Während der allseits beliebte Pixar im Kino die Kehrseite der Pubertät zeigt, werfen wir einen Blick in den Kopf des Studios selbst und versuchen zu verstehen: Ist Pixar eine Torte oder nicht?
Für Millennials ist das Pixar-Studio . Wir sind es gewohnt, dass ihre Filme unsere Vorstellungen von Computergrafik, Handlung, Zukunft und sogar der Funktionsweise des Gehirns auf den Kopf stellen. Doch so sehr wir das Universum der „Firma mit der hüpfenden Lampe“ auch romantisieren, es durchlebt derzeit keine guten Zeiten. Oder liege ich falsch?
Pixar ist eine wahre Fabrik für rührende, lustige und lehrreiche Meisterwerke. Jeder neue Film des Studios zieht die verdiente Aufmerksamkeit von Millionen Zuschauern auf sich. Aber
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Fangen wir von vorne an
Im Gegensatz zum Opa Disney, dem heute der Held unseres Artikels gehört, ist Pixar ein junges Studio. Sie haben übrigens eine supersüße Chronologie.
Heute kaum vorstellbar, aber Anfang der 80er Jahre gab es keine Computergrafik. Daher bestand die Animation aus Einzelbild- und Puppen-/Knetanimation. Dies wurde zu einem Problem für einen Liebhaber von Weltraumabenteuern – George Lucas, der verstand, dass die Zukunft der visuellen Kunst irgendwo unter den Mikrochips vergraben lag. Auf seine Initiative hin wurde 1979 unter dem Dach von Lucasfilm eine Abteilung für Computertechnologie eröffnet. Damals entwickelte ein kleines Team unter der Leitung von Ed Catmull Software zur Erstellung von 3D-Modellen, während Ed selbst nur von Animation träumte. Aber nicht allzu lange.
1983 lädt er John Lasseter ein – einen jungen, aber begabten Animator, der bereits bei Disney gearbeitet hatte, als Interface-Designer. Catmulls Arbeiten nutzend, schafft Lasseter den ersten computeranimierten Film der Welt – „Die Abenteuer von André und Wally B.“. So beginnt die Animationsrevolution!
Und worin besteht die Revolution?
Einzelbildanimation ist eine Technologie, bei der von Bild zu Bild minimale Änderungen vorgenommen werden, wodurch die Illusion von Bewegung entsteht. Sie wird auch 2D-Animation genannt, da das Bild eher einem Gemälde ähnelt.
Computeranimation ist die Generierung von Raum und Objekten darin. Die Existenz eines dreidimensionalen Raums ermöglicht realistischere Kamerafahrten und komplexeres, natürlicheres Licht. Das macht die Animation tiefer und bringt sie näher an Filme heran. Es gibt mehr Freiheit und, ehrlich gesagt, mehr Epik. Dabei ist die Detailgenauigkeit der Objekte eigentlich nicht so wichtig. Bei richtiger Nutzung der Technologie sieht selbst einfache Animation vorteilhaft aus. Nehmen wir zum Beispiel die von Apple.
Leprechauns, ein sprechender schwarzer Kater und ein Mädchen, das unter Pech leidet – nein, das ist kein weiterer Neustart von „Sabrina – total verhext!“. Es ist das Animationsdebüt von Apple TV mit dem Titel
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Diese Methode ist bis heute sehr teuer. Indie-Filme und -Serien bevorzugen Einzelbildanimation und greifen nur selten auf Computeranimation zurück (z. B. Überflüge über Orte in „Disenchantment“).
Die Puppenanimation war zur Zeit des Aufkommens der Computeranimation bereits gut entwickelt und konnte sich ebenfalls im Raum bewegen. Aber wie die Zeit gezeigt hat, gewann die Computeranimation durch ihre einfachere Handhabung, geringere Produktionskosten und größere Möglichkeiten.
Revolution ist teuer
Alle technischen Prozesse von Catmull und Lasseter kosteten Lucasfilm ein Vermögen, daher entschied George Lucas, die Arbeiten und die Abteilung an einen anderen Computerliebhaber zu verkaufen – Steve Jobs. Der Deal fand 1986 statt, und gleichzeitig wurde die Firma Pixar gegründet. Obwohl Jobs selbst sagte, wenn er gewusst hätte, was ihn der Erhalt des Studios kosten würde, hätte er es nie gekauft, danke ich Onkel Steve von Herzen (während ich diesen Text auf einem MacBook tippe).
Übrigens entstand der Name Pixar aus der Kombination der Wörter „pixel“ (englisch für „Pixel“) und „pintar“ (spanisch für „malen“).
Die wahren Helden waren auch Catmull und Lasseter. Um die Produktion der Technologie irgendwie zu finanzieren, machte Pixar Werbespots für große Marken. Das unterdrückte die beiden Träumer furchtbar, aber sie gingen weiter in Richtung künstlerischer Animation. Im Gründungsjahr der Firma erschien Lasseters Regiedebüt – „Luxo Jr.“. Der Film wurde für einen Oscar nominiert, und die Hauptfigur kennen wir alle bestens – sie wurde zum Gesicht des Studios und zum Helden jahrelanger Parodien. Übrigens wurde Luxo nicht zufällig gewählt. Die Arbeit mit Licht ist eine der bedeutendsten Fähigkeiten (und eine der wichtigsten technischen Errungenschaften) von Pixar. Dank der entwickelten Software war es möglich, die Bewegung von Licht maximal natürlich zu generieren, und am einfachsten geht das mit einer lebendigen Lampe!
Während des Übergangs des Studios von Lucas zu Jobs kamen wichtige Spezialisten zu Pixar: Andrew Stanton – ein talentierter Animator, der dreimal bei Disney abgelehnt wurde (er erfand und inszenierte später „Findet Nemo“ und „WALL·E“), und Pete Docter – ein Naturtalent, den Lasseter von seinem ehemaligen Professor an der University of California empfohlen bekam (Docters Fantasie entspringen „Die Monster AG“ und „Seelen“). Die neue Besetzung inspirierte Catmull noch mehr zur Entwicklung zukünftiger Filme.
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Parallel zur Animation arbeitete Pixar weiter an dem, wofür es gegründet wurde – der Entwicklung von Programmen zur Erstellung von 3D-Objekten. So entstand RenderMan – es ermöglichte die Generierung von Texturen auf Modellen. Das Programm wurde sehr gefragt und brachte Gewinn. Das Studio selbst war jedoch immer noch ein Verlustgeschäft. Die Entwicklung von Hardware ist kostspielig. Und um weiterhin künstlerische Filme zu produzieren, musste das Unternehmen einen Vertrag mit dem Teufel mit der Maus abschließen.
Pixar und Disney
Das Pixar-Duo bot Disney mehrmals ein gemeinsames Projekt an. Aber für einen solchen Giganten war Pixar winzig, daher sah die „Mickey-Maus-Korporation“ keinen Sinn in einer Zusammenarbeit. Alles änderte sich nach dem Oscar 1988 – damals gewann „Tin Toy“ die Statuette für den besten animierten Kurzfilm, und Disney stimmte einer Zusammenarbeit zu, jedoch zu äußerst unbequemen Bedingungen. Die ganze Geschichte sah aus wie die Unterdrückung eines aufstrebenden Unternehmens durch einen Titanen. Laut Vertrag sollte Pixar innerhalb von 10 Jahren fünf Filme produzieren, Disney erhielt 80 % der Einnahmen und genehmigte alle Ideen. Im Gegenzug übernahm das „Maushaus“ alle Kosten und kümmerte sich um Werbung und Vertrieb.
1992 begann Steve Jobs‘ Studio mit der Arbeit am ersten abendfüllenden Projekt, und 1995 erschien einer der besten (und einer meiner liebsten) Filme – „Toy Story“. Die Welt wird nie wieder dieselbe sein. Pixar wurde endlich profitabel. Die Aktien stiegen proportional zur Zuschauerliebe, und im Erscheinungsjahr war „Toy Story“ der erfolgreichste Film und gewann drei Oscars.
Parallel zu den animatorischen Erfolgen wuchs auch der Gewinn aus RenderMan. Man sollte meinen, „Hurra!“ und „Halleluja!“, aber wie wurde Pixar dann Teil von Disney? Es geht um den „Zankapfel“, genauer gesagt um Apple. Sie übernahmen ein weiteres Unternehmen von Jobs, NeXT, und gaben Steve den Posten des CEO zurück, und 2006 verkaufte Steve Pixar an Disney. Wie es der „Firma mit der hüpfenden Lampe“ finanziell bei Disney geht, ist schwerer zu sagen. Nach der Übernahme teilt die „Maus-Korporation“ keine Daten zu einzelnen Vermögenswerten mit.
Ameisenkriege
Vor der Übernahme schuf Pixar für Disney den charmanten „Das große Krabbeln“ – „Fliks Abenteuer“. Das Werk war so etwas wie ein hingeworfener Fehdehandschuh. So zumindest empfand das DreamWorks Studio die Ankündigung dieses Projekts. Das „Shrek-Studio“ und Disney haben ihre eigene Geschichte: Der Mitbegründer von DW, Jeffrey Katzenberg, war Leiter der Walt Disney Motion Pictures Group (er war übrigens auch der Initiator der Zusammenarbeit zwischen Disney und Pixar), wurde aber aufgrund interner Kriege entlassen.
Bereits Anfang der 90er Jahre wurde bei Disney das Konzept eines Films diskutiert, in dem Ameisen ihr wunderbares Ameisenleben führen. Diese Idee nahm der Vater von „Dreams“ mit und beschloss, den Film „Antz“ zum ersten Projekt des frischen Studios zu machen.
Verschiedene Quellen nennen unterschiedliche Abfolgen der Ereignisse:
Disney-Version
Die Chronik von Disney selbst besagt, dass die Käfer von Lasseter aufgrund der Einfachheit der Darstellung mit Computeranimation ausgewählt wurden. Wie Puppen benötigen auch Käfer keine feinen Details und Texturen, daher sind sie leicht umzusetzen. Und als man erfuhr, dass Katzenberg bereits eine ähnliche Geschichte vorbereitete, waren die Pixar-Leute verärgert und empört.
DreamWorks-Version
Der Legende von DreamWorks nach erfuhr man bei der „Mausfirma“, dass die neuen Konkurrenten einen Film „Der Weg nach Eldorado“ entwickelten, dessen Konzept völlig dem von „Kaiser Krümel“ entsprach, und beauftragte daher Pixar mit der Entwicklung von „Fliks Abenteuer“.
Wie wahr diese Versionen sind, ist nicht genau bekannt. Aber wir wissen, dass alle vier Filme an den Kinokassen floppten. In die Animationsgeschichte ging das Pixar-Projekt weniger wegen der Handlung oder Grafik ein, sondern wegen des Eröffnungs-Kurzfilms – der Geschichte eines einsamen alten Schachspielers, der das Regiedebüt von Jan Pinkava wurde. Der Kurzfilm war die erste Arbeit des Studios, in der ein Mensch die Haupt- (und einzige) Figur war.
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Licht auf das Mausleben
Heute kann man sich Pixar und Disney nicht mehr ohne einander vorstellen, aber einst waren sie vom Vibe her unterschiedliche Unternehmen. hatten einen Namen und Gewicht in der Animationsbranche. Ende der 70er Jahre produzierte das Studio Projekte, die nacheinander für den Oscar nominiert wurden. Auf der Erfolgswelle beschloss die Führung, das Team zu verjüngen. Der Wechsel veränderte die Stimmung im Unternehmen insgesamt. Die neuen Animatoren akzeptierten die veraltete Sicht auf technische Lösungen und Geschichtenerzählen nicht. Viele der eingestellten Spezialisten verließen Disney und zerstreuten sich – zu Warner Bros., zu Ghibli, ins Kino. Einige der Flüchtlinge kehrten später zurück, schlossen sich aber Pixar an (einige werde ich später erwähnen).
Die 90er Jahre wurden für das Unternehmen zum goldenen Jahrzehnt – „Arielle, die Meerjungfrau“, „Der König der Löwen“, „Tarzan“. Selbst der Abgang von Katzenberg 1994 hatte keine Auswirkungen auf das Studio (obwohl er sich in den 2000ern auswirken wird, aber das ist eine andere Geschichte). Der Vertrag mit Pixar schien eher eine Unterdrückung des Konkurrenten im Keim zu sein, aber 1995 und der Erfolg von „Toy Story“ änderten die Meinung. Von der Computeranimation inspiriert, startete Disney zwei eigene Projekte: „Atlantis – Das Geheimnis der verlorenen Stadt“ und „Der Schatzplanet“. Beide Projekte kombinierten die Einzelbildanimation, in der Disney unübertroffen war, mit neuen Computertechnologien.
Die Filme waren sehr teuer, und beide floppten an den Kinokassen, was die Liebe der Disney Animation Studios zu neuen Technologien abkühlte und das Unternehmen an den Rand des Bankrotts brachte. Die Budgets mussten gekürzt werden, und das Ergebnis waren durchschnittliche Filme der frühen 2000er (übrigens halfen Pixar und … „Fluch der Karibik“ dem Studio aus dieser massiven Krise! Aber dazu ein anderes Mal).
Für Disney glücklicherweise hatte Steve Jobs finanzielle Schwierigkeiten und die Übernahme von NeXT durch Apple, sodass die „Maus-Korporation“ vollwertiger Eigentümer der neuen Pixar-Technologien wurde. Ed Catmull wird Präsident des Studios, und John Lasseter trifft bei der Suche nach neuen Ideen für Projekte zufällig seinen alten Freund – Brad Bird, mit dem er einst bei Disney zusammenarbeitete (er war einer dieser Flüchtlinge). Sie diskutieren die Konzepte von „Die Unglaublichen“ und „Ratatouille“, und in Zukunft erwiesen sich diese Projekte als sehr erfolgreich. „Die Unglaublichen“ kam 2004 heraus und eroberte sofort die Herzen der Zuschauer und gewann mehrere Preise, darunter den Oscar für den besten Animationsfilm. Denselben Weg ging „Ratatouille“ 2007: ebenfalls mit positiven Kritiken und zahlreichen Auszeichnungen, einschließlich des Oscars für den besten Animationsfilm.
A113 und andere Besonderheiten von Pixar
Geben Sie zu, Pixar hat etwas, das uns verrückt macht. Lassen Sie es uns herausfinden.
Tatsächlich besticht ihr Ansatz zur Erstellung von Projekten den Zuschauer sehr.
Erstens sind Pixar-Filme nie parodistisch (höchstens auf sich selbst, haha). Die Handlung basiert entweder auf einer originellen Geschichte („Findet Nemo“, „Alles steht Kopf“) oder einem Epos oder kulturellen Phänomen („Merida – Legende der Highlands“, ) oder einem literarischen oder filmischen Werk („Die Unglaublichen“, „Fliks Abenteuer“). Oder auf einer gestohlenen Geschichte (hallo , „Oben“ und SienDuk).
Pixar ist längst nicht mehr nur ein Studio-Name, sondern eine Marke, die nicht enttäuscht. Im März dieses Jahres erschien ihr neuer Film „Rot“, der eindeutig den Anspruch erhebt, die Anleitung Nummer eins zu sein
Open materialPixar hat nicht die Aufgabe, die moderne Realität zu ironisieren, aber das bedeutet nicht, dass ihre Filme keine Anspielungen enthalten. Im Gegenteil, es gibt ziemlich viele davon. Sie wirken jedoch eher als Anspielungen und Hommagen und geben dem erwachsenen Zuschauer die Möglichkeit, das Bild zu erkennen und die erzählte Geschichte mit Bedeutung zu ergänzen. Wenn Sie zum Beispiel in „WALL·E“ eine Anspielung auf „2001: Odyssee im Weltraum“ von Stanley Kubrick oder „Kurzschluss“ von John Badham bemerken, können Sie das Gesehene neu reflektieren.
Zweitens: das Aufeinandertreffen von Welten. Wir haben heute viel über die Übernahme von Pixar durch Disney gesprochen, aber im Grunde waren sowohl Catmull als auch Lasseter große Fans des Studios und haben viel von ihm gelernt. Unter anderem, wie man durch die Unterschiedlichkeit der Hauptfiguren rührende Handlungen schafft. Natürlich gibt es immer einen Haupthelden (z. B. Sheriff Woody), aber er existiert nie allein. Auf jeden Woody kommt sein Buzz, und der Zuschauer wählt selbst, auf wessen Seite seine Empathie ist.
Das Aufeinandertreffen zweier Welten erzeugt Mehrdeutigkeit und Tiefe in Pixars Handlungen: Freude, die Traurigkeit kennenlernt und akzeptiert; ein struppiger Arbeiter, der erkennt, dass seine Feinde Freunde sind, als er auf das kleine Mädchen Boo trifft; ein erfolgreicher Schnösel, der die Bedeutung des Augenblicks schätzen kann, als er in einem vergessenen Dorf zusammenbricht. Selbst wenn ich diese Geschichten nur im Text aufzähle, wird mir warm und gemütlich ums Herz.
Drittens: Ich denke, viele von Ihnen haben zahlreiche Analysen gesehen (z. B. von Cut The Crap) darüber, wie alle Pixar-Filme durch wiederkehrende Details zu einem fantastischen Universum verbunden sind. Zum Beispiel ist in absolut allen Filmen die Kombination A113 zu sehen – die Nummer eines Hörsaals an der University of California in der Animationsabteilung. Dieser Ort ist nicht nur deshalb bemerkenswert, weil er von Walt Disney gegründet wurde, sondern auch, weil der Löwenanteil der Pixar-Animatoren Absolventen genau dieser Einrichtung sind (darunter John Lasseter).
Solche Anspielungen haben keine zusätzliche Bedeutung für die Handlung, aber wie man so schön sagt: Der Teufel steckt im Detail (oder im Fall von Pixar: die Lampe im Detail?). Eine so tiefgehende Herangehensweise an unbedeutende Elemente ist eine Art Nährboden für Fan-Liebe – eine beliebte Technik von Easter Eggs, die aus der Spieleindustrie ins Kino übernommen wurde. Je mehr man dem Zuschauer gibt, desto länger bleibt er bei einem, nicht wahr?
Und schließlich, viertens, hebt sich Pixar von der Konkurrenz durch das ab, wofür es gegründet wurde – technische Neuerungen. Fast jedes Projekt des Studios ist eine Herausforderung an die bestehende Animation mit der Frage: „Was können wir noch animieren?“
Können wir Regen zeigen? Können wir! – Die Schlüsselszene in „Fliks Abenteuer“ spielt während eines Wolkenbruchs.
Können wir den Raum mit Staub füllen? Natürlich! – Für die Aufnahmen von „WALL·E“ wurde eine spezielle Software entwickelt, die die von staubigem Nebel durchdrungene Luft generieren und rendern konnte.
Können wir leichte Texturen im Wind natürlich bewegen lassen? Selbstverständlich! – Die natürliche Haar-Mechanik in „Merida – Legende der Highlands“ – bitte sehr, unterschreiben Sie.
Und wie kann man Pixar nach alledem nicht lieben?
Sequels, wir brauchen mehr Sequels!
Seien wir ehrlich, all diese Pracht konnte nicht ewig anhalten, oder? Zumindest dachte man das im Unternehmen selbst. Die Pandemie und die Entwicklung von Streaming-Diensten wirkten sich negativ auf die Einnahmen des Studios aus. Disney beschloss, Serien zu entwickeln (weil sie auf Streaming-Diensten häufiger gesehen werden). Und das betrifft nicht nur „Marvel“ und „Star Wars“. Viele wussten vielleicht nicht, dass fast alle abendfüllenden Filme ihre eigenen Prequel-Sequels in Form von Zeichentrickserien auf Disney+ haben. Auch die Ressourcen von Pixar wurden in diese Richtung gelenkt.
Hinzu kommt, dass die Bosse der „Maus-Korporation“ beschließen, die Premieren der abendfüllenden Filme gleichzeitig in den Kinos und auf Online-Plattformen zu starten (deshalb gab es übrigens einen Skandal um den Solo-Film ), in der Annahme, so ein größeres Publikum zu erreichen, da die Menschen während der Pandemie verlernt haben, ins Kino zu gehen.
Wir erklären, warum „Black Widow“ ganz anders geworden ist als der Film, auf den alle so lange gewartet haben.
Open materialKurz vor der Pandemie verlassen Catmull und Lasseter die „Lampenfirma“. Während der Erste in den wohlverdienten Ruhestand geht, tut der Zweite dies aufgrund von Skandalen um Belästigung und unangemessenes Verhalten. Derzeit sitzen Pete Docter und Jennifer Lee (übrigens die erste Regisseurin von Pixar) an der Spitze des Unternehmens. Der Führungswechsel wird oft auch als Grund für finanzielle Misserfolge angesehen.
Das Studio traf seine schwarze Serie mit dem Flop des rührenden „Onward“, dann kamen die charmanten „Seelen“ und , „Lightyear“ war nahe an der Nullgrenze, wurde aber von Zuschauern und Experten stark kritisiert. Und dann kam der völlig gefloppte „Rot“, den Fans sofort als das schlechteste Pixar-Projekt bezeichneten.
Das Disney-Unternehmen begann im Bereich Animation zu bluten, also riskierten sie es, den Film exklusiv in den Kinos zu zeigen, und … erreichten die Nullgrenze! Zum ersten Mal seit Beginn der Pandemie.
Seit nunmehr der ersten Woche versucht „Elemental“ im Kino, dem Zuschauer wenn nicht eine Träne, so doch zumindest Geld für die Rentabilität zu entlocken – lasch wie eine Blume, die unter der Achsel eines und
Open materialDieses Ergebnis führte die Führung zu neuen Schlussfolgerungen:
- Pixar macht keine Serien mehr, nur noch abendfüllende Filme.
- Die Belegschaft von Pixar muss um 20 Prozent reduziert werden (am Ende wurden nur 14 Prozent abgebaut).
- Alle Premieren zuerst im Kino, erst dann Veröffentlichung auf Streaming-Plattformen.
- Wir werden das Universum nicht mehr erweitern. Wir werden Sequels produzieren.
Infolgedessen wird der kommende Film „Elio“ das letzte originelle Projekt sein (zumindest in absehbarer Zukunft), und 2026 werden wir … „Toy Story 5“ sehen (den fünften Teil, Carl! das ist genauso aktuell wie das Meme mit dir, Carl!). Ehrlich gesagt, ist unklar, was zu erwarten ist. „Elemental“ wirkt tatsächlich wie ein etwas aus den Fingern gesaugtes Projekt, während „Ratatouille 2“ zumindest ein faszinierendes Sequel wäre (ich persönlich würde es mir gerne ansehen). Allerdings sind solche Entscheidungen, die von der Führung getroffen und bestätigt wurden, eher beunruhigend als inspirierend. Warum Ideen gewaltsam einschränken? Vielleicht wird dies eine Gelegenheit für Indie-Animation, ihr Publikum auf dem Feld der gequälten Filme der Riesenstudios zu erobern? Wie dem auch sei, die Zeit wird es zeigen.
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