Pennywise, Annie Wilkes, der Mondmann, die Katze Church und alle, alle, alle... Wir erinnern an die unserer Meinung nach würdigsten Verfilmungen der Werke des „Königs des Horrors“.

Schon morgen erreicht die Comedy-Horror-Verfilmung „Der Affe“, basierend auf der gleichnamigen Kurzgeschichte von Stephen King, die russischen Kinos. Der Film kommt bei der Fachpresse gut an. Manche Kritiker nennen die Neuheit sogar „eine der besten Verfilmungen der Werke des Meisters“. Diejenigen Teammitglieder, die den Film von Oz Perkins bereits sehen konnten, teilen diese Ansicht, aber darum geht es jetzt nicht. Wir konnten einen so großen Anlass nicht ungenutzt lassen und haben uns daher entschlossen, mit Ihnen eine Liste von Filmen nach Büchern des „Königs des Horrors“ zu teilen, die wir lieben.

Wenn man bei der Aufzählung der Lieblingsfilme nach Stephen Kings Werken die erste Verfilmung seines ersten Romans, der zum Ausgangspunkt seines Schaffens wurde, nicht erwähnen würde, wäre eine solche Liste sicherlich unvollständig. Im Mittelpunkt der Handlung steht die schüchterne und vertrauensvolle Oberschülerin Carrie (Sissy Spacek). Ihre Mitschülerinnen schikanieren sie regelmäßig in der Schule, und ihre Mutter, eine religiöse Fanatikerin, übt zu Hause ständig psychischen Druck aus, wirft ihr selbst die geringsten Vergehen vor. Gleichzeitig entdeckt sie eine ungewöhnliche Fähigkeit in sich – Telekinese. Die Mitschüler, die einen grausamen Scherz mit dem Mädchen planen, ahnen nicht, mit welchen Konsequenzen sie konfrontiert werden.

Den größten Teil der Laufzeit beobachten wir das Leben der Hauptfigur. Dadurch entsteht eine bedrückende Atmosphäre, die der grausamen Welt der Jugendlichen entspricht. Mobbing im schulischen Umfeld, frommer Puritanismus, gesellschaftliche Entfremdung – all das könnte die Grundlage für ein echtes Sozialdrama sein. Vielleicht macht gerade dieser künstlerische Ansatz den Film noch erschreckender oder zumindest unangenehmer. Obwohl der Film von Brian De Palma heute in vielerlei Hinsicht veraltet wirken mag, kann er dennoch ein Gefühl des Unbehagens hervorrufen, wenn auch nicht bei den anspruchsvollsten Zuschauern.

Eine allgemein als etwas langweilig angesehene Miniserie, die an manchen Stellen sogar komplett angeschaut wird – alle drei Stunden als ein Film. Eine verrückte Idee, die aber in gewisser Weise neue Facetten in Hoopers Kino eröffnet. Tobe Hooper ist ein großartiger Regisseur, interessant dadurch, wie er die Materie seiner Geschichten fühlt: Beim Anschauen von „Blutgericht in Texas“ kann man sich leicht wie die Hauptfigur in der Höhepunktszene fühlen, wenn sie gezwungen wird, dem Bösen ins Gesicht zu sehen; in der Novelle über das fremde Auge aus „Body Bags“ wird einem schwindelig von der ständigen Täuschung des Sehens.

„Brennen muss Salem“ fügt sich logisch in diese Tradition ein: Dieser Film ist stellenweise genauso ermüdend wie das Leben in einer Kleinstadt, aber manchmal faszinierend wie ein unerwartet eröffneter Antiquitätenladen, und natürlich unheimlich wie der Sarg eines Vampirs (übrigens hervorragend geschminkt) im Keller dieses Ladens.

Viele Szenen aus „Salem“, die heute nicht sehr bekannt sind, haben seinerzeit den Horrorfilm beeinflusst, und das zentrale Thema – wie schnell sich das Böse, sobald es auftaucht, ausbreitet – wirkt auch heute nicht archaisch. Es ist interessant zu beobachten, wie das Böse die Stadt erobert, sowohl als Beispiel für moralische Panik als auch als Metapher für viel realere Epidemien und letztlich als aktueller Kommentar zum Leben jeder Gesellschaft, die an ihre eigene Tugend glaubt.

Jack Torrance (Jack Nicholson) kommt in ein Hotel, das sich auf den toten Winterschlaf vorbereitet. Die letzten Gäste und Angestellten reisen ab. Die leeren Räume des eleganten Schlosses – fast eines lebenden Organismus – stehen Jack und seiner Familie zur Verfügung. Inmitten endloser schneebedeckter Berge ist der Held für den ganzen Winter eingesperrt. Die leeren Räume des Hotels „Overlook“, die ein Geheimnis bewahren, reimen sich mit den düsteren Kammern von Jacks eigenem Unterbewusstsein zu einer feierlichen Ode der Schatten.

Die Ästhetik von „Shining“ setzt sich zusammen aus dem eleganten Interieur des „Overlook“, den düsteren Winterlandschaften und der lebendigen Angst, die alles Äußere und Innere erfüllt.

Die psychedelische, erschreckende Komponente von „Shining“ ist mit mathematischer Präzision ausbalanciert, wie die berühmte Perspektive von Stanley Kubrick. Der Film ist überladen entweder mit freudschen Rätseln oder mit den Echos des chaotischen Dunkels des Hotels selbst. Ein solch geheimnisvoller Boden hat viele Theorien unterschiedlichen Verrücktheitsgrades hervorgebracht: von YouTube-Videos der Reihe „Sie haben ‚Shining‘ nicht verstanden“ bis zum Dokumentarfilm von Rodney Ascher.

Ein für den Regisseur David Cronenberg unerwartet traditioneller Thriller, eine geradlinige Verfilmung eines der besten Romane des Autors. Johnny Smith (der herausragende Christopher Walken), ein Schullehrer, der nach einem Unfall und fünf Jahren im Koma eine übersinnliche Gabe in sich entdeckt. Mit ihr zu leben ist nicht leicht, und die richtigen Entscheidungen zu treffen noch schwieriger. Es ist gut, wenn die Vorahnung zeigt, wie man einen Jungen retten kann, aber was tun, wenn man einem Politiker die Hand schüttelt und sieht, dass er den Dritten Weltkrieg auslösen wird?

Viele erinnerten sich im Zusammenhang mit dem US-Wahlkampf an „Die Dead Zone“, und das ist wohl bezeichnend. Es ist nicht so wichtig, ob Präsident Trump der Figur von Martin Sheen ähnelt – einem populistischen Politiker, der allen alles und sofort verspricht – oder nicht, viel wichtiger ist die Verzweiflung, die das letzte Drittel des Films durchdringt. Wie kann ein einfacher Mensch nicht nur den Lauf der Geschichte, sondern sogar lokale Wahlen beeinflussen? Wie erreicht man die Politiker? Johnny Smith gibt eine ganz bestimmte und daher sehr traurige Antwort.

Laut Stephen King selbst hält er die Vorlage für seinen beängstigendsten Roman – und die Verfilmung ist dem ebenbürtig. Der Film von Mary Lambert ist nicht nur wirklich gruselig, sondern auch unglaublich traurig. Beginnend mit einem traurigen Ereignis (leider alltäglich im Schicksal vieler) verwandelt sich das ideale Leben der charmanten Familie des Arztes Louis in die Hölle. Aber den Protagonisten für seine Entscheidungen zu verurteilen, kann man nur wegen seiner großen Liebe zu seinen Angehörigen und dem Wunsch, sie vor Schmerz zu schützen.

Eine gewisse Naivität, die den Filmen der 80er Jahre eigen ist, stört nicht, sondern schafft nur einen wahnsinnigen und schrecklichen Kontrast. Das schöne junge Paar, gespielt von Dale Midkiff und Denise Crosby, ihre wunderbaren Kleinen, die auf dem Rasen spielen, makellose „Americana“ im Geiste von Frank Capra, der rote Lastwagen, der düstere Nachbar (der unnachahmliche Fred Gwynne), die schaurigen Rückblenden aus der Kindheit von Dr. Creeds Frau – das sind die Bilder, die sich fest im Gedächtnis einprägen.

Lange Zeit fiel es mir schwer, mir einen Film vorzustellen, den man so sehr hassen kann – nicht wegen der Qualität, sondern wegen seiner Hoffnungslosigkeit. Dies ist nicht nur ein guter und bereits klassischer Horrorfilm, sondern auch ein Drama, das in der Stärke seiner Tragödie mit den meisten anderen Vertretern des Genres konkurrieren kann.

„Ich bin Ihr größter Fan“ – ein äußerst beängstigender Satz für einen Menschen mit Weltruhm. King weiß aus eigener Erfahrung, wie besessene Fans sind, die sowohl Katzenskelette schicken als auch einen lebenden Skorpion an den geliebten Schriftsteller senden können. Ganz zu schweigen davon, dass Mark David Chapman persönlich Stephen King traf und ihn lobte. Und ein Jahr später erschoss er John Lennon. Ja, so etwas gibt es auch.

All dies veranlasste den Schriftsteller zur Schaffung des Romans „Misery“ (1987), und bereits 1990 erschien die gleichnamige Verfilmung des Buches mit der wunderbaren Kathy Bates in der Hauptrolle. In der Geschichte gibt es keinen fantastischen Unterton oder das weltweite Böse in Gestalt des Clowns Pennywise. Es gibt nur eine besessene Fanatikerin, die das Glück hat, einen verletzten geliebten Autor zu treffen. Wie konnte man vorbeigehen und die Gelegenheit verpassen, ihn als Geisel zu halten? Annie Wilkes kennt die Antwort auf diese Frage nicht. Und sie nimmt ihn im wahrsten Sinne des Wortes in ihre Hände.

Ständige Anspannung, bedrückende Atmosphäre und brutale Gewaltszenen der „größten Fanatikerin“ tun ihre Wirkung. „Misery“ braucht keine Jumpscares, um den Zuschauer zu erschrecken, ein geschlossener Raum und die Hilflosigkeit des Protagonisten reichen aus. In der heutigen Realität wirkt der Film sogar noch aktueller, denn die Distanz zwischen Stars und Fans hat sich durch das Internet merklich verringert. Jetzt kann jeder anfangen, den berühmten Liebling in den Kommentaren zu tyrannisieren und ihn in Paranoia zu versetzen. Und dafür muss man ihm nicht einmal die Beine brechen.

„Der Fluch“ ist nicht der bekannteste Roman von Stephen King, und seine Verfilmung, die von Tom Holland (nicht zu verwechseln mit dem Darsteller des Spider-Man) inszeniert wurde, findet man selten in den Listen der Besten. Zudem erhielt die filmische Adaption ziemlich niedrige Kritikerbewertungen. Der Film kann kaum als gruselig bezeichnet werden, und selbst angesichts der Darstellung von Körperhorror im Bild ist es zweifelhaft, ihn dem Horror-Genre zuzuordnen. Dennoch imponiert mir die ideelle Komponente dieses Films eindeutig.

Hinter der Geschichte (fast schon einer Parabel) über einen Zigeunerfluch, der auf einem unehrlichen Anwalt, Richter und Polizisten lastet, verbirgt sich eine Kritik am in Korruption versunkenen Justizsystem. Daher wird die Gerechtigkeit im Buch und im Film einem hundertjährigen Zigeunerbaron anvertraut. In „Der Fluch“ treffen Menschen, die es gewohnt sind, alles mit Bestechungsgeldern zu regeln, auf einen Besitzer einer höheren Macht, der nicht bestechlich und nicht so leicht einzuschüchtern ist. Kurz gesagt, die Moral ist glasklar: Den Sündern wird auf jeden Fall für ihre Taten vergolten.

Zu den Vorzügen des Films zählt auch die Arbeit der Maskenbildner. Wenn der Protagonist, gespielt von John Burke, anfangs aussieht, als wäre er aus einer dummen amerikanischen Komödie der 1980er Jahre entlaufen, verwandelt er sich gegen Ende in ein wandelndes Skelett mit darüber gespannter Haut. Und auch der Schauspieler selbst hat sich bemüht, diese Veränderungen zu vermitteln: Während der Dreharbeiten verlor er fast zehn Kilogramm.

Mit welcher Ehrfurcht Stephen King den Verfilmungen seiner Werke gegenübersteht, ist allgemein bekannt. Der Schriftsteller mag es nicht, wenn Regisseure, die sich an die Adaption machen, in Eigenregie verfallen, Enden und Charaktere der Helden ändern. So fielen dem „König des Horrors“ so kultige Dinge wie „The Running Man“ von Paul Glaser und das oben erwähnte „Shining“ von Stanley Kubrick in Ungnade. In einigen außergewöhnlichen Fällen ist King jedoch bereit, die Eigenmächtigkeit der Filmemacher zu verzeihen.

Zum Beispiel war der Literat begeistert davon, wie Frank Darabont, der zuvor „Die Verurteilten“ und „The Green Mile“ inszeniert hatte, die Auflösung der Geschichte im Film „Der Nebel“ überarbeitete. Wenn die ursprüngliche Erzählung im Grunde mit einem offenen Ende abschloss, bei dem das weitere Schicksal der Helden nicht vorbestimmt war, sind die letzten Minuten des Films ein emotional entleerendes Spektakel. Dabei erscheint dieser Ausgang dramaturgisch angemessener als der im Buch.

Ansonsten ist „Der Nebel“ eine ziemlich textnahe Verfilmung der Vorlage. Es ist zu 100% ein „King-Werk“! Die Hauptmonster sind hier wie üblich nicht riesige Spinnen oder Kreaturen mit Tentakeln, sondern Menschen, die unter extremen Bedingungen bereit sind, jeden Unsinn zu glauben und auf Anweisung charismatischer Machthaber Verbrechen zu begehen.

Regisseur Mike Flanagan gilt inoffiziell bereits als einer der besten Horror-Macher unserer Zeit sowie als einer der besten Verfilmer von Stephen Kings Romanen (an erster Stelle steht natürlich Frank Darabont). Wie die Vorlage ist der Film „Gerald’s Game“ ein kammerspielartiger Psychothriller, der eigentlich nicht so sehr von Albträumen und dem Überleben einer ans Bett gefesselten Frau handelt, sondern vom Kampf mit inneren Dämonen, der Befreiung von den Fesseln einer längst überholten Ehe und der (erneuten) Wiederfindung der eigenen Persönlichkeit. Der Film balanciert gekonnt zwischen Horror-Atmosphäre, Drama und quasi-philosophischen Betrachtungen.

Trotz der Tatsache, dass die Ereignisse in einem einzigen Raum stattfinden und sich die ganze Geschichte um die Heldin in der Darstellung der unglaublichen Carla Gugino dreht, kann der Film vielen in Sachen Spannung, Sounddesign und visuellen Lösungen Paroli bieten. Es gibt keine Jumpscares, aber ein Gefühl des Grauens liegt in der Luft, und das Geschehen lässt einen irgendwann daran zweifeln, ob die Heldin bei Bewusstsein ist. Einige Szenen sind so gedreht, als ob wir Halluzinationen beobachten würden; während des Anschauens glauben wir immer weniger an die Realität des Geschehens, und erst im Finale klärt sich die Situation.

Ja, im Vergleich zu Kings Roman wird die Ausgangssituation im Film zu schnell entwickelt (in weniger als einer Viertelstunde), und einige innere Erlebnisse und Ängste werden oberflächlich beschrieben. In manchen Szenen muss Flanagan Metaphern und Symbolik direkt erklären. Aber die Laufzeit des Films beträgt auch nur 103 Minuten. King hatte es in dieser Hinsicht leichter. Mike hat sich offensichtlich sehr bemüht und eine gute Verfilmung gedreht, die anschaulich beweist, dass begrenzter Raum und Zeit kein Hindernis sind, wenn man die Akzente im Drehbuch richtig setzt und Ton und Bild gekonnt einsetzt.

Eine im Schatten der Verfilmungen von Kings lauteren Werken stehende Erzählung über den Bauern James Wilfred, der seine Frau tötete. Die Leiche warf er in einen Brunnen, wo sie sofort von Ratten gefressen wurde. Die offizielle Justiz erreichte den Bauern nicht – kein Körper, kein Fall. Aber bald begann ihm der Geist seiner verstorbenen Frau zu erscheinen, und James selbst wurde verrückt.

Ein minimalistischer und harter Horror, der Liebhaber üppiger Gruselfilme mit obligatorischen Schrecken, die in irgendeinem weiteren Keller leben, nicht erfreuen wird. „1922“ verschwendet sich überhaupt nicht an Übernatürliches, sondern ist sogar näher am Drama, konzentriert auf den Menschen und seine inneren Dämonen. Nicht umsonst wurde der Film vom ständigen Kameramann des Regisseurs Taylor Sheridan, Ben Richardson, gedreht. Seine Optik ist immer auf die groben Gesichter einfacher Männer fokussiert, die schwere Prüfungen zu bestehen haben. Daher kann man die Stimmung der echten Southern Gothic und der freudlosen Landschaften des überall wachsenden Mais mit seiner leichten Hand bereits ab den ersten Bildern einfangen.

Und der Hauptstar des Films ist zweifellos Thomas Jane („Bloody Thursday“), der auf der Leinwand das Bild des uncharmanten Bösen verkörpert, aber gleichzeitig den Zuschauer durch die seelischen Qualen nach dem begangenen Mord für sich einnimmt. Dies ist eine langsame, bedrückende Geschichte im Geiste der Romane Dostojewskis darüber, dass der Verbrecher auf die eine oder andere Weise der Bestrafung nicht entgehen wird. Und selbst wenn Themis hier nichts ausrichten kann, könnten magische Kräfte ins Spiel kommen.

„Es“ hat so stark eingeschlagen, weil Andrés Muschietti King nicht einfach verfilmt, sondern die Geschichte wirklich lebendig und dem Publikum nahe gebracht hat. Der „Club der Verlierer“ ist das Herz des Films: Die Kinder sind so echt geraten, dass man wirklich um sie bangt, selbst wenn man selbst längst kein Teenager mehr ist. Statt eines Standardsets an Horror-Klischees gibt es hier schlimmere Dinge – Mobbing und Familienprobleme. Und den gruseligen Monster aus der Kanalisation hat auch niemand abgeschafft.

Und Pennywise in der Darstellung von Bill Skarsgård ist eine ganz eigene Sache. Er ist gleichzeitig unheimlich und hypnotisch, als würde er den Zuschauer in sein eigenes Labyrinth der Angst einladen. Die „Buh“-Episoden funktionieren hier hervorragend: Mal erschreckt einen das plötzliche Erscheinen des Clowns, der mit dem abgerissenen Arm eines Opfers winkt, mal überfällt einen die Atmosphäre der Angst. Aber die Hauptsache ist, dass der Film nicht nur Angst macht, sondern einen auch an die eigene Kindheit, Freundschaft und genau die Momente erinnern lässt, in denen man zum ersten Mal verstand, dass man die Angst besiegen kann.