Wir betrachten Beispiele nicht-kindlicher Animation, von der sowjetischen bis zur modernen, die den Zuschauer auf dem Weg der grafischen Darstellung von globalen Welt- und politischen Problemen zu inneren menschlichen Erfahrungen führen.

„Die Insel“ (1973)

Worum es geht: Die Geschichte von Robinson Crusoe im 20. Jahrhundert. Der Wert des Lebens gegen materielle Werte.

Ein ungewöhnlicher Vertreter in dieser Zusammenstellung. Erstens handelt es sich um einen Kurzfilm, zweitens ist die Altersfreigabe des Zeichentrickfilms „6+“. Aber das alles ist eine Formalität, denn der Film vermittelt in 9 Minuten die erschreckende Realität der kapitalistischen Welt. Eine Welt, in der es darum geht, zu schnappen, zu kaufen, zu erschließen, zu scheinen und zu erobern. Eine Welt, in der der einfache Mensch einsam und unwichtig ist und wahre Werte nur selten geteilt werden.

Warum sehen: Das zeitlose Gleichnis wurde vom genialen sowjetischen Regisseur Fjodor Chitruk („Bonifaz' Ferien“, „Film, Film, Film“, „Winnie Puuh“, „Ich schenke dir einen Stern“) geschaffen und gewann 1974 in Cannes die Goldene Palme für den besten Kurzfilm.

„Es wird ein sanfter Regen fallen“ (1984)

Worum es geht: Eine Skizze des nuklearen Winters im Jahr 2027.

„Und der Frühling wird die neue Morgendämmerung begrüßen, ohne zu bemerken, dass wir nicht mehr da sind“ – mit diesen Worten endet der nächste Vertreter der nicht-kindlichen Animation der Sowjetzeit. Der Kurzfilm von Nasim Tuljachodschajew beschreibt mit futuristischen Bildern, schlimmer als jeder Katastrophenfilm, eine mögliche Zukunft der Menschheit, wenn die Menschen nicht über ihr Handeln nachdenken. Und glauben Sie mir, eine Handvoll Asche im Bett ist ein überzeugendes Argument.

Warum sehen: Um die organische Überschneidung der von Bradbury beschriebenen postapokalyptischen Zukunft mit der Vision der sowjetischen Filmemacher zu würdigen.

„Waltz with Bashir“ (2008)

Worum es geht: Der ehemalige Infanteriesoldat der israelischen Armee Ari Folman trifft einen Armeekameraden. Dieser hat Albträume mit Episoden aus der Kriegszeit. Folman hingegen stellt fest, dass in seiner Erinnerung nichts von der schrecklichen Zeit geblieben ist, außer einer einzigen Episode. Folman beginnt, die mit diesen Ereignissen verbundenen Personen aufzusuchen, um sich an alles zu erinnern.

Eine Zone der Ungewissheit erfasst den Protagonisten und den Zuschauer: Folman erinnert sich nicht an das Geschehene, und der Zuschauer weiß es nicht. Daher findet eine Psychotherapiesitzung auf beiden Seiten der Leinwand statt. Die Animation mit über statischen oder halbstatischen Hintergrund gelegten Figuren schafft sowohl visuell als auch dokumentarisch Erleichterung. Aber selbst die Abkehr vom Spielfilmformat dient nicht als emotionaler Schutzschild in den Momenten, in denen der Zuschauer gezwungen ist, auf ein Kindergesicht unter einem Steinhaufen zu blicken, begleitet von der eindringlichen Musik Max Richters. Der Film basiert auf Metaphern, unter denen die Linie Frau-Mutter-Heimat hervorsticht.

Warum sehen: Dem gezeichneten Dokumentarfilm liegt die wahre Geschichte eines Veteranen des Libanonkriegs von 1982 zugrunde. Der erste Zeichentrickfilm in der Geschichte des Weltkinos, der für einen Oscar in der Kategorie „Bester fremdsprachiger Film“ nominiert wurde.

„Der Illusionist“ (2010)

Worum es geht: Schottland Ende der 1950er Jahre. Ein Illusionist trifft das Mädchen Alice, das überzeugt ist, dass der Mann ein wahrer Zauberer ist.

Ein erstaunlich feinfühliger Film von Sylvain Chomet über menschliche Beziehungen. Die Dramaturgie baut auf der Realität auf, die hinter der visuellen Magie der Tricks verborgen liegt. Die Überlegungen zum Preis der „Magie“ eines gewöhnlichen Menschen verleihen der gesamten Erzählung einen molligen Ton, der dennoch voller Farben, komischer Momente und Charme ist. Eindringlich und bis zur Gänsehaut beschreibt Chomet den Platz der Illusionen in der realen Welt. Und dieser Film ist eine grafisch unvergleichliche Leinwand, auf der Wunder ein unverzichtbarer Bestandteil des Lebens sind, aber untrennbar mit dem Erwachsenwerden verbunden.

Warum sehen: Wenn Sie ein Fan unkonventioneller Animation, ergreifender Geschichten und des Zeichentrickfilms „Das Trio aus Belleville“ sind.

„Anomalisa“ (2015)

Worum es geht: Der Schriftsteller Michael Stone kann nicht mit Menschen kommunizieren. Eine psychische Erkrankung lässt ihn in allen denselben Mann sehen. Doch eines Tages trifft er das Mädchen Lisa, das aus dem Rahmen seiner Wahrnehmung der Realität fällt.

Die Mittel für die Erstellung des Films wurden über die Website kickstarter.com gesammelt. Das Besondere an der Erzählung ist die Puppenanimation, durch die die Abgeschlossenheit des persönlichen Films vermittelt wird. Der Zuschauer fühlt sich in den Kopf eines Misanthropen versetzt, sieht und hört alles mit seinen Augen. Die Befangenheit der Hauptfiguren wird zusätzlich durch die Puppenbilder eingeschränkt. Das hat einen gewissen Charme und in besonders pikanten Momenten – Unbeholfenheit. Die banale Geschichte eines Geschäftsreisenden verwandelt sich in eine tiefgründige Geschichte über die Hoffnung, die große Liebe zu finden.

Warum sehen: Wegen der mutigen Verschmelzung von Puppenanimation und einer freizügigen Handlung ab 18.

„Die Brotverdienerin“ (2017)

Worum es geht: Die Geschichte des Mädchens Parvana, das nach der Inhaftierung ihres Vaters durch die Taliban wegen des Besitzes verbotener Literatur zur Bacha Posh wird. Parvana versucht, ihre Familie zu ernähren, in der außer ihrem kleinen Bruder keine Männer mehr sind, und ihren Vater aus dem Gefängnis zu befreien.

Die Verfilmung des gleichnamigen Buches von Deborah Ellis beleuchtet detailliert die politischen Probleme Afghanistans. Oberflächlich kann man den Film von Regisseurin Nora Twomey mit Disneys „Mulan“ vergleichen, aber in „Die Brotverdienerin“ findet man keine Drachen im Mantel oder verliebte Generäle. Aus dem Alltag eines durch Analphabetismus und Religion zerrissenen Volkes, aus einer erschreckenden Realität, in der Kinder mit Maschinengewehren gejagt werden und es nicht schändlich ist, nicht lesen zu können, kann der Zuschauer nur in ein von den Figuren erzähltes Märchen fliehen, das sich wie ein roter Faden durch den gesamten Film zieht. Ein Märchen, das beweist, wozu die Kraft der Vorstellungskraft fähig ist.

Warum sehen: Um sich vom künstlerischen Stil der irischen Firma Cartoon Saloon mitreißen zu lassen.

„Weißt du, Mama, wo ich war?“ (2017)

Worum es geht: Skizzen aus dem Leben des zehnjährigen Reso Gabriadse. Nachkriegszeit, in der Realität und kindliche Fantasien nebeneinander existieren. Der abendfüllende Film, der nach Zeichnungen des Künstlers entstanden ist, ist voller ungewöhnlichster Figuren.

„Weißt du, Mama, wo ich war?“ ist, wenn auch in gewisser Hinsicht dokumentarisch, dennoch ein sehr persönlicher Film. Die animierten Skizzen schaffen ein starkes informatives Tandem aus auf den ersten Blick unvereinbaren Genrekomponenten. Einerseits sieht der Zuschauer, wie der kleine Reso, das Nachkriegs-Kutaissi in all seinen kleinsten Details, andererseits taucht er in die Atmosphäre kindlicher Unmittelbarkeit voller Fantasie ein.

Warum sehen: Die Möglichkeit, der Persönlichkeit von Reso Gabriadse durch das kreative Erbe des berühmten Künstlers und Drehbuchautors nahezukommen.

„Buñuel im Labyrinth der Schildkröten“ (2018)

Worum es geht: Der Biopic widmet sich der Entstehungsgeschichte von Luis Buñuels Dokumentarfilm „Las Hurdes. Land ohne Brot“.

Salvador Simó wählte eines der prägnantesten Fragmente aus dem Leben von Luis Buñuel. Das Geschehen steht in direktem Zusammenhang mit dem Verständnis des Wesens des Regisseurs und seiner tiefgreifenden Probleme. Das Bild wird paradoxerweise zum Haupt- und gleichzeitig völlig nebensächlichen Wahrnehmungsobjekt. Die anspruchslose Grafik, die mit den Alpträumen des Helden in den Surrealismus eindringt, und die Einblendungen von Fragmenten aus „Land ohne Brot“ dienen als unaufdringlicher sinnvoller Hintergrund, können aber durch ihren Inhalt schockieren. Am Ende des Anschauens bleibt reines Interesse. Einen besseren Impuls von einem Biopic kann man wohl nicht finden.

Warum sehen: Wenn Sie Biopics und die genreübergreifende Erzählweise des sowjetischen Zeichentrickfilms „Die Schatzinsel“ mögen.

„Ich habe meinen Körper verloren“ (2019)

Worum es geht: Die Geschichte eines verliebten Pizzaboten. Die Ereignisse spielen sich parallel dazu ab, dass eine Hand aus dem Labor flieht und ihren Körper finden will.

Der Held denkt über das Schicksal, vorherbestimmte Ereignisse und die Möglichkeit ihrer Veränderung nach, und der Komponist Dan Levy erzeugt eine Atmosphäre nachdenklicher Gänsehaut. Die Hand sucht ihren Besitzer, der sich endlich daran erinnern soll, wovon er wirklich leben wollte. Sie ist der Ausdruck der Welterkenntnis, verbunden mit einem anderen Verständnis, das der Film erreichen will – unvermeidlich ist die Tatsache, dass irgendwann eine Niederlage eintreten wird. Aber man muss sie als Ansporn betrachten, wieder aufzustehen.

Warum sehen: Ein herausragender Vertreter der europäischen Animation stellt eine metaphorische Philosophie in den Mittelpunkt der Handlung, macht eine Hand zu einem vollwertigen treibenden Element und bietet eine handlungsreiche Geschichte über den Verlust des eigenen Ichs unter der Sauce einer verrückten, an Burton erinnernden Darstellung.

„Entergalactic“ (2022)

Worum es geht: Die Geschichte eines jungen Künstlers, der versucht, seine Liebe zu finden.

Weniger wichtig ist die Handlung des Films als das Gefühl der Liebe, von dem er erfüllt ist. Diese Liebe, die den Körper vom Boden reißt, über das Alltägliche erhebt und Kraft zur Selbstverwirklichung gibt. Der visuelle Bruder von „Spider-Man: Across the Spider-Verse“ fesselt die Aufmerksamkeit durch seine grafische Darstellung und lässt den Zuschauer in die Atmosphäre eines klassischen romantischen Films in Form eines Zeichentrickfilms für Erwachsene eintauchen.

Warum sehen: Wenn Sie ein Fan von Melodramen, der Animation von „Spider-Man: Across the Spider-Verse“, Rap-Musik und dem Werk von Kid Cudi sind.