Was haben eine Psychotherapeutin in Not, Alfred Hitchcock und die schwarzen Seiten der französischen Geschichte gemeinsam? All das steckt in der ironischen Krimikomödie „Privatleben“, die seit dem 19. März in den Kinos läuft.

Seit dem 19. März läuft in den Kinos der ironische Krimi „Privatleben“ von der Liebling der Filmfestspiele von Cannes, Rebecca Zlotowski. Indem sie dies und jenes analysiert, kreiert die Regisseurin einen gelungenen Genre-Cocktail aus Psychothriller und Familiendramödie mit einer Prise dosierter Spannung und perfekter Chemie zwischen den Hauptfiguren. Wie der Film geschickt mit dem Erbe von Alfred Hitchcock und Woody Allen flirtet. Warum sich hinter der Geschichte einer Psychotherapeutin in Not ein schwarzer Fleck auf dem früheren Leben Frankreichs verbirgt und wohin Gedankenspiele führen können, erzählen wir in unserem Artikel.

Clarissa – heute

Lilian Steiner (Jodie Foster) ist eine lebensmüde Psychotherapeutin in der Emigration. Längst geschieden, wechselt sie mit ihrem einzigen Sohn (Vincent Lacoste) nur noch Standardfloskeln, und zu ihren Patienten hält sie eine klare berufliche Distanz. Diese erwidern dies und sagen ihr ins Gesicht, dass die Therapie nicht geholfen habe und sie ihr Geld zurückhaben wollten.

Eines Tages erscheint ihre langjährige Patientin Paula (Virginie Efira) nicht zur nächsten Sitzung. Später erfährt Lilian, dass diese, nachdem sie verschriebene Pillen geschluckt hatte, überstürzt das Zeitliche gesegnet hat. Dieser unerwartete Tod wirft die Ärztin aus ihrer gewohnten Bahn und bringt sie auf den Gedanken, dass ihr zumindest nahestehende Menschen beim Sterben geholfen haben könnten. Mit ihrem Ex-Mann, einem Augenarzt (Daniel Auteuil), als Partner stürzt sie sich in alles, was schwer ist, und wird niemanden verschonen, um die „Familienverschwörung“ aufzudecken.

Die Psychotherapeutin, die zu viel wusste

„Privatleben“ wirkt zunächst so, als ob der große Meister des Horrors bei der französischen Regisseurin vorbeigeschaut und elegant seine wichtigsten filmischen Trumpfkarten aus dem Ärmel gezogen hätte: die tödliche Blondine, deren Tod zum Katalysator der gesamten Geschichte wird; eine Heldin, die aus ihrem gewohnten Lebensrhythmus fällt und in einen Strudel von Zweifeln gerät; geheime Zeichen und Bilder wie den alten bösen jüdischen Geist Dybbuk, der der Legende nach von einem Menschen Besitz ergreifen und sein Leben lenken kann. Diese unheimliche Symbolik verleiht dem Grusel ordentlich Punkte und lässt einen bis zum Abspann an die Leinwand fesseln.

Zur allgemeinen Atmosphäre der Trübung trägt auch der Kameramann des Films, Georges Lechaptois, bei. Die rechte Hand von Zlotowski seit ihren Debütarbeiten gönnt sich das Vergnügen, großzügig visuelle Zitate aus den wichtigsten Meisterwerken des Vaters der Spannung und Ihrer Albträume zu verstreuen. Zahlreiche Fahrten durch alte Pariser Wendeltreppen rufen natürlich ein Gefühl starken Schwindels hervor. Spiegelungen in Spiegeln halten die allmähliche Spaltung Lilians fest, und die Fülle an Totalen, vor denen die Psychotherapeutin ganz winzig wirkt, macht deutlich, dass sie nur eine Schachfigur in einem großen Spiel ist, dessen Ausgang bereits zu ihren Ungunsten vorbestimmt ist.

Morde in einem Gebäude: Mission Paris

Gegen Ende der ersten Hälfte wäscht Hitchcock seine Hände in Unschuld und übergibt die Zügel an Woody Allen. Der große Intellektuelle und Neurotiker des Weltkinos lässt es so richtig krachen. Der kalte und düstere Ton des Films weicht plötzlich einem Karussell von Varieté-Szenen, bei denen selbst der abgebrühteste Zyniker kaum ein Lachen unterdrücken kann. Die Ermittlungen der Ex-Liebhaber riskieren, in die Lehrbücher der komödiantischen Kunst einzugehen.

Die Hobby-Detektive stehlen mit unverfälschtem Abenteuergeist persönliche Gegenstände, brechen im Schutz der Nacht wie abgebrühte Gauner in fremde Häuser ein und finden dabei so viele Leichen im Keller, dass man sich wundert, wie weit sie bereit sind zu gehen, um der Wahrheit auf den Grund zu gehen und das alte Feuer der Liebe wiederzuentdecken. Manche werden sagen, sie hätten ähnliche Tricks in „Mord im Manhattan“ gesehen, und sie werden recht haben. Aber was ist schlecht an einer Neuauflage eines Klassikers, wenn sie immer noch so funktioniert wie vor 20 Jahren?

Und was wäre eine Hommage an Woody Allen ohne Witze über Psychotherapeuten und ihre Anhänger? Zlotowski sticht die „professionellen Zuhörer“ dezent für ihre häufige Gleichgültigkeit und ihr formelles Interesse, wenn ein weiterer problematischer Patient seine Seele ausschüttet. Der Vorwurf ist äußerst geistreich umgesetzt. In einem Moment lässt die „eiserne Lady“ Lilian unerwartet eine Träne fallen und kann den Prozess nicht mehr allein stoppen.

Als Antithese zu den rationalen und kalten Anhängern Freuds und Jungs stellt die Regisseurin eine weitere bekannte Allen-Figur – eine geheimnisvolle Hypnotiseurin. Die direkte Erbin des karikaturhaften Scharlatans aus „Der Fluch des Jade-Skorpions“ taucht abrupt in Lilians Leben auf und schickt innerhalb weniger Minuten die Psychotherapeutin selbst auf die Couch, wodurch sie deren lang aufgebauten Lebensweg radikal verändert. Vor jedem Weisen ist Einfachheit. Da kann man nicht widersprechen.

Ein kleines Pariser Orchester unter der Leitung von Vichy

„Privatleben“ hätte man einfach ein solides europäisches Dramödie für den Abend nennen können, das einen Ehrenplatz in einem Streamingdienst gefunden hätte, wenn da nicht das Thema des Fremden und der vergangenen Leben wäre. Das Bild des Außenseiters wird im Film von den stilvollen Anfangstiteln unter dem Song „Psycho Killer“ der Band Talking Heads an gelegt. Die kaum wahrnehmbare französische Phrase „Qu'est-ce que c'est“ im Refrain des komplett amerikanischen Tracks deutet an, dass die Heldin auf diesem Lebensfest überflüssig ist und hier nicht willkommen ist.

Darauf weist auch die Sprache der Psychotherapeutin hin. Die von Jodie Foster gespielte Heldin kommuniziert in perfektem Französisch. Hier macht sich die Vergangenheit der Schauspielerin bemerkbar: In jungen Jahren besuchte sie eine Sprachschule, wo sie die Sprache von Molière und Dumas perfekt beherrschte. Aber in den emotionalsten Momenten wechselt sie schnell in ihren westlichen Muttersprachduktus und befreit sich so von der aufgezwungenen Rolle in der modernen europäischen Gesellschaft, in die sie nie vollständig integriert werden konnte.

Bei dem Versuch, die Ursprünge des Fremden in der Persönlichkeit der Ärztin zu finden, greift Zlotowski das schmerzhafteste Thema der französischen Geschichte auf – das Vichy-Regime und die freiwillige Kollaboration der Pariser Behörden mit den Nazis. Dieses unangenehme, aber wichtige Gespräch bringt die denkwürdigste Szene des gesamten Films hervor, die einer Kamera von David Lynch würdig ist – Lilians surrealistischer Traum, in dem die Heldin, stellen Sie sich vor, in der Rolle eines jüdischen Cellisten in einem Orchester am Vorabend einer Polizeirazzia landet. Die verstorbene Patientin ist ihre Frau. Der untröstliche Witwer ist ein düsterer Dirigent mit einem Revolver statt einem Taktstock, und in der Rolle eines der umgeschwenkten Gendarmen ist ihr eigener Sohn. Interessant, was Freud dazu gesagt hätte?

Indem sie die mögliche frühere Inkarnation Lilians zeigt, demonstriert die Regisseurin, wenn auch in phantasmagorischen Tönen, nicht nur die unauslöschlichen Flecken auf dem Körper des bereits erneuerten Landes, sondern auch, dass die Identitätskrise und die anhaltende Depression zu weit mehr fähig sind, als Sie denken.

Ein Sketchabend in bester Tradition der französischen Komödie

Das Zuschauerinteresse an „Privatleben“ wäre nicht so stark gewesen, wenn nicht das überaus starke Casting für die Haupt- und Nebenrollen gewesen wäre. Die Parade befehligt die glanzvolle Primadonna Hollywoods, Jodie Foster. Nur die Faulen haben ihre Figur nicht mit der Visitenkarte der Schauspielerin verglichen – der legendären Clarice Starling aus „Das Schweigen der Lämmer“. Lilian Steiner ist kalt, rational, hat eine katzenartige Geschmeidigkeit, ist aber gleichzeitig furchtbar charmant in ihrer Rücksichtslosigkeit und in den Rennen mit ihren eigenen Kakerlaken im Kopf. Sie ist wie Sherlock Holmes, der aus dem wohlverdienten Ruhestand zurückgekehrt ist und nun bereit ist, mit doppelter Kraft mit der deduktiven Methode zu beeindrucken.

Ihr Partner ist Daniel Auteuil. Der französische Idol mehrerer Generationen übernimmt hier auf gentlemanhafte Weise die Watson-Parte und spielt den ewigen Begleiter des großen Detektivs in bester Tradition der französischen Komödien der 70er Jahre. Er ist unbeholfen in seinen Gefühlen, ein wenig albern, aber so aufrichtig in seinem Wunsch, selbst die verrückteste Idee seiner Frau zu verwirklichen, dass man manchmal sein Alter vergisst. So, ein schelmischer Teenager, ein junger Schlingel, und nur der schneeweiße Kopf erinnert an den Pass.

Angesichts der ungeheuchelten Ausgelassenheit und des inneren Feuers der verdienten Meister erinnert man sich an das Kult-Duo Richard und Depardieu in der Trilogie über die Pechvögel. Foster und Auteuil balancieren ebenfalls an der Grenze zwischen Komischem und Traurigem und verströmen eine Leinwandchemie, die eines frisch geprägten „César“ würdig ist.

In den Nebenrollen, aber nicht von geringerer Bedeutung, sind Virginie Efira, die Diva des modernen französischen Autorenfilms und Liebling von Zlotowski, und Mathieu Amalric, ein Mann mit tausend verdächtigen Gesichtern, der alle Schattierungen von Niedertracht und anderen menschlichen Lastern vermitteln kann.

Den Reigen schließen die ein Doppelleben führende Muse von Kieślowski, Irène Jacob, und Frederick Wiseman in der Rolle des spirituellen Gurus der Heldin. Für ihn war diese Arbeit die letzte. Das Glücksbringer der Regisseurin, kein Schauspieler von Beruf, sondern ein legendärer 96-jähriger amerikanischer Dokumentarfilmer, der keine Angst davor hatte, der Menschheit schmerzhafte Fragen zu stellen und das wahre Wesen ihrer unvollkommenen gesellschaftlichen Institutionen zu zeigen.

„Privatleben“ ist ein fröhliches Karussell, bei dem die Themen der inneren Krise und der Geheimnisse der Vergangenheit schnell vorbeifliegen. Zlotowski jongliert geschickt mit den Genres und holt das Beste aus ihnen heraus. Die Schauspieler genießen die geschenkten Momente und führen spielerisch schwierige emotionale Pirouetten aus. Die Anspielungen auf die cinephile Klassik fließen wie aus einem Füllhorn, wirken aber nicht wie eine eingeschobene Nummer. Nach dieser therapeutischen Komödie möchte man sich auf eine Bank setzen und einige Minuten schweigen für dieses Vergnügen – von einem guten Film bestohlen zu werden.