Von „Snegir“ bis „Major Grom“ – wir erinnern an unsere liebsten einheimischen Projekte der 2020er Jahre zum Tag des russischen Kinos.

Am 27. August ist der Tag des russischen Kinos. Kino, das wir lieben und über das wir viel sprechen und schreiben. Zu diesem Anlass hat unsere Redaktion beschlossen, sich an die Filme der 20er Jahre zu erinnern, die uns am meisten im Gedächtnis geblieben sind. Es ist nicht unbedingt eine Top-Liste, sondern ein Versuch, den Beginn eines neuen Jahrzehnts festzuhalten, um zu dokumentieren, wie vielfältig, experimentell und aufrichtig es ist.

Boris Chlebnikow ist einer der relativ wenigen einheimischen Regisseure, denen es gelingt, aufrichtiges und lebendiges Kino zu drehen. Seine Filme sind weder falsch noch übermäßig düster, womit zum Beispiel Andrei Swjaginzew gelegentlich sündigt. Was Chlebnikow auf der Leinwand zeigt, ist die reine Wahrheit des Lebens, fast ohne filmischen Glanz und unnötige Ästhetisierung. Trotz dieser quasi-dokumentarischen Herangehensweise an alles – vom Schreiben der Dialoge bis zu den Kameraperspektiven – füllen Chlebnikow und sein Team ihre Filme mit einer ungekünstelten Sinnlichkeit, die von den ersten Minuten an dazu bringt, mit den Helden mitzufühlen und das gesamte Spektrum der Emotionen zu erleben.

 „Snegir“ ist gleichzeitig ein Film über das Erwachsenwerden unter schwierigen Bedingungen, ein dramatischer Thriller in einem abgeschlossenen Raum und ein packender Katastrophenfilm. Aber vor allem ist es ein ziemlich realistisches und daher schweres Drama über den Zusammenprall zweier Generationen, über den ewigen Konflikt zwischen Vätern und Söhnen. Das Auftauchen zweier unerfahrener Studenten auf einem Fischerboot bringt alle aus ihrer Komfortzone. Die Beziehungen zwischen den Figuren heizen sich allmählich so weit auf, dass selbst dem Zuschauer klar wird, dass die Tragödie unvermeidlich ist. Der Regisseur stellt sich in dieser Konfrontation offensichtlich auf die Seite der Jungen. Allerdings zeigt er auch, dass sie nicht homogen sind.

„Podelniki“ ist das Spielfilmdebüt des Dokumentarfilmers Jewgeni Grigorjew. Die Handlung: Der Biathlet Pjotr (Jura Borissow) kehrt mit seiner Frau Nastja (Liza Jankowskaja) in sein Heimatdorf zurück, in dem der örtliche Kriminelle Witja Ljudojed (Pawel Derewjanko) längst seine eigenen Regeln aufgestellt hat. Am Tag der Ankunft von Pjotr und Nastja tötet Ljudojed einen Dorfbewohner. Pjotr erkennt, dass niemand das Verbrechen untersuchen wird, und gerät in Konflikt mit dem Schattenherrscher des Dorfes.

„Podelniki“ ist ein Taiga-Western mit den obligatorischen Genremerkmalen wie den harten Gesetzen der Grenze. Ein Film über das plötzliche Erwachsenwerden und die daraus resultierende Möglichkeit der Wahl: frei zu werden oder die ewige Kette von Komplizen an sich zu binden. Wer wird der Nächste sein und bei welcher Tat? Natürlich kommen auch ewige Themen nicht zu kurz: Rache, Verrat, Angst, Rückkehr zu den Wurzeln, männliche Erziehung und die Möglichkeit, vergangene und zukünftige Fehler zu korrigieren.

Die Hauptzierde des Films ist zweifellos Pawel Derewjanko, der scharf und präzise einen mit Goldzahn blitzenden Banditen-Schamanen spielt, einen mythischen Wanderer im menschlichen Körper.

2021 kam der erste abendfüllende Film heraus. Obwohl die Verfilmung der bei Comicfans bekannten und beliebten Serie bereits 2017 mit mehreren Kurzfilmen begann.

Roman Kowaljow

„Major Grom: Der Pestdoktor“: Ein Überblick über den ersten russischen Kino-Comic

„Major Grom: Der Pestdoktor“ – ein russischer Kino-Comic, der es geschafft hat.

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Der erste Film zeigte, dass das heimische Kino in der Lage ist, solide Actionfilme für den abendlichen Genuss zu schaffen. Das schöne Sankt Petersburg, spektakuläre Kampf- und Explosionsszenen sowie vertraute Figuren, die einem fast sofort ans Herz wachsen, Zitate, die in die Alltagssprache übergehen, steigende Schawarma-Verkäufe – all das ist „Major Grom“ und ihm zu verdanken.

Natürlich war der erste Versuch nicht ohne Fehler, die in den folgenden Filmen – und „Major Grom: Das Spiel“ – behoben werden sollten. Und in dieses alternative Sankt Petersburg möchte man immer wieder zurückkehren.

Jewgenija Smykowa

Ruf mich mit dir: Wie der Film „Grom: Schwere Kindheit“ geworden ist

„Grom: Schwere Kindheit“ – ein Prequel zur vielbeachteten Comicverfilmung des Studios Bubble. Anstatt die Geschichte direkt fortzusetzen, entschieden sich die Macher, die jungen Jahre des berühmten Helden zu erzählen.

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Wahnsinnig schön, akribisch detailliert, beängstigend, bitter, sexy und böse – ich liebe „Die Hinrichtung“ und halte sie aufrichtig für einen der besten Filme des Genres der letzten 10-15 Jahre, nicht nur in Russland gedreht, sondern überhaupt. Eine der besten Arbeiten des unglaublichen Jewgeni Tkatschuk, Niko Tawadse, von dem man den Blick nicht abwenden kann – pure Charisma, der an Wyssozki, Butussow und einfach alle traurig-brutalen Schauspieler-Archetypen gleichzeitig erinnert, die wunderschöne Sirene Julia Snigir und Daniil Spiwakowski, wie man ihn noch nie gesehen hat.

Und ja, es ist offensichtlich, wie stark der Regisseur Lado Kvatania von „Memories of Murder“ von Bong Joon-ho und „Seven“ von David Fincher und anderen „Bangern“ über die schrecklichsten Seiten der Menschheit beeinflusst wurde, dennoch ist sein Film keine leere Kopie all dieser Werke. Er erinnert an ein geliebtes Kind, das aufwuchs, indem es die besten Eigenschaften seiner Eltern aufnahm, und zu einer harmonischen und eigenständigen talentierten Persönlichkeit wurde.

Der Beginn der 2020er Jahre kann man getrost als die Ära von Roman Michailow bezeichnen, der wie ein Wirbelsturm ins russische Kino einbrach und in einer Salve mehrere Filme von sehr hohem Niveau ablieferte. Und in dieser Kohorte skurriler, unverständlicher, aber unendlich atmosphärischer Filme an der Grenze zwischen Träumen und Realität würde ich „Urlaub im Oktober“ als den gelungensten bezeichnen. Es ist ein cinephiles Paradies, in dem die Liebe zum Kino als Kunstform auf die Spitze getrieben wird, vermischt mit einer Prise David Lynch, Praktiken des luziden Träumens und sowjetisch-russischer Ästhetik.

Die Geschichte über ein Mädchen, das Schauspielerin werden will und bei den Dreharbeiten zu einem unverständlichen Etwas landet, entführt von den ersten Minuten an in eine Art Trance, wie Alice im Wunderland. Nicht minder wundersame Figuren erwarten einen auf Schritt und Tritt, nicht weniger Fragen zur Weltordnung tauchen im Laufe des Films auf, nicht weniger Anziehungskraft liegt in diesem erstaunlichen Limbus. Und am Ende ist es einer der Filme, die eine Ära des neuen Arthouse-Kinos im russischen Kino markieren, das gleichzeitig die Vergangenheit neu interpretiert und auf eine vielversprechende Zukunft hindeutet.

„Liebe Genossen“, der bisher letzte Spielfilm von Andrei Kontschalowski, ist ein schrecklicher Film über die Erschießung streikender Arbeiter in Nowotscherkassk, gezeigt aus den Augen einer überzeugten Kommunistin. In seinen Überlegungen zum Film wich der Regisseur später oft davon ab, zuzugeben, was er selbst gezeigt hatte – wie schrecklich es ist, ohne Hoffnung auf Veränderung zu leben, wie in einer Gesellschaft ohne Freiheit die Alten verloren sind und die Jungen verdammt. Und eine Parteiarbeiterin mittleren Alters ist gezwungen, in Erwartung von Nachrichten über ihre vermutlich tote Tochter die Sowjetmacht zu preisen und selbst Andeutungen der Wahrheit zu leugnen.

Kontschalowski ist ein komplexer, widersprüchlicher Regisseur und ein seltener Autor, der es am Ende seiner Karriere geschafft hat, zum Stil seiner Jugend zurückzukehren, ohne dabei lächerlich zu wirken. Seine ersten Filme sind Meisterwerke des Neorealismus, gedreht unter dem Einfluss des frühen Visconti und De Santis; seine Filme der 2010er Jahre und „Liebe Genossen“, mit denen er das neue Jahrzehnt eröffnete, sind im Grunde ebenfalls neorealistische Werke, düster, präzise, halbdokumentarische Studien des Lebens; die Gegenwart, wie sie aus den italienischen 1950er Jahren erscheint.

Während seiner gesamten Karriere konnte Kontschalowski der Realität weder ein verurteilendes noch ein freisprechendes Urteil fällen. Das erste erlaubte sein Name nicht, das zweite seine künstlerische Vision. In „Liebe Genossen“, einer Tragödie über den Bruch zwischen Realität und ihrer Beschreibung – Fakten und Nachrichten –, scheint der Regisseur, zurückgekehrt (sowohl stilistisch als auch zeitlich) in die Tage seiner Jugend, endlich Klarheit gefunden zu haben.