In den Verleih kommt der Film „Das Leben“, Preisträger der Berlinale. Warum man sich dieses dreistündige Familiendrama ansehen sollte – in unserer Rezension.

Nach der Handlung des Films „Das Leben“ stirbt die ältere Deutsche Lissy Lunies (Corinna Farfuch, herausragend) an Krebs – ohne angemessene Pflege, besondere Hilfe und Hoffnung, dass ihr vor dem Tod jemand ein Glas Wasser bringt. Ihr Mann könnte es bringen, aber er wird aller Voraussicht nach noch früher sterben: Der tief demente Gerd verbringt seine letzten Tage, indem er ohne Hose durch die Straßen läuft, die er längst nicht mehr erkennt. Die Tragödie der beiden Alten – einsam, unglücklich, den Kontakt zur Welt verlierend (für Gerd existiert sie einfach nicht, und Lissy kann ihre Kinder nicht erreichen) – ist den ersten halben Stunde des Films gewidmet, und das ist, ehrlich gesagt, eine erschöpfende Angelegenheit (irgendwo im Register von „Liebe“ von Michael Haneke).

Die nächsten beiden Kapitel – insgesamt gibt es fünf im Film – sind den Kindern von Lissy und Gerd gewidmet, Tom und Ellen. Tom Lunies (Lars Eidinger, bekannt unter anderem durch exzentrische Rollen in den Serien „Babylon Berlin“ und „Irma Vep“) ist ein erfolgreicher Dirigent, der mit den Proben von „Sterben“, einer Sinfonie seines Freundes, des Komponisten Bernard (Robert Gwisdek), völlig beschäftigt ist. Der Autor mag sein eigenes Werk nicht und verschiebt ständig die beiden wichtigsten Ereignisse seines Lebens – die Premiere und den Selbstmord. Die entscheidende Intrige ist, was zuerst passieren wird.

Tom kann die Leiden seines Freundes nicht ganz teilen: Erstens leidet jener nicht ohne Vergnügen und ununterbrochen während ihrer gesamten Bekanntschaft; zweitens bereitet sich die Frau, die Tom viele Jahre nach der Trennung liebt, darauf vor, ein Mädchen zu bekommen. Allerdings nicht von ihm. Und ausgerechnet er wird sich am Ende um sie kümmern. Auf die Anrufe seiner Mutter antwortet er zwar, aber ohne Begeisterung: Sie lieben sich nicht, und beide wissen das. Und beide wissen, dass bald alles vorbei sein wird.

Ellen (Lilith Stangenberg, faszinierend), Lissys Lieblingstochter, taucht in den Gesprächen der Figuren auf, erscheint aber erst in der zweiten Stunde auf der Leinwand. Dann aber grandios: Alkoholikerin, Zahnarztassistentin, mit ausgezeichnetem Gehör, Stimme und völligem Mangel an Lebenswillen, wacht sie in einem Hotel in Osteuropa auf, verscheucht friedlich frühstückende Gäste und versucht zu verstehen, was sie dort überhaupt tut. In Deutschland angekommen, geht sie mit Kater, stets in schwarzer Sonnenbrille, zur Arbeit, erfindet Geschichten über den sympathischen Zahnarzt Sebastian (Ronald Zehrfeld) und bittet ihn irgendwann in eine Bar (zu zweit trinken ist doch lustiger), woraus eine Romanze entsteht.

Tom und Ellen kommunizieren nicht, ihre Leben verlaufen parallel, und jede Abweichung davon, jedes Treffen ist eine potenzielle Katastrophe, eine Quelle von Peinlichkeit und Hass. Wahrscheinlich aufeinander, aber vielleicht auch auf sich selbst. Um diese totale Lieblosigkeit geht es in gewissem Sinne auch in diesem Film. Die Figuren können Liebe und Verständnis finden, aber immer außerhalb der Familie, in selbst geschaffenen Bindungen. Drei Stunden lang, entgegen dem klassischen Schema von Filmen über zerrüttete Familien (jemand anderes hätte daraus vielleicht einen „11“ gemacht), kommen Lissy, Tom und Ellen nicht näher, sondern entfernen sich voneinander.

Iwan Kiljakow

Toretto-Syndrom: Rezension zu „Fast & Furious 10“

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Regisseur Matthias Glasner sucht generell keine einfachen, ausgetretenen Pfade. Dies ist ein dreistündiger Abdruck des Lebens, wie es der Filmemacher, so hat man das Gefühl, kennt. Er selbst hatte einen Konflikt mit seiner Mutter (sie sagte unter anderem, er sei kein Fassbinder, also werde er kein Regisseur), er spricht nicht mit seiner Schwester, und er hat, bezeichnenderweise, einen Freund, der Komponist ist. Diese Autobiografizität, die Erleidenschaft des Films, verleiht ihm einen besonderen Charme: Dieser Film ist schwer anzuschauen, aber gleichzeitig kann man sich nicht von ihm losreißen.

Das Wichtigste, was dem Regisseur in formaler Hinsicht gelingt, ist, das dreistündige Werk in den vorgegebenen Grenzen zu halten, keine kleinen Details vor dem Hintergrund großer Ideen zu verlieren. Der Film berührt kaum das Offensichtliche, konzentriert sich nicht auf Banalitäten, im Gegenteil – es ist eine Geschichte voller Leben und der für es charakteristischen Mischung aus absurden und erhabenen Situationen. Im romantischsten Moment des Abends muss Ellen Sebastian mit einer Zange einen Zahn ziehen (eine großartige Szene, zweifellos). Tom schafft es nicht zur Beerdigung seines Vaters, weil er aus irgendeinem Grund ein Elektroauto in die deutsche Provinz genommen hat. Ellen betrinkt sich und singt erstaunlich. Die Aufführung der Komposition „Sterben“ wird durch ein lächerlich lautes Husten im Saal unterbrochen.

Die zentralen Szenen des Films sind überhaupt mit Musik verbunden. Tom schlägt während der Probe vor, das Tempo von Bernards Werk zu verlangsamen, es nicht 15, sondern 25 Minuten zu spielen. Die Musik klingt anders, die Komposition beeindruckt, das verlangsamte „Sterben“ bekommt plötzlich einen Puls. Ähnliches tut auch Glasner. Indem er den Figuren erlaubt, sich in ihrem verlangsamten, traurigen oder, wie im Fall von Ellen, unsicher betrunkenen Rhythmus zu bewegen, findet er die notwendige Intonation. In seinen traurigen Längen und unerwarteten Ausbrüchen vermittelt „Das Leben“ durch seine schauspielerischen Leistungen, den Schnitt und die Musik sogar etwas besser als durch Worte eine fremde Tragödie so, dass sie unwillkürlich zur eigenen wird.

Glasners Feingefühl für Details zwingt einen, ihm auch in den Momenten zuzuhören, in denen er durch den Mund einer der Figuren eine Aussage macht. Ob es der Streit zwischen Lissy und Tom über die Natur der Liebe ist oder der Streit zwischen Tom und seiner Ex-Freundin über die Einstellung zum Selbstmord – diese seltenen programmatischen Reden sind mit einer gewissen Meisterschaft in das Bild eingebaut. Die Spannung der Situation, in der die Figuren diskutieren, überträgt sich auch auf die Dialoge, die konzeptionelle Spannung zwischen den Positionen, die entweder an der Schwelle des Todes stehen oder zu viel über ihn nachdenken, und die, wenn sie über irgendetwas sprechen, letztendlich über ihn sprechen.

Der Schlüsselgedanke des Regisseurs betrifft ebenfalls den Tod, genauer gesagt seine Wahrnehmung. Er ist immer nah, das Leben kann sich für viele leicht als nichts anderes als ein Prozess des Sterbens erweisen. Das ist beängstigend, aber aus dieser Nähe des Schicksals, der letzten Grenze und der ständigen Gefahr, ihr zu nahe zu kommen, entsteht die Kunst. Alle Hauptfiguren – sowohl die drei Mitglieder der Familie Lunies mit ihrem ausgezeichneten Gehör als auch der depressive Komponist Bernard und die fleißige Pianistin im Orchester – balancieren irgendwo in der Nähe des Endes ihrer Lebensperspektiven, und alle gehen mit ihrem Talent unterschiedlich um.

Doch bei jedem von ihnen erblüht dieses Talent nur an einer bestimmten Grenze, und allein zur Illustration dieses netten Gedankens könnte man schon einen Film drehen. Glasner geht jedoch wohl etwas weiter: In dem Film „Das Leben“ interessieren ihn weniger die musikalischen Errungenschaften der Figuren als vielmehr ihr Leben, in dem es fast allen an einem entscheidenden Talent mangelt, auch wenn nicht ganz klar ist, welchem. Dieses seltsame allgemeine Unverständnis spricht Tom irgendwann aus, indem er sagt, dass das Leben vielleicht nicht für alle ist. Das ist nun nicht gerade ein allzu tröstlicher Schluss, aber wer Trost in deutschen Festivaldramen sucht, der hat sich wohl im Saal geirrt.