Steven Spielbergs neuer Film über das Erwachsenwerden eines Jungen, der das Kino sehr liebte. Warum dieses Drama mit autobiografischen Elementen einer der besten Filme des Klassikers im 21. Jahrhundert ist, erzählen wir in unserer Rezension.

Die Eltern nehmen den sechsjährigen Sam Fabelman (Mateo Zoryon Francis-DeFord) mit ins Kino und bereuen es schnell. Die Zugunglücksszene aus „Die größte Schau der Welt“ hat den Jungen so sehr erschreckt, dass er sich nicht einmal vorstellen konnte, was er sich zu Chanukka wünschen sollte. Dann fiel ihm etwas ein – eine Spielzeugeisenbahn. Als Erstes stellt Sam ein Auto und Kartons auf die Schienen und lässt sein neues Spielzeug darüberfahren. Der Zug entgleist – eine Katastrophe, genau wie im Film. Da der Junge dieses traumatische Erlebnis zehnmal durchleben will und ihm der Zug leid tut, schlägt seine Mutter Mitzi (Michelle Williams, starke Oscar-Anwärterin) vor, den Unfall mit der 8-mm-Kamera seines Vaters zu filmen. So beginnt die Geschichte von Sam Fabelman und seiner Liebe zum Kino.

Die Angehörigen sind etwas verunsichert, aber gleichzeitig fasziniert von der Hingabe des Kindes an bewegte Bilder, und jeder versucht, ihm das Wesen des Kinos zu erklären: Der Vater (Paul Dano) hält einen Vortrag über die technische Seite (es sind nur Bilder, die sich schneller bewegen, als das Auge sie erfassen kann, das ist alles, was Kino ist); der für einen Tag vorbeikommende Onkel Boris (in einer fulminanten Darbietung des 87-jährigen Judd Hirsch) erklärt, dass Kunst immer mit Einsamkeit verbunden ist; und die Mutter spricht es nicht so sehr aus, sondern behält im Hinterkopf, dass Kino festgehaltene Zeit ist, ein vergangener, aber eingefangener Augenblick.

Alle diese Sichtweisen auf das Kino sind für Spielberg gleichermaßen interessant: Das Motiv der unwiederbringlichen Vergangenheit, die technischen Errungenschaften, von denen die meisten heutigen Regisseure nicht einmal träumen, und natürlich das Gefühl der Einsamkeit, das der Regisseur, gelinde gesagt, in- und auswendig kennt, machen im Grunde seine gesamte Filmografie aus. Und seine Filmografie ist eigentlich der Gegenstand des Films – die Geschichte der Entwicklung eines zukünftigen Regisseurs, in dem man leicht Spielberg selbst erkennt.

Man kann den Film leicht und gerne als Auto-Biopic bezeichnen; der Regisseur verzichtet hier auf allgemeinmenschliche Themen, heroische Figuren und in Großbuchstaben geschriebene Botschaften und dreht letztlich seinen wohl menschlichsten Film. „Die Fabelmans“ ist dabei ein unverkennbar Spielberg’scher Film – die Figuren sind eher gut als böse, das Gute siegt meistens, die Sentimentalität steht wieder in den Startlöchern, um überzukochen. Nur läuft sie nie über – wie bei Spielberg sind dramatische Wendungen immer dazu verdammt, gut auszugehen, aber hier folgt eine Wendung auf die andere, und irgendwann sorgt man sich ernsthaft um das Schicksal des heranwachsenden Sam, der nun von Gabriel LaBelle gespielt wird.

Wie kann alles gut sein, wenn der Vater die Liebe seines Sohnes zur Regie zwar grundsätzlich befürwortet, aber nur als Hobby, denn der Beruf muss ernst und richtig sein („Ingenieur – das ist ein Job!“); die Mutter ihre Kinder und ihren Mann liebt, aber um ihre eigene verlorene Karriere als Pianistin und ein Leben, das vielleicht nicht ganz ideal verlaufen ist, aktiv trauert; der väterliche Kollege und beste Freund (der Mutter) Onkel Bennie in der Familie wie ein Dritter und eindeutig Überflüssiger ist, und Umzüge aufgrund der Karriere des Vaters – zuerst nach Arizona, wo Spielberg selbst aufgewachsen ist, dann nach Kalifornien – tragen nicht gerade zur häuslichen Gemütlichkeit bei. Die märchenhafte Stimmung des Prologs weicht einer gemäßigten Dramatik des Arizona-Teils – alles ist noch gut, aber die Ehe der Eltern zerbricht („Die Fabelmans“ ist in dieser Hinsicht ein feiner und kluger Film über die Scheidung), um in Kalifornien dann zu einem vollwertigen Erwachsenwerden-Drama zu werden, das nicht allzu originell, aber erstaunlich inszeniert ist. 

Dort wird Sam mit den größten Herausforderungen seiner Jugend konfrontiert – einer Beziehung mit einem frommen Mädchen, das zu Jesus betet, vor allem weil er sexy ist (wie die Heldin treffend bemerkt, hätte Gott auch einen einfacheren Avatar wählen können, aber er zog es vor, ein junger Mann zu sein); dem Scheitern der Ehe seiner Eltern; Mitschülern, die wie aus Memes über kalifornische WASP’s wirken. In der Schule machen aufgeblasene, dumme Blondinen dem Jungen das Leben schwer, weil er Jude ist, und vor allem, weil er nicht so aufgeblasen und nicht so dumm ist. Zu Hause gibt es Konflikte mit dem Vater, der seinen Sohn als Ingenieur sehen will, nicht als einen dieser seltsamen Menschen, die ihr Hobby zum Beruf machen. 

Auf all sein Leid antwortet Sam, indem er Filme dreht, die in „Die Fabelmans“ als Kurzfilme eingebaut sind. Zuerst sind es kleine Nachahmungen besonders geliebter Filme (Sams Antwort auf den großartigen „Der Mann, der Liberty Valance erschoss“ – wohl der beste Teil des Films), dann Kriegsepen mit dem Budget einer McDonald’s-Matinee (ein Anblick, würdig von Robert Altman, ja sogar Sam Peckinpah), Filme, die aus Familienfilmmaterial geschnitten wurden, Auftragsarbeiten. 

In „Die Fabelmans“ hat Spielberg nebenbei auch seine eigene Filmgeschichte gedreht, in der Platz für Horrorfilme, Western, experimentelle Dramen und Propagandafilme war (die faschistischen Schüler glänzen im Kurzfilm des jungen Fabelman, als hieße er Riefenstahl). Je älter Sam wird, desto ernster werden die Genres, mit denen er arbeitet, und desto schwieriger wird es, sich in ihnen vor der Wahrheit des Lebens zu verstecken. Und genau das tut der Junge letztlich, und mit ihm Steven Spielberg. Und nur wenige Auto-Biopic der letzten Jahre (und angesichts von „Belfast“ und „The Hand of God“ gab es sogar zu viele) haben so ehrlich mit dem Zuschauer darüber gesprochen, dass Regie im Grunde Flucht ist.

Evgeny Belousov

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Flucht hinter die Kamera, Flucht hinter das Bild, wo es etwas weniger beängstigend, etwas weniger schmerzhaft ist, wo es die Möglichkeit gibt, das Leben so umzuspielen, dass es erstens angenehm und zweitens sinnvoll wird. Aber zu weit, zeigt Spielberg, kann man auch nicht fliehen – das Kino endet, das Leben beginnt. Obwohl er auch dafür eine ungewöhnlich geistreiche Antwort parat hat. Als ein örtlicher Schläger, zu dem nach Sams Kurzfilm seine Freundin zurückgekehrt ist, sagt: „Im Kino ist alles ganz anders als im Leben“, antwortet Sam: „Das stimmt. Aber du hast deine Freundin trotzdem zurückbekommen.“ 

Und in dieser Sichtweise auf das Kino, in der natürlich alles anders ist als im Leben, die aber dennoch die Welt verändern kann, und sei sie noch so klein und unwürdig, liegt wohl das, was Spielberg zu einem großartigen Regisseur macht. Es geht nicht nur darum, dass es eine große Leistung ist, eine Autobiografie zu drehen, in der deine Kinderfilme von Freunden und Erwachsenen bewundert werden, ohne dabei in Selbstverliebtheit zu verfallen, sondern um diese Hingabe eines in das Kino verliebten Menschen, der, selbst wenn er wollte, nicht von der Kamera und dem Projektor loskommt. Und aufgrund der Stärke dieses Gefühls, das leicht obsessiv, leicht kompensatorisch ist, aber letztlich vielleicht das Wichtigste auf der Welt, kann man sich auch von „Die Fabelmans“ natürlich nicht losreißen.