Contamos siete películas capaces de brindarte una experiencia de visualización incomparable.
En los cines de Rusia se estrenó — la nueva obra del visionario chino Bi Gan , galardonada con el premio especial del jurado en Cannes. Esta asombrosa y multifacética película de autor con una estructura narrativa inusual no se puede comprender completamente, solo se puede sentir. Los autores de «Después de los Créditos» han seleccionado para ti otras siete películas cuyo proceso de visualización es en sí mismo una experiencia cinematográfica única o, como se dice ahora, una experiencia.
El 22 de enero llegará a los cines rusos el triunfador del pasado Festival de Cannes, Bi Gan, con su «Resurrección». Contamos la premier más subversiva de este invierno.
Abrir material«Cléo de 5 a 7»
Esta película está contraindicada para personas ansiosas. En el corazón de «Cléo de 5 a 7» hay un experimento quirúrgicamente preciso sobre el tiempo, que registra el camino desde la predicción hasta su ejecución minuto a minuto. Es interesante que lo primero se captura en película en color como algo más allá de la percepción humana (o el presupuesto de la directora solo alcanzó para unos pocos carretes). Agnès Varda, a quien más tarde llamarían la «abuela» de la «nouvelle vague» francesa, se adentra en el territorio del realismo subjetivo. Aquí se nota el ya conocido estilo de actuación improvisado y el intento de capturar el momento fugaz. Los espectadores más atentos notarán en el episodio poético a Jean-Luc Godard, amigo de la directora.
La historia se desarrolla en estricta conformidad con el cronometraje. Toda la película, una hora y media de la vida de la no muy talentosa cantante Cléo, coincide exactamente con el tiempo real, violando la lógica del cine, donde las acciones de varios días, años, épocas pueden pasar en una fracción de segundo. El espectador, al igual que la heroína, se queda paralizado esperando los resultados de la prueba médica que determina el destino de la protagonista. El lenguaje visual de la película cambia junto con la óptica de la propia Cléo: desde la mirada narcisista de sí misma en los escaparates (objetivación) hasta la contemplación atenta de los rostros de los transeúntes (subjetividad). La película en blanco y negro resalta la gráfica de las calles parisinas y documenta cada paso. Parece demasiado sincero para ser verdad…
«Two-Lane Blacktop»
«Two-Lane Blacktop» del estadounidense outsider, favorito de Tarantino y genio incomprendido Monte Hellman — una película que, 60 años después, sigue siendo la encarnación viva de la libertad y el vacío que ninguna tormenta ni cataclismo temporal puede disipar.
Lo que más impresiona es cómo el director reforma ante nuestros ojos el conocido género de road movie. Habiendo perfeccionado su oficio en la reinterpretación del western clásico en el revolucionario «Fuga hacia la nada» y «Tiroteo», priva a otro gran género estadounidense de personajes en el sentido habitual. Los protagonistas aquí no son personas, sino funciones sin nombre; solo tienen apodos que indican su profesión (Conductor y Mecánico), y todas las conversaciones se reducen a características técnicas y términos automovilísticos. Ellos mismos se parecen más a automóviles que sus propios vehículos. Estos últimos de la tribu hippie ya se han fusionado para siempre con sus «Chevrolet» y «Buick» y corren a velocidades vertiginosas hacia lo desconocido, al encuentro de la nada, consumiéndose a sí mismos.
La pasión desenfrenada de los jóvenes por los autos de carreras — las drag races desenfrenadas — en Hellman actúa como una metáfora de la huida existencial de una nueva realidad ajena. Los años 60, libres y aparentemente eternos, se vieron inesperadamente empañados por la masacre de Sharon Tate y la campaña de Vietnam. Ya no hay ilusiones, y para retrasar la realidad, hay que pisar el acelerador a fondo y vagar eternamente por esta ruta 66 sin principio ni fin, recogiendo ocasionalmente a compañeros de viaje como Beckett, Salinger y Styron.
Para transmitir mejor el sentimiento de creciente alienación, el director recurre a menudo a largos planos generales con paisajes sin vida de campos interminables y gasolineras grises con personas como congeladas en el tiempo. Mientras que todas las escenas en el coche están filmadas a través de un cristal empañado, ya sea por la lluvia o por el polvo de la carretera. La realidad está distorsionada y retorcida como un automóvil tirado en la carretera después de un grave accidente.
«Mulholland Drive»
En su momento, me causó una impresión imborrable «Mulholland Drive» de David Lynch. Al encender esta película de culto con la esperanza de ver otro noir detectivesco sobre una chica perdida en Hollywood, en algún momento me di cuenta de que no solo estaba viendo una película de un director, sino que estaba directamente dentro de su mente inflamada, y por lo tanto no se debe esperar una lógica argumental estándar.
Lynch, como un mago, te hace seguir la mano en la que, en teoría, debería estar la moneda, y luego, inesperadamente, te quita la alfombra de debajo de los pies, dejándote a solas con el club «Silencio», el monstruo errante detrás de «Winkie» y el miedo inexplicable a un viejecito. La principal belleza de esta película es que, incluso más de veinte años después de su estreno, todavía no tienes respuestas a lo que sucede en la película, mientras que las preguntas, por su parte, se multiplican hasta el día de hoy. Es como «Pulp Fiction» del mundo de los sueños: nada está claro, pero es muy interesante, y cada vez te dan ganas de volver a verla.
«My Winnipeg»
«Bueno, sí, ¡habría sido el mejor jugador de hockey!», declaró Guy Maddin a la periodista Maria Baker en la presentación de la película, en la que asa a Isabella Rossellini en una silla eléctrica (y a ella, al parecer, incluso le gustó). Maddin ama a las actrices mayores: ellas bajan de las pantallas, se desprenden de la imagen proyectada, recuerdan la incorrección política de la época a la que pertenecen.
Ann Savage, una hermosa starlet pin-up que duerme sobre el pecho de un investigador en un noir detectivesco o se balancea en la silla de un joven vaquero o está muerta de miedo por los fantasmas, difícilmente podría haber supuesto que sería necesaria para el cine a sus 86 años. Guy Maddin filmó una historia personal pero inventada, un docu-fantasy sobre la huida de una ciudad de cabezas de caballo, hockey y sonámbulos, y necesitaba una figura materna ficticia, material de entrenamiento para la alienación.
«Winnipeg» — murmura en voz baja el narrador, acortando la distancia entre lo canadiense (público) y lo personal. Es a la vez un topónimo, un conjunto de sonidos y un conjuro. Winnipeg lleva consigo un simbolismo infinito. Es como «Oporto de mi infancia» de Manoel de Oliveira, como «Roma» de Federico Fellini, como casi todo lo que cae bajo la mirada de cuervo de Agnès Varda. Pero Guy Maddin es la mitad menos codicioso y el doble más perezoso, por lo que el canadiense no irá a conquistar: le resulta más fácil y barato fantasear.
«Silencio»
Poco después de terminar el trabajo en «La última tentación de Cristo» en 1988, Martin Scorsese leyó la novela del escritor japonés Shūsaku Endō «Silencio» y se entusiasmó con la idea de adaptarla al cine. La realización del proyecto se prolongó durante varias décadas, pero la película homónima, estrenada en 2016, sin duda valió la pena.
Esta película tiene una forma hipnótica única que nos sumerge en el tema central, la crisis de fe, a nivel físico y emocional, literalmente «de cabeza». Dos horas y media de diseño de sonido minimalista, prácticamente sin acompañamiento musical: solo ruido natural, olas, silencio y diálogos escasos, creando una sensación de aislamiento asfixiante, algo sobrenatural y al mismo tiempo familiar, de ansiedad y desesperanza.
El trabajo de cámara de Rodrigo Prieto con largos planos estáticos y el impresionante trabajo del elenco fijan esta experiencia en la memoria para siempre. Aunque la película tiene muchas escenas prolongadas de tortura y violencia, en el fondo sigue habiendo una quietud contemplativa. Una poesía cinematográfica trascendente fascinante y sin concesiones brutal que mantiene cautivo desde los primeros minutos hasta los créditos finales. E incluso después de ellos, parece quedarse contigo, como un día frío y sombrío que cala hasta los huesos.
«Recuerdo»
Un tímido deambular sin trama por los recovecos y pliegues de la memoria. «Recuerdo» de Vladislav Zaitsev es un cine documental que no pretende ninguna fijación objetiva. En lugar de una historia, se convierte en un catálogo de impresiones, momentos apenas perceptibles, sin principio ni fin, que parece que se pueden hojear en cualquier orden. En algunos fragmentos, muy tempranos, hay mucho ruido, resplandor, voces y sonidos confusos, mientras que en otros, más tardíos, aparece de repente un contorno, y en lugar de contornos aterradores, surgen bocetos concretos. No están dispuestos en un orden estrictamente cronológico, fluyendo suavemente de uno a otro, del final del invierno a la primavera. La mesura, la fluidez, la falta de concreción hacen que estos recuerdos sean universales.
El objeto de estudio es la infancia. Fragmentos de un paseo en pleno invierno en un parque, donde debido a la nieve y la antigüedad de los años, los objetos se difuminan. Caleidoscopio de un carrusel con eco de risas. El azul ceniciento de una mañana de enero, a través de cuya melancolía hay que llegar a la escuela. Una lámpara de pie amarilla, estampitas y armarios polvorientos en el apartamento de la abuela, un reloj de pared hipnótico. Algo de esta lista seguro que recuerdas.
«Bajo fuego»
La singularidad del último trabajo de Alex Garland radica en que «Bajo fuego» es cine bélico de pura cepa, una contemplación casi imparcial de las acciones militares, recreadas en la pantalla con una precisión documental aterradora. El director británico y su coautor Ray Mendoza, participante de los eventos mostrados en la película, no alaban a nadie ni maldicen nada, evitan consistentemente cualquier moralización y dejan fuera todo el lastre emocional-lírico, incluidas las historias personales de los héroes.
Por un lado, este enfoque reduce a los personajes-soldados al nivel de siluetas anónimas apenas distinguibles entre sí, a las que hay que empatizar simplemente por el hecho de que están en el encuadre. Y para colmo, además hablan en un lenguaje operativo-táctico, solo de vez en cuando intercalando jerga militar y chistes. Por otro lado, es precisamente este efecto el que buscaban los creadores de la cinta. Aquí no hay discursos pomposos antes de la batalla, ni fotos dobladas de familiares en el bolsillo, ni un suministro interminable de municiones, ni sacrificios «según el horario», ni balas trazadoras en cámara lenta. Garland demostró que el realismo severo, respaldado por una poderosa banda sonora y visual, contribuye mucho mejor a la inmersión que los clichés y estereotipos que han perdido toda credibilidad.
Con todo esto, «Bajo fuego» también se destaca significativamente en comparación con otros trabajos del autor, en cuyo arsenal invariablemente figuraban simbolismo religioso, pasajes filosóficos, mezcla de géneros, poética compositiva y fuertes personajes femeninos. Y aunque esta obra aún incita a la reflexión después de verla, su principal valor radica en la oportunidad de vivir una experiencia cinematográfica excepcional que ninguna otra drama bélico puede ofrecer.
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