In den Kinos läuft der neue Film mit Alan Ritchson an, in dem statt des Helden Rock-Sänger sprechen. Potsy Poncirolis Film ist in jeder Hinsicht wirklich mitreißend. Aber Dialoge in den Mündern der Helden sind manchmal eben doch nötig.

Detroit, 1970er Jahre. John Miller (Alan Ritchson), ein einfacher Arbeiter im Autowerk, macht einen fatalen Fehler: Er verliebt sich in Sofia (Shailene Woodley), die dem örtlichen Gangsterboss (Ben Foster) gehört. Er schafft es sogar, ihr einen Heiratsantrag zu machen, aber die Strafe kommt schnell und gemein – falsche Anschuldigung, Gericht, lange Jahre hinter Gittern. Und als John freikommt, dreht sich in seinem Kopf nur eines: kalte Rachegelüste an dem, der ihm alles genommen hat.

Der neue Actionfilm von Potsy Ponciroli, dem Autor des großartigen Westerns „Old Henry“, dreht sich hauptsächlich um die beeindruckende Figur von Alan Ritchson – einem Schauspieler, der sich mit jeder Rolle immer sicherer einen Platz in der Welt des maskulinen Kinos erkämpft und die Leinwand allein mit der Präsenz seines Oberkörpers ausfüllt. Diesmal beschließt Ponciroli, der sich im Genre bereits bewährt hat, über die gewohnten Grenzen hinauszugehen: In „Motor City“ verzichtet er völlig auf Dialoge. Nur Knochenbrechen und deftige Schläge.

Und an solchen Schlägen mangelt es in „Motor City“ nicht. Ritchson ist in diesem Element nicht nur organisch – er wird zum Kanal für die Energie des Testosteronkinos der Achtziger in seiner ursprünglichen Wut. Das Schweigen der Figuren – ein Stilmittel, das bereits John Woo in „Silent Rage“ erprobt hat (dort war es erzwungen), und bei Woo funktionierte es einwandfrei. Ponciroli ersetzt Worte durch Musik: Der Soundtrack des Films besteht vollständig aus Rock-Klassikern, wobei jeder Song an eine bestimmte Szene gebunden ist und als deren unsichtbarer Souffleur dienen soll.

Das ist kein besonders schwieriger Trick: Viele haben es so gemacht, man denke nur an Martin Scorsese. Aber in „Motor City“ verwandelt es sich manchmal in ein sehr langes Musikvideo, das zudem durch ständige Zeitlupen beschwert wird. Und das hartnäckige Schweigen der Helden verwirrt mitunter. Szenen, die einfach ein paar Zeilen erfordern, ertrinken im Gitarrengebrüll, und das trägt nicht gerade zum Verständnis mit dem Zuschauer bei. Manchmal muss man sich schlicht dazu denken, was eigentlich der Film selbst offen sagt. Ja, ein solcher „Gag“ hebt „Motor City“ zwar etwas aus der Schar der eintönigen Kollegen heraus, aber irgendwann wird er zur Last, die selbst einen unzerstörbaren Ritchson auf den Grund ziehen kann.

Zum Glück hebt sich Ponciroli das Aufregendste für den Schluss auf, und für den dritten Akt kann man dem Autor alle genannten Mängel leicht verzeihen. Dort vergisst der Regisseur sozusagen das Bremspedal, wie ein echter Rock'n'Roller. Ritchsons Held macht ein Messer aus Karamell, knurrt wie ein verwundetes Tier, flieht aus dem Gefängnis mit Hilfe seiner Waffenbrüder – kurzum, er wird endgültig zur Rache-Maschine. Das Auftauchen der Freunde lässt übrigens den Gedanken nicht los, dass einer von Poncirolis Referenzen vielleicht „Desperado“ von Robert Rodriguez war – ebenso schweigsame Profis, die für einen Freund eine halbe Stadt dem Erdboden gleichmachen können.

Danach erwartet den Zuschauer auch der große Showdown mit dem korrupten Bullen im Aufzug. Mit nur einer einzigen Szene hat Ponciroli alle übertrumpft, die sich in dem Versuch überboten haben, sich gegenseitig zu überbieten. Wie zum Beispiel Kenji Tanigaki, der Regisseur von „Furious“ (einem kürzlichen Favoriten des Genres), der komplexe Konstruktionen schuf und den Ausgang einiger Kämpfe ins Absurde trieb. Ponciroli hingegen gab den Figuren einfach eine Schrotflinte und ein Messer, sperrte sie in einen engen Raum und vertraute vollständig seiner eigenen Intuition.

Allerdings muss der Zuschauer vorher Ritchsons lächerliche Perücke und leicht abgenutzte Inszenierungen mit einem Hauch von klassischem Ehebruch ertragen. Ja, „Motor City“ ist bei all seiner konzentrierten Härte und zur Schau gestellten Brutalität in erster Linie ein Film über die einfache irdische Liebe, die ab und zu eben doch vorkommt. Für die man tötet, sitzt und wieder rausgeht, um erneut zu töten.

Um das noch einmal zu bestätigen, bastelt Ponciroli ein völlig unnötiges zweites Ende, ähnlich einer Post-Credit-Szene, und legt Ritchson die einzige Zeile in den Mund. Nur um überzeugender zu wirken. Aber beim Verlassen des Kinos verflüchtigt sich dieser Gedanke sofort, und in Erinnerung bleibt nur das strenge Schweigen des Helden, der nicht scherzen kann, aber dafür bis zum Ende lieben und seine Feinde zu Staub zermalben kann.