus „The Disaster Artist“ von Franco, „Das Buch der Lösungen“ von Gondry und „Hail, Caesar!“ der Coens dar. Der Protagonist der Geschichte ist ein Regisseur, der dem Klassiker des koreanischen Kinos Kim Ki-young nachempfunden ist und vom Star aus „Parasite“ Song Kang-ho gespielt wird. Er beschließt, heimlich vor dem Studio das Ende eines bereits fertiggestellten Films neu zu drehen, aber natürlich geht alles schief, und der unglückliche Künstler mit Hochstapler-Syndrom muss sich aus dem Wirrwarr von Schauspielerstreitigkeiten und Unfällen befreien. Hinzu kommen Zensoren am Set. Allerdings finden die Figuren eine elegante Lösung, indem sie das neue Ende als antikommunistische Propaganda gegen den „nördlichen Nachbarn“ präsentieren.

Das Hauptmerkmal, das das nationale Kino der Republik Korea von anderen unterscheidet, ist wahrscheinlich die komplexe Genre-Identität, und die Filme von Kim Jee-woon bilden da keine Ausnahme. „Cobweb“ befindet sich an der Schnittstelle von Situationskomödie, politischer Farce, Abenteuerthriller und melancholischem Drama über die Natur von Kunst und Talent. Der Durchschnittszuschauer wird sich vor Lachen biegen, wenn er sieht, wie die Helden in absurde Situationen geraten, und ein kreativer Mensch wird mit Sicherheit die Leiden und Schmerzen des unglücklichen Regisseurs teilen.