Am 7. Dezember kommt der möglicherweise letzte Anime des genialen Hayao Miyazaki, „Der Junge und der Reiher“, offiziell in die russischen Kinos. Aus diesem Grund hat unsere Redaktion beschlossen, kurz zu erzählen, warum jedes der zehn Filme des Meist...

Hayao Miyazaki ist ein berühmter japanischer Animator, der es im Laufe seines Lebens geschafft hat, mit seinen Werken die Herzen von Millionen Zuschauern zu erobern. Jedes Projekt ist ein unglaubliches und wunderschönes Meisterwerk. Nicht umsonst ist der einzige Anime, der einen Oscar gewonnen hat, von ihm gemacht worden. Vor zehn Jahren veröffentlichte der Meister seinen zehnten Film und gab bekannt, dass er in den Ruhestand geht. Doch nach einiger Zeit kamen Gerüchte auf, dass das Genie ein weiteres Werk vorbereite, das in diesem Jahr endlich das Licht der Welt erblickt hat.

Der elfte Anime (den nicht zur großen Franchise gehörenden „Lupin III.: Das Schloss des Cagliostro“ nicht mitgezählt) war bereits auf dem Filmfestival in Toronto zu sehen und belegte dort den dritten Platz, wobei er ausschließlich positive Kritiken erhielt. Dort ließ der Vizepräsident des Ghibli-Studios, Junichi Nishioka, durchblicken, dass „Der Junge und der Reiher“ möglicherweise nicht das letzte Geschenk des Genies an die Zuschauer sei. Nun, wir hoffen es. Und während unsere gesamte Redaktion auf die Premiere wartet, haben wir uns entschlossen zu erzählen, warum Hayao Miyazaki keine beruflichen Fehlschläge hatte und warum jedes seiner Werke leicht zu einem Lieblingswerk werden kann.

„Nausicaä aus dem Tal der Winde“ (1984)

Eines der Themen, die Hayao Miyazaki während seiner gesamten Karriere begleiten, ist die Ökologie. Seine Überlegungen zur Zerstörung der Welt durch den Menschen führten zur Entstehung des Mangas „Nausicaä aus dem Tal der Winde“, der später zu einem abendfüllenden Animationsfilm wurde.

Manchmal können die Themen, die der Film berührt, sogar im Widerspruch zueinander stehen. Einerseits wird der Mensch in „Nausicaä“ als schreckliches Wesen dargestellt, das die Welt, in der es lebte, zerstört hat. Andererseits wird die Menschheit hier als würdig gezeigt, ihr Recht auf ein friedliches Zusammenleben mit der Natur zu verteidigen und ihr zu helfen, in einer neuen Gestalt wiederzuerstehen.

Besonders hervorheben möchte ich die einzigartige Darstellung der postapokalyptischen Welt, die uns gezeigt wird. Beachten Sie: Da es hier schon lange fast keine Vögel mehr gibt, bauen die Menschen ihre Flugschiffe nach dem Vorbild von Insekten. Scheinbar ein Detail – aber wie angenehm.

„Das Schloss im Himmel“ (1986)

„Das Schloss im Himmel“ ist mein absoluter Lieblingsanime von Hayao Miyazaki. Nein, klar, es gibt den oscarprämierten „Chihiros Reise ins Zauberland“ und den von vielen geliebten „Das wandelnde Schloss“, aber gerade dieser Film hat sich mir am meisten eingeprägt. 

Eine Abenteuergeschichte über die Suche nach einem geheimnisvollen fliegenden Schloss, das sowohl von Piraten als auch von der Regierung begehrt wird. Es ist ein echter Familien-Blockbuster, vergleichbar mit „Indiana Jones“ oder „Star Wars“. Hier gibt es alles, um Zuschauer jeden Alters zu fesseln: Action, eine interessante Geschichte, farbenfrohe Charaktere, großartige Musik und einfach atemberaubende Bilder.

In „Laputa“ funktioniert alles wie ein gut geölter und meisterhaft zusammengebauter Mechanismus, dessen Teile von einem genialen Ingenieur gefertigt wurden. Hier fand Miyazaki fast die perfekte Balance zwischen erhabener natürlicher Schönheit und dem, scheinbar so zerstörerischen für eben diese Natur, Steampunk. In diesen Anime kann man sich einfach nur verlieben. Man wird auch nach Jahren immer wieder zu ihm zurückkehren wollen, um gemeinsam mit den Helden dieses unglaublich fesselnde Abenteuer voller Freude, Lachen, Güte und Traurigkeit noch einmal zu erleben.

„Mein Nachbar Totoro“ (1988)

„Mein Nachbar Totoro“ kam 1988 am selben Tag wie „Die letzten Glühwürmchen“ von Isao Takahata heraus, weshalb es zunächst kaum jemand bemerkte. Festivals und Kritiker richteten ihre Aufmerksamkeit vor allem auf das starke Antikriegsdrama und nicht auf die eher kindliche, fast konfliktfreie Geschichte über zwei Mädchen, die in eine Fantasiewelt eintauchen. Aber später wurde Miyazakis Werk im Fernsehen gezeigt, und dann kam es zum wahren Totoboom, der die Figur so kultig machte, dass sie sogar in das Logo des Ghibli-Studios aufgenommen wurde.

Der Meister wollte diese gute, meditative und friedvolle Geschichte ganze zehn Jahre lang auf die Leinwand bringen, fand aber keine Finanzierung. Schließlich fand das niedliche Wesen sein Zuhause, und der Film wurde für viele Jahre zu einer Art Visitenkarte von Ghibli. Hayao Miyazaki zeigte, dass ein Film nicht unbedingt einen physischen Antagonisten haben muss. Man kann die Krankheit eines geliebten Menschen zum Bösen machen und damit viele wichtige Themen aufwerfen. „Mein Nachbar Totoro“ spricht mit dem Zuschauer über die Angst vor dem Verlust geliebter Menschen, über Einsamkeit, über Trennung, tut dies aber auf kindlichem Terrain, das an die Welt der Magie und Fantasie grenzt, was ihn weicher in der Wahrnehmung, aber nicht weniger berührend macht. Und wie kann man Miyazaki nach dem Anschauen nicht lieben?

Übrigens, wenn Ihnen „Totoro“ nicht reicht, können Sie im Internet auch den Kurzfilm „Mei and the Kittenbus“ aus dem Jahr 2002 sehen, der im Museum des Ghibli-Studios gezeigt wurde. Leider ist nur eine Bildschirmaufnahme verfügbar, aber das ist kein so großes Hindernis, um noch einmal in die wunderbare Welt von Hayao Miyazaki einzutauchen.

„Kikis kleiner Lieferservice“ (1989)

Für das russische Publikum beginnt die Bekanntschaft mit Miyazaki selten mit „Kikis kleiner Lieferservice“. Vielleicht zu Unrecht. Denn von allen Werken der Legende der japanischen Animation ist die Geschichte von Kiki jedem Menschen nahe, unabhängig von seinem kulturellen Umfeld.

Die Abenteuer der kleinen Hexe, die eine rituelle Trennung von ihrer Heimatstadt durchmacht, basieren auf dem Buch „Kikis Lieferservice“ von Eiko Kadono. Obwohl sich der Film vom (meiner Meinung nach) zu süßlichen Original ziemlich weit entfernt hat, stellt er die ambivalenten Konflikte und komplexen Emotionen in den Vordergrund, die die Protagonistin durchlebt. 

Wenn man dieses Werk von Miyazaki im Teenageralter sieht, ist Kikis Geschichte über das Erwachsenwerden eine vertraute, unvermeidliche Lebensphase. Wenn man den Film mit 30 Jahren im Exil in Lissabon (einer Art Stadt am Meer) wieder ansieht, spürt man, dass die angesprochenen Themen höchstwahrscheinlich für den Rest des Lebens relevant sein werden. Man weiß nie, wann man sich wieder in seine Arbeit verlieben, eine neue gemeinsame Sprache mit bereits nahestehenden Menschen finden oder einfach nur von schöner Kleidung träumen muss.

Ich denke, das ist einer der Hauptbestandteile des Genies von Hayao Miyazaki: eine solche Geschichte so zu erzählen, dass sie dem Zuschauer in jedem Lebenskontext nahe und interessant ist. 

Und natürlich verleiht die leichte Fantasie, wie immer, Tiefe und Symbolik. Jeder wird für sich selbst beantworten, warum er Jiji nicht mehr versteht.

„Porco Rosso“ (1992)

„Porco Rosso“ kann als der unscheinbar auffälligste Film von Hayao Miyazaki betrachtet werden, da er nicht so sehr ein Ausdruck des Schaffens des Regisseurs ist, sondern vielmehr ein Spiegelbild seiner selbst. Die Handlung konzentriert sich auf das Thema Luftfahrt, und obwohl Totoro das Logo des Studios ist, ist Ghibli die Kurzform des italienischen Flugzeugs Caproni Ca.309 Ghibli. Deshalb kann „Porco Rosso“ teilweise als Hommage an den Vater betrachtet werden, von dem Hayao das Interesse an der Luftfahrt übernommen hat.

Diese aufrichtige Liebe überträgt sich auf die Leinwand, da sich am Himmel wunderschön gezeichnete Schlachten abspielen und der Protagonist, dessen Name wörtlich „Rotes Schwein“ bedeutet, ohne sein scharlachrotes Flugzeug kaum vorstellbar ist. Miyazaki vertiefte sich so sehr in das ihm ans Herz gewachsene Thema, dass er von den üblichen Mustern seiner Werke abwich und einen erwachsenen Mann zur Hauptfigur machte, den der Zuschauer nur schwer lieben kann. Er passt überhaupt nicht in das Schema der charmanten Charaktere, die Miyazaki in anderen Werken für Männer vorsieht, aber umso interessanter ist es, das psychologische Porträt von Porco Rosso zu lesen, mit dessen Äußerem der Regisseur sowohl das Äußere als auch das Innere identifiziert.

Und der Film selbst ist (trotz des magischen Anfangs und metaphorischer Momente) viel bodenständiger als jedes andere Werk des Meisters. Das Thema Krieg und sogar Liebe wird im Film durch die Last der Alltäglichkeit und des Realismus erschwert, was das Werk nicht anders kann, als sowohl für Miyazaki selbst als auch für den Zuschauer, der leichter Assoziationen mit der umgebenden Realität in sein Urteil einfließen lassen kann, viel persönlicher zu machen.

„Prinzessin Mononoke“ (1997)

Wie jedes sehr persönliche Kino wurde „Porco Rosso“ von der Masse nicht anerkannt. Der Geist der Magie und die überirdische Energie, die den früheren Werken des Meisters innewohnen – das ist es, wofür die Zuschauer Miyazaki verehren. Und so kehrte der Animator zum bewährten Schema zurück und veröffentlichte den Anime „Prinzessin Mononoke“.

Ein wahrhaftiges Meisterwerk der Filmkunst, der Film taucht den Zuschauer ohne überflüssige Sentimentalität und lyrische Einleitungen in die Schrecken des Krieges ein. Miyazaki betritt das Feld der für seine Filme wichtigsten Konfrontation – des Kampfes zwischen dem Natürlichen und dem Gesellschaftlichen – und äußert sich ohne Zensur. Abgerissene Arme, durchschossene Köpfe, Tötungen von Tieren. Die Zeit, in der in Japan die ersten Schusswaffen auftauchten, wird als Grenze betrachtet, jenseits derer die Natur besonders schutzlos gegenüber dem menschlichen Bedarf an Ressourcen wird, denn selbst der Waldgeist ist sterblich. Mehr als zwei Stunden lang erklärt der Animator bedächtig und blutig, unter Einsatz der Kraft der Dialoge, des farblichen Charmes und der grafischen Darstellung, die Herzen mit attraktiven oder absolut abstoßend-harten Bildern erschüttern kann, dass jeder versucht, seinen Platz in dieser Welt zu finden.

Und nur der Protagonist, der sich zwischen zwei Feuern befindet, stellt das einzig wahre Gleichgewicht zwischen den aufeinanderprallenden Welten dar. So muss auch der Zuschauer für sich in diesem Film die Mitte zwischen Gut und Böse, Unschuld und Gewalt, verlockenden Landschaften und der steinernen Stadt finden. Vor dem Anschauen muss man sich auf die bedrückende Atmosphäre der Geschichte einstellen, aber daran denken, dass man selbst in der dunkelsten Welt einen Weg zur Wiedergeburt finden kann.

„Chihiros Reise ins Zauberland“ (2001)

Ursprünglich sollte der Film nach Hayao Miyazakis Vorstellung 3 Stunden dauern. Wissen Sie, ich würde mir gerne fünf oder zehn Stunden ansehen, nur um diese Welt nicht verlassen zu müssen. Die Welt des Films ist so reichhaltig und vielfältig, dass man sich wünscht, es wäre ein Open-World-Erkundungsspiel. Dann könnte man so lange durch diese Welt reisen, wie man möchte, und immer neue Geheimnisse und Mysterien entdecken. 

Umweltprobleme und die Feindschaft des Menschen mit der Natur gehören zu den häufigsten Themen in Miyazakis Schaffen. Auch in „Chihiro“ schenkte Miyazaki einem der Hauptcharaktere eine traurige Vorgeschichte: Der Junge Haku war ein Flussgeist, bis die Menschen sein Zuhause für ihre eigenen Zwecke zuschütteten. Ganz zu schweigen von dem Ohnezahn oder den Flussgeistern, die direkt vom Bildschirm schreien: „Verschmutzt die Flüsse nicht!“.

Neben dem ökologischen Subtext spricht der Regisseur geschickt darüber, wie tief europäische Bräuche in das Leben jedes Japaners eingedrungen sind. Die Charaktere sind europäisch gekleidet, fahren ein europäisches Auto und werden in einem Haus europäischen Typs wohnen. Nicht umsonst werden der Protagonistin Kleidung und Name geändert. Und wie könnte man die Hauptbotschaft des Films vergessen: Glaube an dich selbst und vergiss nicht, wer du bist.

„Chihiros Reise ins Zauberland“ ist wie ein geliebtes Kuscheltier. Es ist irgendwo bei den Umzügen verloren gegangen, aber deine Gedanken kehren immer wieder zu ihm zurück, und wenn du die Augen schließt und dir die Zeiten vorstellst, in denen du damit gespielt hast, bringen dich die warmen Gefühle der Geborgenheit in deine Kindheit zurück und erinnern dich daran, dass dieses Spielzeug immer bei dir ist.

Valeria Fomina

„Das wandelnde Schloss“ (2004)

„Das wandelnde Schloss“ kann als das gemütlichste Werk des Ghibli-Studios bezeichnet werden. Und es liegt nicht einmal daran, dass die zentrale Figur eine ältere Frau ist (ja, eigentlich ein junges Mädchen, aber trotzdem), sondern daran, welche Gedanken und mit welchen Methoden der Anime vermittelt.

Vor uns liegt eine Geschichte über innere Konflikte und Komplexe, die die in sich und in einem Raum eingeschlossenen Helden erleben. Jeder durchläuft einen Charakterbogen, indem er sich durch die Lösung innerer Konflikte von verschiedenen Arten von Flüchen befreit. Die Notwendigkeit, die Komfortzone zu verlassen, die die Helden in ihren Dialogen auskosten (sei es die Resignation einer alten Frau oder die Versuche eines jungen Mannes, seine Selbstablehnung zu verbergen), treibt die Handlung voran. Und Miyazaki erzählt davon, dass das Äußere bei weitem nicht das Spiegelbild der wahren Persönlichkeit ist.

Das Bild des Schlosses, das einer russischen Hütte auf Hühnerbeinen nachempfunden ist, stellt eine einzige wandelnde Metapher dar, die ein Konzentrationspunkt von Bedeutungen und Bildern ist. Wie alle, die sich im Schloss aufhalten, besteht es selbst aus vielen verschiedenen Elementen (sozusagen Persönlichkeitsmerkmalen), die visuell miteinander im Konflikt stehen, aber ein riesiges Gebäude (sprich: Persönlichkeit) errichten, das nur die Kraft des Lebensfeuers vor dem Zerfall rettet.

Miyazaki lässt sich in der visuellen Darstellung der Geschichte freien Lauf, zeigt die Farbenpracht der Bilder, spielt mit der Zeit und den Bildern der Helden. Der Regisseur greift erneut das Thema Krieg auf, aber im Gegensatz zu früheren Werken entfaltet er es kaum ernsthaft, sondern nutzt es eher als Hintergrund für den Fortgang der Handlung und das Wachstum der Helden. Daher ist „Das wandelnde Schloss“ trotz der schwerwiegenden Fragen in Wärme und Gemütlichkeit gehüllt, die man bei einer Tasse Tee unter einer Decke am Feuer aufsaugen möchte.

„Ponyo – Das große Abenteuer am Meer“ (2008)

Wie würde Disneys „Arielle, die Meerjungfrau“ aussehen, wenn sie von Japanern gezeichnet worden wäre? Warum etwas erfinden, wenn wir bereits eine fertige Version haben – „Ponyo – Das große Abenteuer am Meer“.

Ein weiterer meditativer Film des Regisseurs, der den Zuschauer in einen sehr spezifischen Zustand versetzt. Hier trägt alles, angefangen bei den gemächlichen Bildern des Kochens bis hin zur wunderschönen Unterwasserwelt, zur Atmosphäre bei. Es besteht nicht einmal die Notwendigkeit, sich richtig in die Charaktere hineinzuversetzen, weil sie in erster Linie in dieser erstaunlichen Welt existieren, mit der uns der Film bekannt macht. 

Gleichzeitig haben wir eine berührende Geschichte über zwei Kinder, die noch zu jung sind, um zu verstehen, was Liebe ist, aber dennoch nicht mehr ohne einander können. Es hat sich einfach so ergeben, dass eines von ihnen eine äußerst ungewöhnliche Herkunft hat. Manchen mag „Ponyo“ zu kindisch erscheinen, und ich werde sie nicht tadeln. Aber ist das schlecht?

„Wie der Wind sich hebt“ (2013)

Der Himmel lockte Jiro seit seiner Kindheit, aber Pilot sollte er aufgrund seiner schlechten Sehkraft nicht werden, aber er fand einen Ausweg – er wurde Flugzeugkonstrukteur. Aber was, wenn die Erfüllung seines Traums den Tod von Tausenden von Menschen nach sich zieht?

„Wie der Wind sich hebt“ ist wohl der erwachsenste Film von Hayao Miyazaki. Er enthält fast keine für seine Filme üblichen Fantasy-Elemente, ist aber gleichzeitig das reinste Märchen. Ein Märchen über das Verfolgen eines Traums, wahre Liebe und letztlich Humanismus.

Das Rührendste an dem Film ist die Vision von Schönheit im Kontext eines so düsteren Ereignisses wie des Krieges. Denn der Protagonist sieht in seiner Arbeit nicht die Schaffung eines Mittels zur Tötung von Menschen, sondern eines Apparats zur Eroberung des Himmels und zum Erleben der Magie des Fliegens. Schon lange vor Christopher Nolan stellte sich der japanische Meister durch die Linse der Geschichte einer realen Person Fragen nach der Gefahr des Genies und tat dies subtil, aber ohne Angst vor Verurteilung durch die Öffentlichkeit.

Valeria Stoykova

Nolans Neutralität. „Oppenheimer“ – eine ideologisch sterile oder pazifistische Aussage?

Die Autoren von „Nach dem Abspann“ diskutieren über die Vor- und Nachteile der von Nolan bewusst eingenommenen Neutralität gegenüber der Geschichte von Robert Oppenheimer.

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Wenn Hayao Miyazaki seine Karriere mit diesem Werk beendet hätte, wie geplant, wäre dies ein würdiger Abschluss seiner Filmografie gewesen, aber auch ohne diesen Umstand ist „Wie der Wind sich hebt“ großartiges Kino.