Wenn Sie auf der Suche nach etwas sind, das Sie dieses Jahr zu Halloween sehen können, haben Sie immer die Möglichkeit, Horrorfilme aus verschiedenen Ländern zu bewerten, denn die Sprache der Angst ist universell.

Amerikanische Horrorfilme sind zweifellos die Vorreiter des Genres. Neben Geschichten aus den USA gibt es jedoch in der Filmwelt zahlreiche Beispiele, bei denen Horrorfilme aus verschiedenen Ländern weit über die Grenzen ihrer Heimat hinaus zu Hits wurden oder einfach großartige Filme waren, die für Fans des Genres sehenswert sind. Unsere Redaktion hat für Sie eine Auswahl von zehn solcher Filme zusammengestellt, bei denen Ihnen die Gänsehaut einen Twist auf der Haut tanzen lässt.

„Zwei, drei, Dämon, komm!“ (Australien, 2022)

Das australische Segment des Horrorgenres wird hauptsächlich durch Tierhorror repräsentiert, was angesichts der unermesslichen Anzahl gefährlicher und skurriler Lebewesen, die dort leben, nicht verwunderlich ist. Aus der jüngeren Vergangenheit fallen mir sofort „Black Widow – Biss des Todes“ und „Zombie-Känguru“ ein. Natürlich hätte man zur anschaulichen Demonstration der Besonderheiten des lokalen Horrors einen Film über ein Tier mit kannibalischen Neigungen wählen können, aber ich habe mich für einen anderen Weg entschieden.

Australien erlebt wie der Rest der Welt auch eine Invasion von Post-Horror. Aber nach der Veröffentlichung des Films „Zwei, drei, Dämon, komm!“ (die russische Namensgebung ist wie immer erfreulich) sprach man ernsthaft von einer Renaissance. Im Mittelpunkt der Handlung steht eine Gruppe Teenager, die eine neue Unterhaltung entdecken. Mit Hilfe der einbalsamierten Hand eines Schamanen nehmen sie Kontakt zu den Seelen Verstorbener auf und werden vorübergehend zu Medien, die diese in die Welt der Lebenden holen. Solche Sitzungen sollten keine Nebenwirkungen haben, wenn man sich strikt an die vorgegebenen Regeln hält. Nur gelingt es den Helden des Films nicht, rechtzeitig aufzuhören...

Der Film der Brüder Philippou enthält Anspielungen auf lokale Folklore, flotten australischen Rap, einen unheimlichen Geist eines überfahrenen Kängurus und ein Problem, das die Regisseure bewegt, verpackt in eine schöne Metapher. Die Statistik zum Konsum illegaler Substanzen, auch bei Jugendlichen, ist im Land geradezu erschütternd. Laut einer Studie aus dem Jahr 2019 haben 11 % der Bürger mindestens einmal in ihrem Leben weißes Pulver probiert. Schön, wenn Filmemacher nicht nur an Unterhaltung, sondern auch an die gesellschaftliche Bedeutung ihrer Arbeit denken.

„Der Teufel“ (Polen, 1972)

„Der Teufel“ ist ein früher und nicht der bekannteste Film von Andrzej Żuławski, den man aber nicht verpassen sollte. Der Film gibt sich zunächst als historisches Drama über die Teilung Polens, den Untergang und Zerfall des Staates, gezeigt durch die Augen eines jungen polnischen Soldaten und glühenden Patrioten, der aus dem Krieg nach Hause zurückkehrt. Zu Hause, so denkt er, erwarten ihn seine Geliebte, sein Vater, seine Mutter, seine Schwester. In Wirklichkeit erwarten ihn natürlich nur Tod, Enttäuschung und (darin liegt der Horrorfilm) der Teufel selbst.

Obwohl die Handlung des Films im Jahr 1793 spielt, drehte Żuławski natürlich über die zeitgenössische politische Situation. Aus diesem Grund ist „Der Teufel“ kein archaischer Film, sondern im Gegenteil ein lebendiges, wütendes, sehr beängstigendes Kino. Der Prozess des Zerfalls des Staates wird mit dem Zerfall der Persönlichkeit gereimt, das Herumirren des Helden im Kreis mit dem Verlust seiner moralischen Orientierung. All das, was Żuławski später berühmt machen sollte – wahnsinnige Expression, Überschreitung persönlicher und sozialer Grenzen, totale Bewusstseinsverwirrung, die von den Figuren auf die Zuschauer übergeht – ist auch in „Der Teufel“ vorhanden.

Der Held kehrt nach Hause zurück und findet dort weder Land noch Liebe noch ein Zuhause, aber er findet den Teufel, der dem jungen Patrioten nicht etwa Wissen anbietet wie Faust, sondern eher das Gegenteil – Vergessen. Er bietet ihm an, sich selbst als Retter des Vaterlandes zu sehen und seine Lieben zu töten. „Der Teufel“ ist in diesem Sinne vielleicht nicht der filmisch einflussreichste Film des Regisseurs, aber einer der emotionalsten, beängstigendsten und präzisesten. So präzise, wie eine Chronik des Abstiegs in die Hölle sein kann.

„Das Lied des Teufels“ (Irland, 2016)

Die Hauptfigur des irischen Horrors „Das Lied des Teufels“, Sophia, mietet ein verlassenes Haus in Wales, um ein komplexes okkultes Ritual durchzuführen, um Kontakt mit der Seele ihres ermordeten Sohnes aufzunehmen. Und nach der Prämisse könnte es scheinen, dass dies ein weiterer abgedroschener Horror-Standard über Besessenheit ist, aber der Teufel steckt, wie so oft, im Detail.

Regisseur Liam Gavin schafft buchstäblich aus einfachen Mitteln eine Atmosphäre des auf die Psyche der Figuren und Zuschauer drückenden Grauens, in der jedes Detail die emotionale Verwüstung der Charaktere unterstreicht. Die Beziehung zwischen Sophia und dem Okkultisten Joseph Solomon wird zum Zentrum der Spannung: Ihre Interaktionen sind wie eine Achterbahnfahrt, bei der auf jeden Moment der Offenbarung ein steiler Vertrauensverlust folgt.

Der Film balanciert zwischen Realismus (gemäßigt, nicht übermäßig) und Übernatürlichem und zeigt, wie Trauer etwas Dunkles im Menschen erwecken kann. Während des Rituals wird Sophia mit ihren eigenen inneren Dämonen konfrontiert – ihr Rachedurst und ihre Unfähigkeit, den Verlust zu akzeptieren, führen zu katastrophalen Folgen. Der Höhepunkt des Films (mutig und unerwartet), in dem Sophia endlich Vergebung findet, wird nicht nur zu einer Befreiung für sie, sondern auch zu einem starken Kommentar über die Natur von Trauer und Erlösung.

„Der Fluch. 13. Etage“ (Indonesien, 2022)

Überhaupt sind Horrorfilme aus südostasiatischen Ländern für Zuschauer aus Russland ein großer Running Gag. Die heimischen Verleiher, die aus einem offensichtlich nicht relevanten Produkt maximalen Gewinn ziehen wollen, verwandeln es durch Namensgebung in ein neues Kapitel einer bekannten Franchise. Meistens fallen die Filmreihen „Insidious“ und „The Conjuring“ zum Opfer. Aber unter der großen Menge billiger Gruselfilme über Dschinns und Exorzismus im Namen Allahs (über 80 % der Bevölkerung der Region sind Muslime) gibt es dennoch einige nicht uninteressante Vertreter des Genres.

„Der Fluch. 13. Etage“ (im Original „Diener Satans 2: Die Kommunion“) ist ein Spektakel, das absolut nichts für Zartbesaitete ist. Hier sehen die Spezialeffekte akzeptabel aus, und die Schockmomente funktionieren wie sie sollen. Bereits im ersten Akt werden Sie Zeuge einer extrem harten und naturalistischen Szene mit einem Aufzugabsturz. Aber das ist in diesem Fall nicht die Hauptsache. Der Film von Joko Anwar ist ein recht guter Führer durch das soziokulturelle Leben Jakartas in den 1980er Jahren. Auf dem Programm steht alles, was Sie über Indonesien jener Jahre wissen wollten: von der nationalen Bestattungszeremonie bis zur Einrichtung von Wohnungen im Vorortgetto. Sogar der politische Kontext der Zeit wird erwähnt.

„Diener Satans 2“, die in der fremden Gestalt von „Der Fluch“ zu uns gelangten, wurden in ihrer Heimat zu einem echten Hit und spielten die Produktionskosten um das 19-fache ein. Außerdem ist es der erste südasiatische Film, der mit IMAX-Kameras gedreht wurde.

„Schwarzer Samstag oder Die drei Gesichter der Angst“ (Italien, 1963)

Wahrscheinlich gab es im italienischen Kino keinen größeren Regisseur als Mario Bava. Ein Autor von erstaunlicher künstlerischer Ausdruckskraft, ein Meister der visuellen Sprache und darüber hinaus ein brillanter Geschichtenerzähler, der als Kameramann, Produzent, Regisseur arbeitete und oft einfach fremde Filme für ein paar Kopeken zu Ende drehte, veränderte er das Gesicht des italienischen und des Weltkinos. Und natürlich des italienischen und des weltweiten Horrors. „Die drei Gesichter des Todes“ ist ein schöner und prägnanter Film, ein einfacher Einstiegspunkt in die Filmografie des Regisseurs und gleichzeitig ein originelles Werk, das auch losgelöst von der Filmgeschichte interessant ist.

Aus den drei Geschichten, die nach dem Grad der Spannungssteigerung angeordnet sind, ist es schwierig, eine bestimmte hervorzuheben. Die erste, die einen ironischen Blick auf das moderne Leben wirft, hat die berühmte Telefonhandlung in „Wenn der Fremde klingelt“ und die Eröffnungsszene von „Scream“ maßgeblich beeinflusst – ohne sie hätte es sie vielleicht nicht gegeben. Die zweite Novelle, die auf die heimische Klassik verweist, ist eine sehr effektvolle und unheimliche Gothic-Geschichte darüber, dass die besten Gäste diejenigen sind, die nicht bleiben. Die dritte Geschichte ist ein Prototyp des Giallo, eine brillante Erzählung über verfluchtes Gold und einsame Frauen.

Roman Kowaljow

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Alle drei Geschichten sind in gewissem Sinne paranoid. Das Thema der Täuschung, die in der Natur der Realität verwoben ist, ein zentrales Thema im Schaffen des Regisseurs, wird hier nicht ohne Ironie präsentiert, bestimmt aber dennoch den Verlauf der Novellen. Die Helden können nicht an die Realität der Bedrohung glauben, können ihre gewohnten Vorstellungen nicht überwinden, aber das tun sie zu Unrecht – fünfzehn Minuten, und sie müssen bereits an sie glauben. Allerdings natürlich nicht. Bava ist ein großer Gothic-Regisseur, und den Helden gotischer Werke sollte man nie glauben.

„Das Haus der Schatten“ (Spanien, 2014)

Ohne spanische Regisseure ist das Horrorgenre heute kaum noch vorstellbar, und sie bringen Jahr für Jahr, wenn nicht Meisterwerke, so doch zumindest solide Arbeiten hervor, zu denen auch „Das Haus der Schatten“ zählt. Der Film wurde von Regisseur Sergio G. Sánchez gedreht, der zuvor die Drehbücher zu dem sehr unheimlichen „Das Waisenhaus“ und dem dramatischen Katastrophenfilm „The Impossible“ geschrieben hatte.

Im Mittelpunkt der Ereignisse stehen hier unerwartet verwaiste Kinder, die in einem großen alten Haus leben. Bald wird der Älteste von ihnen 21 Jahre alt und kann für alle das Sorgerecht beantragen. Bis dahin sollten sie sich besser nicht den offiziellen Stellen zeigen. Doch das Warten auf den lang ersehnten Geburtstag wird zur Qual, als die Kinder begreifen, dass außer ihnen noch jemand im Haus wohnt. Und er hat eindeutig böse Absichten.

„Das Haus der Schatten“ zieht dem Zuschauer regelmäßig den Stuhl unter dem Hintern weg mit einfallsreichem Grauen und einer unerwarteten Handlungswendung. Außerdem kann man hier ein ganzes Ensemble zukünftiger Hollywood-Stars bewundern: von Mia Goth über Anya Taylor-Joy bis George MacKay.

„Geisterstation“ (Südkorea, 2022)

„Geisterstation“ bietet den Zuschauern einen fast klassischen asiatischen Horror (an der Produktion waren Vertreter Koreas und Japans beteiligt, so seltsam das auch klingen mag), jedoch mit Elementen eines Detektivfilms. Die Handlung dreht sich um die Journalistin Na-yeong, die eine Untersuchung des mysteriösen Todes (Selbstmord?) an einer U-Bahn-Station in Seoul beginnt.

Der Film verwendet die für das Genre üblichen Tropen – Geister, mysteriöse Verschwindenlassen und Detektivelemente –, tut dies jedoch mit koreanischem Kolorit. Und obwohl er an Vorhersehbarkeit leidet, hält er durch das Setting (wen ängstigen nicht düstere und verlassene U-Bahn-Stationen?!) die Aufmerksamkeit aufrecht und bewahrt das richtige Gefühl des Unbekannten und Unheimlichen. Und wenn Kinder im Bild erscheinen... brr... es ist sogar unheimlich, sich daran zu erinnern.

„Knochenknirschen“ (Finnland, 2021)

Ein charakteristisches Merkmal eines guten Teils des finnischen und überhaupt des nordeuropäischen Horrors ist das Böse, das sich in der idyllischen Vorstadt-Suburbia versteckt. Das Leben in diesen Ländern erscheint vielen ideal, wie verschiedene Indikatoren wie der Glücksindex der Bevölkerung belegen. Auf der Dekonstruktion dieses populären Bildes basiert das Konzept vieler skandinavischer Gruselfilme.

Genau darum geht es in dem Film „Knochenknirschen“. Er erzählt von einer „vorbildlichen“ finnischen Gesellschaftszelle, zumindest erscheint sie den Abonnenten des persönlichen Blogs der Mutter so. Eines Tages fliegt eine Krähe in ihr Haus, das an das Cover eines IKEA-Katalogs erinnert, zerschlägt teures Kristall und bezahlt dafür mit ihrem Leben. Bald darauf findet die Hauptfigur – die in die Pubertät kommende 12-jährige Tinja – ein Ei, aus dem ein riesiger Vogel schlüpft, der im Laufe der Zeit immer mehr menschliche Züge annimmt.

„Knochenknirschen“ sorgte seinerzeit für Aufsehen beim Sundance Film Festival. Der Film funktioniert gut als Body-Horror mit Genuss an körperlichen Deformationen, aber noch viel mehr erschreckt er durch die Sterilität der Räume und die Falschheit der Lächeln.

„Die Besessenen“ (Argentinien, 2023)

Ein argentinischer Horrorfilm von Regisseur Demian Rugna über zwei Brüder, die ein Dorf von einem vom Teufel Besessenen befreien sollen. In der Welt dieses Films wird die Existenz solcher „Patienten“ als selbstverständlich, längst etabliert und sogar ermüdend dargestellt. Die Hauptsache ist, sich nicht mit der „Ansteckung“ zu infizieren, die fast durch Tröpfcheninfektion übertragen wird. Was natürlich mit einem der Brüder passiert.

Ein ziemlich unheimlicher Film mit Anleihen aus den besten Werken von Sam Raimi. Ein paar schockierende Szenen, die gerade nichts Irrationales betreffen, originelle Drehbucheinlagen, erdrückende Ausweglosigkeit, ein unausweichliches und teuflisches Böses, vor dem man nicht weglaufen und sich nicht reinwaschen kann. All das macht „Die Besessenen“ zu einer kleinen Perle des Genres. Und das eigenwillige argentinische Kolorit macht aus dem Film etwas Spannenderes als einen gewöhnlichen Gruselfilm.

„High Tension“ (Frankreich, 2003)

„High Tension“ ist ein Paradebeispiel der neuen Welle des französischen Horrors (ich erlaube mir eine Freiheit in der Interpretation). Der Film beginnt wie ein typischer Slasher: Zwei Freundinnen fahren fürs Wochenende in ein abgelegenes Haus, wo sie auf einen Psychopathen treffen. Doch Regisseur Alexandre Aja, heute einer der prominenten Vertreter des Horrorgenres, nutzt diese Vorlage, um einen komplexen Psychothriller mit unerwarteten Wendungen zu schaffen.

Aja spielt immer wieder mit der Wahrnehmung des Zuschauers: Was am Anfang offensichtlich erscheint, erweist sich am Ende als alles andere als einfach. Und auf der Bedeutungsebene zwingt der Film zum Nachdenken über die Natur des Bösen und darüber, wie nah es uns sein kann. Die Ästhetik der Gewalt dient hier nicht nur dem Schockieren (obwohl auch das nicht fehlt), sondern sie bildet den Hintergrund für Überlegungen zu Trauma und Identitätsfragen.