Tauchen wir in die Geschichte ein und analysieren eines der ersten Werke des Regisseurs des legendären „Kung Fu Panda“ Mark Osborne – den Kurzfilm „More“.

1998, als das Studio Aardman Animation noch nicht die allumfassende Liebe des Publikums zur Knetanimation mit Filmen wie „Chicken Run“ und „Wallace & Gromit“ geweckt hatte, schuf der Animator Mark Osborne den Kurz-Knetfilm „More“. Derzeit belegt er Platz 18 in der IMDb-Rangliste der besten Kurzfilme, was kein Zufall ist. Lassen Sie uns besprechen, warum.

Handlung

In einer grauen Stadt lebt ein Erfinder, dessen Alltag aus monotoner Fabrikarbeit besteht – der Montage eines Produkts namens Happy. Jede Nacht kehrt der Erfinder in seinen Träumen zu bunten Kindheitserinnerungen zurück. Als er das innere Feuer in sich findet, beschließt er, ein Gerät zu erschaffen, das dieses Gefühl überträgt. Die Brille namens Bliss füllt bald die Regale der Geschäfte, während ihr Schöpfer, seiner Erinnerungen beraubt, zu einem seelenlosen Teil der Realität wird.

Regisseur

Mark Osborne ist ein Regisseur, dessen Name in den Credits seltener Filme auftaucht, aber jeder davon ist ein Begriff. Schließlich ist er für die Kindheitserinnerungen der Millennials verantwortlich, da er „Kung Fu Panda“ inszenierte und auch an den Abenteuern desjenigen beteiligt war, der… der am Meeresgrund lebt.

Liebhaber unkonventioneller Animation ehrte Osborne mit einer ideell wunderbaren Interpretation von „Der kleine Prinz“, dessen Puppenbilder nicht zuletzt deshalb so verfeinert sind, weil die Mechanik der Arbeit mit Puppenmodellen, wenn auch unter einer Knetmasse-Schicht, bereits 16 Jahre zuvor in „More“ vollständig zum Einsatz kam.

Besonderheiten der Produktion

Die Arbeit mit Knetanimation war für Mark Osborne zum Zeitpunkt der Entstehung von „More“ keine unbekannte Tätigkeit mehr. 1993 inszenierte Osborne ein Knet-Video für den Musiker „Weird Al“ Yankovic zum Song „Jurassic Park“, und 1994 drehte er den Kurzfilm „Greener“, nach dessen Vorbild „More“ entstand, das mit seinem Vorgänger nicht nur in den Kameraeinstellungen, sondern auch in der äußeren Ähnlichkeit der Figuren übereinstimmt.

Der Film war das erste Kurzfilmprojekt, das vollständig mit einer IMAX-Kamera gedreht wurde, wobei das Produktionsbudget, das Osborne aus eigener Tasche bezahlte, stattliche 105.000 US-Dollar betrug. Zur Kostensenkung trugen Bekanntschaften bei, dank derer der Regisseur die Kamera und die notwendigen Dienstleistungen von der Large Format Cinema Association erhielt. Die Dreharbeiten waren nicht Osbornes Hauptarbeit, daher dauerte die Erstellung fast ein Jahr, unter der Bedingung, dass Knete nur die Hülle der verwendeten Puppen war. Der Regisseur konzentrierte sich auf die Handlung, die eine Synthese inhaltlicher Komponenten darstellt.

Betrachtungen über den Zustand der Gesellschaft

Während die Handlung von „Greener“ sich auf die Einsamkeit des Individuums in den wörtlichen Wänden konzentriert, wo mechanische Mittel die physische Leistungsfähigkeit ersetzen (allein die selbstaufstellenden Krankenhausenten und die mechanische Brust, die Milch spendet, sind bemerkenswert), ist das Hauptziel von „More“ die Notwendigkeit, die Einsamkeit des Individuums in den Fesseln der Entpersönlichung einer in Routine versunkenen Gesellschaft zu zeigen, in der Erfindungen die spirituelle Erfüllung ersetzen.

Osborne zeigt eine Welt, deren Robotisierung eine Folge der Existenz ist, die künstlichen Vorgaben und Gesetzen gehorcht. Die Handlung konzentriert sich auf das Thema der Ersetzung des Begriffs des wahren Glücks. Und dieses Glück ist in Kindern konzentriert, die die Fähigkeit nicht verloren haben, die Welt durch das Prisma der Aufrichtigkeit zu betrachten. Kinder verkörpern das Glück, indem sie es in jedem Tag finden, unabhängig von der Inszenierung, während ein Erwachsener mit zunehmendem Alter die Unmittelbarkeit und die Weite der Fantasie verliert und sich in die starren Grenzen einer Welt zwängt, die von „Konsumstimulation“ und Kapitalismus regiert wird.

Eine der Interpretationsmöglichkeiten von Osborne ist die Betrachtung der Übertragung des Wesens. Der Zuschauer wird zu dem Schluss geführt, dass der Held das Feuer, das in ihm brannte, falsch genutzt hat. Einerseits besteht der irrige Wunsch, die Seele in Hilfsmittel zu stecken, anstatt sie durch sich selbst auszustrahlen, andererseits die Jagd nach der Monetarisierung der eigenen Seelenwärme, die zum Verlust der Identität führt.

Der Erfinder spürt das Leben in sich, aber Osborne gibt dem Helden von vornherein keine Chance. Es scheint, dass er die Erinnerungen zu Beginn des Films durch die Linsen der später geschaffenen Brille sieht. Es entsteht eine Art Vignetten-Illusion – ein großer Teil des Bildschirms ist schwarz, und die Kinder werden nur bruchstückhaft durch einen kleinen Kreis gezeigt, der die Distanz der Figur zur Möglichkeit, in den Zustand der farbenfrohen Kindheit zurückzukehren, symbolisiert.

Interessant ist, dass der vor 26 Jahren veröffentlichte Film gerade jetzt seine Aktualität findet, wo die moderne Gesellschaft, die gezwungenermaßen in einem „Groundhog Day“ in Städten voller Hochhaus-„Menschenställe“ lebt, ihr Glück genau in Hilfsmitteln sucht – nicht umsonst füllten die gleichnamigen Brillen die Regale der Geschäfte.

Aber wie in der bestehenden Realität hält die Ersetzung der Leere der Seele durch künstliches Glück von Gegenständen (das Osborne übrigens mit grellen Farben und ungesunden halluzinogenen Bildern darstellt) nicht ewig an, und so kommt ein neuer Gegenstand. Und selbst die von Osborne erfundene Brille „Bliss“, die die Realität ergänzte, ist vor kurzem keine Fiktion mehr geblieben und hat ihre Entsprechung in der veröffentlichten Brille des „Apple“-Konzerns gefunden.

Arbeit mit Farbe

Um die Entpersönlichung der Welt zu zeigen, verwendet Osborne Grautöne, Monochromie, in der bewusst das einzige farbige Element die Schachteln mit den Produkten Happy und Bliss sind. Wenn der Erfinder im Traum Erinnerungen sieht, werden die Kinder durch das Prisma derselben gelben Farbe gezeigt, die später auf den Schachteln erscheint. So wird das Bild eines Lebens vermittelt, das bereits keinen Anstrich von Echtheit mehr hat, obwohl es noch in der Figur glimmt. Die vom Erfinder geschaffene Brille taucht in eine hyperbolisch farbenfrohe Welt ein, in der die Farben so künstlich sind wie die von der Brille geschaffene Realität. Die Natürlichkeit der Farbe sieht der Zuschauer nur, wenn im Finale lebende Kinder auf der Leinwand erscheinen, als Symbol echter Emotionen.

Musik der Band New Order

Als musikalische Untermalung des Films wurde das Stück „Elegia“ der Band New Order ausgewählt, das 1985 aufgenommen wurde und von der jungen Generation mit der Serie „Stranger Things“ assoziiert wird. Der Stil der Melodie stimmt mit der inhaltlichen Komponente der Handlung überein – die Gleichförmigkeit der Arbeit des Erfinders entspricht der Zirkularität der Komposition. Aber interessanter ist eine andere Parallele: In der englischen Literatur ist eine „Elegie“ eine Totenklage. Die Komposition wurde von der Band als Aufnahme zum Gedenken an den Sänger der Band Joy Division, Ian Curtis, angekündigt, während die Verwendung der Melodie im Film metaphorisch interpretiert werden kann – eine Klage um verlorene Gefühle.

Gesamteindruck und Kritik

Der Film erhielt begeisterte Kritiken von Zuschauern und Kritikern. „More“ gewann über zehn Filmpreise, darunter keinen Oscar, der an den Kurzfilm „Bunny“ ging. Aber bis heute bleibt das Werk von Mark Osborne relevant für die Trends der Moderne, obwohl der Film 26 Jahre alt ist. Heutzutage überrascht man kaum noch mit IMAX und Knetanimation (und wurde sogar vollständig zur Kostensenkung nach dem gleichen Prinzip „Puppe in Knete“ hergestellt), aber „More“ kann gleichzeitig durch seinen Ausführungsstil und seine inhaltliche Komponente interessieren.

Valeria Stoykova

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