In den Kinos läuft „Große Ironie“ an, der neue Film des amerikanischen Klassikers Woody Allen, der zum ersten Mal in seiner Karriere auf Französisch umgestiegen ist und es recht flott und mit unerwarteter Direktheit spricht. Mehr über die neue Detekt...

Fanny (Lou de Laâge) ist mit Jean (dem in letzter Zeit beliebten Melvil Poupaud) verheiratet und glücklich – ihr Mann ist erfolgreich, intelligent und fröhlich, und obendrein ein erfolgreicher Geschäftsmann, auch wenn niemand genau weiß, was er tut. Jean sagt dazu kurz: Er sorgt dafür, dass die Reichen noch reicher werden. Anders als viele andere im Spätkapitalismus, deren Arbeit im Grunde das gleiche Ergebnis hat, wird Jean dabei auch selbst reich.

Doch etwas nagt an Fanny, die in ihrer Jugend den Roman „Anna Karenina“ liebte, und als sie ihren ehemaligen Klassenkameraden Alain (Niels Schneider spielt eine Parodie auf Allens Helden) trifft, kann sie nicht anders, als sich mit ihm zu treffen. Irgendwann wird alles komplizierter, und um den Nebel bürgerlicher Geheimnisse zu lichten, reist die Mutter der Protagonistin (die wunderbare Valérie Lemercier) nach Paris – eine Paranoikerin, die Krimis liebt.

„Große Ironie“, der neue, fünfzigste Film von Woody Allen (das sollte man wohl verstehen), unterscheidet sich nicht allzu sehr von den neunundvierzig vorherigen. Er ist nicht so großartig wie „Manhattan“, nicht so lustig wie „Love and Death“, nicht so bergmanesk wie „Ehemänner und Ehefrauen“, und er hat etwas weniger Dostojewski als „Verbrechen und andere Kleinigkeiten“, und insgesamt ist er eher „Sensation“ als „Match Point“, aber das Wesentliche ist geblieben.

Die ewigen Themen nicht ganz frischer Gesellschaftsgespräche – Wetter, Hotels, Bücher – werden vor dem Hintergrund von Allens geliebten Noir-Konflikten aufgegriffen, und das alles dient dazu, erneut einen Strichpunkt in der Diskussion moralischer Probleme aus der russischen Literatur zu setzen. Der einzige Unterschied ist, dass, als Allen in den fernen 1970ern begann (eigentlich etwas früher, aber wir nehmen die bewusste Periode), die Noir-Konflikte 20 Jahre alt waren und „Anna Karenina“ noch keine 100. Heute illustrieren 80 Jahre alte Handlungen Probleme von 150-jähriger Reife.

Ist das schlecht? Nein, wohl nicht. Sozusagen Vintage. Aber Allens Kino in seiner ewigen Wiederholung sah überraschenderweise nie wie Vintage aus. Dieser Regisseur versteht es, sich erstaunlich mit der Zeit zu synchronisieren – und zum Beispiel gibt es kaum einen aktuelleren Film als „Wonder Wheel“, den er mit 80 drehte. Aber diese Fähigkeit hat auch eine Kehrseite: Die Qualität seiner Filme hängt stark von der Qualität der Zeit ab, und in diesem Sinne sind wir natürlich nicht in den Siebzigern.

Die ersten vierzig Minuten des Films sind zum Beispiel unerträglich. Und obwohl man das auf das Alter des Autors schieben könnte, kann man auch in eine andere Richtung denken: Allen hat so lange (mindestens seit „Mach’s noch einmal, Sam“) die Sinnlosigkeit der ewigen bürgerlichen Gespräche über dieselben langweiligen Dinge kritisiert, dass sie ihm letztendlich wirklich langweilig geworden sind. Exaltierte Diskussionen über Gedichte von Eis und Schwänen, bürgerliche Affären, die ewige Wahl zwischen Romantikern und Reichen, langwierige Erörterungen über gleichartige Rollkragenpullover und abgedroschene Wahrheiten – all das ist todlangweilig, und wir haben so lange über die Tristesse der Existenz diskutiert, dass sie wirklich trist geworden ist.

Gleichzeitig gibt es in dem Film auch einfach wunderbare Szenen – die Diskussion über Außerirdische, alle Momente mit der Schwiegermutter und natürlich die Verschwörung des Ehemanns – und überhaupt, sowohl die erste Hälfte als auch der gesamte Film, so sehr die Handlung auch manchmal durchhängt, sehen und fühlen sich an wie eine aktuelle, frische Arbeit. Der Kameramann Vittorio Storaro, der schon den „Konformisten“ als erfahrener Profi drehte, amüsiert sich mit seiner fantastischen Liebe zu Gelb unaufhörlich. Mit einer gewissen Eleganz färbt er den Raum um jeden der Helden unterschiedlich ein (der Ehemann ist zum Beispiel immer von kalten Farben umgeben, der Liebhaber lebt in warmen) und malt im Grunde die Sonne sogar dort, wo sie eigentlich nicht sein sollte.

Dasselbe tut, wenn man darüber nachdenkt, auch Woody Allen – ein Regisseur, der sein Leben lang dunkle Flecken sowohl in den fröhlichsten Geschichten als auch in den glücklichsten Biografien, sowohl im Gewissen seiner makellosen bürgerlichen Freunde als auch in seinem eigenen fand – plötzlich, während er dieselben dunklen Flecken sieht, bemerkt er auch etwas anderes. Der Antagonist des Films liebt kindlich eine Modelleisenbahn (klar, das zeigt den Kontrollzwang, aber es ist unerwartet niedlich), die manchmal etwas naive Protagonistin kümmert sich rührend darum, dass ihre Mutter ihre Tabletten nimmt, und selbst der unerträgliche Liebhaber äußert im Prinzip richtige Gedanken, nur unangemessen pathetisch.

Wahrscheinlich ist es das Fehlen dieses Pathos bei Allen selbst, das bei seinen Helden so häufig ist, das ihm erlaubt, so lange ein aktueller, wichtiger Autor zu bleiben. Der neue Film ist, wie mehrere Dutzend vorherige, der Suche nach dem Sinn des Lebens gewidmet, aber diese detektivische Arbeit wird ohne Hysterie, ohne große Offenbarungen und ohne Ablenkung auf falsche Fährten durchgeführt, die in verschiedenen schlechten Filmen zwangsläufig auftauchen.

Allens wichtigster Bezugspunkt – Ingmar Bergman – löste dieselbe Frage der Sinnsuche, indem er versuchte, den göttlichen Plan zu finden und sich mit ihm abzufinden, die Route zu sehen und zu verstehen; Allen hingegen – ein agnostischer Jude – parodierte diese spirituelle Suche in „Hannah und ihre Schwestern“ und drehte seitdem ziemlich konsequent existenzielle Detektivgeschichten in der Hülle von Romcoms, in denen der blinde Zufall der Hauptdrehbuchautor war. Manchmal – buchstäblich blind, wie in „Verbrechen und andere Kleinigkeiten“, manchmal – mit einem Hauch antiker Tragödie, wie in „Geliebte Aphrodite“, und am häufigsten – auch grausam, wie in „Match Point“.

„Große Ironie“ bricht nicht mit der Tradition: Es ist immer noch eine Überlegung darüber, wie man leben soll, wenn das Leben sinnlos ist; wie man sich damit abfindet, dass das eigene Schicksal von einer Reihe lächerlicher Zufälle geformt wird, und man dann auch noch die Verantwortung dafür trägt. Woody Allens Helden haben es vielleicht sogar leichter – sie sind Figuren eines großen Autors, aber wessen Figuren sind wir? Letztendlich zeigt Allen jedoch – und das ist in seiner Karriere wohl das erste Mal – dass der blinde Zufall manchmal doch glücklich ist. Dass das Leben zwar sinnlos ist, aber nicht immer gnadenlos. Und das sollte man sich wohl ansehen.