Desde modestos dramas de festival hasta éxitos de animación y documentales resonantes: seguimos compartiendo nuestras películas favoritas de 2025.
En 2025 se estrenaron muchas películas destacadas, pero la lista elaborada mediante votación editorial no pudo incluirlas todas debido al número limitado de puestos. Los autores de «Después de los Créditos» decidieron hacer justicia y contar las películas que, en su opinión, quedaron injustamente en la sombra.
Desde «Batalla tras batalla» con Leonardo DiCaprio hasta «Pecadores» de Ryan Coogler: las mejores películas de 2025 que demostraron que el cine de autor aún puede sorprender y el espectador
Abrir material
«Luna azul» es exactamente el tipo de cine que Richard Linklater e Ethan Hawke saben hacer mejor que nadie. Es una historia íntima de una noche, donde cada réplica es como una confesión y cada pausa vale más que cualquier monólogo. La novena colaboración entre el director y el actor se convierte en un conmovedor retrato de un genio en su ocaso: el autor de las letras Lorenz Hart, que pasa la noche de marzo de 1943 en un bar mientras su exsocio Richard Rodgers recibe ovaciones por el estreno de «Oklahoma!». Linklater exprime al máximo una sola localización: humo de cigarrillo, tintineo de copas, observaciones sarcásticas sobre «Casablanca» y la amargura de un hombre que sabe que su era ha terminado.
La película explora la fragilidad del artista, el dolor del rechazo profesional y romántico, y lo hace con la melancolía característica del director, que convierte las conversaciones en música. «Luna azul» no intenta heroizar a Hart: lo muestra roto, ingenioso, aferrándose desesperadamente a las ilusiones, y precisamente por eso conmueve hasta los huesos. Es una despedida honesta de una leyenda olvidada (para los fans de Broadway), filmada con tal ternura y comprensión que es imposible no dejarse llevar. En un año en que el gran cine grita cada vez más, Linklater susurra, y se le oye más fuerte que a nadie.
En nuestro top editorial, lamentablemente, no había ninguna película de animación. No es de extrañar, ya que 2025 resultó bastante pobre en largometrajes animados de calidad, pero se podría haber incluido un diamante. Por supuesto, hablamos de «Las cazadoras de demonios del K-pop», un verdadero éxito de Netflix y Sony Pictures Animation que ya se prepara para convertirse en una franquicia de larga duración. Así que en un futuro próximo esperamos el estreno de la secuela, que ya está oficialmente en desarrollo.
Una simple historia de amor y la lucha del bien contra el mal conquistó instantáneamente millones de corazones. Los creadores combinaron magistralmente la mitología coreana, la estética asiática y un álbum entero de increíbles temas de K-pop (Your Idol es una locura, desde pequeño soy fan del K-pop). Antes del estreno, nadie podía imaginar que un proyecto con ese nombre resultaría no ser una broma barata de streaming, sino casi el principal candidato a prestigiosos premios en las categorías de «mejor canción» y «mejor película de animación». Pues bien, se puede afirmar con seguridad que todos los trofeos están más que merecidos.
«Bugonia» de Yorgos Lanthimos dividió a la crítica del Festival de Cine de Venecia en dos bandos. Unos decían que el director ya no era el mismo, que no volveríamos a ver un «Canino» o una «Langosta». Otros afirmaban que marinar al espectador y liberar las emociones en el último tercio de la película es propio de la «nueva ola griega». La constelación de Emma Stone y Jesse Plemons brilla en el firmamento de la fama mundial y no planea desaparecer al amanecer. Los actores vuelven a interpretar a cómplices y rivales a la vez. Es la historia de un narrador poco fiable que obliga al espectador a captar interpretaciones y construir sus propias teorías.
Aquí todo depende de la óptica: o Teddy es un secuestrador loco, o Michelle es una representante de una raza extraterrestre. En cualquier caso, el mundo está en peligro. La interpretación unívoca se encuentra en la comedia de ciencia ficción coreana «Salvar el planeta verde», en la que se basó «Bugonia». Sin embargo, la crisis de la humanidad y el significado de las abejas son mérito de Lanthimos. Él también obliga al espectador a contener la respiración tras un desenlace ensordecedor y abandona temporalmente el puesto de director. Después de verla, dan ganas de comprobar los tobillos de la élite mundial: ¿no serán demasiado estrechos?
Pedro Almodóvar hace tiempo que se ha afianzado en el arte cinematográfico como una forma de aplicarlo a la realidad: las obras del español no son eventos, sino existencia. Son regulares, les cuesta ceñirse a un contenido puramente dramático, incluso si está declarado en el guion. Su visión como director, clara y nítida, no pretende ser total. Sus mujeres son fuertes pero no autoritarias, su comedia es absurda pero terrenal, su España es colorida y romántica, pero real en su falta de pulcritud y rudeza.
En el caso de «La habitación de al lado», Almodóvar no está ni en Madrid ni en España, sino en el estado de Nueva York, la ciudad de Woodstock al noroeste de Kingston. Sus mujeres, por supuesto, son fuertes, pero una de ellas está terminalmente enferma. La comedia del director se ha vuelto tan tenue que prácticamente no existe. Las últimas horas de vida de una periodista (Tilda Swinton) junto a una amiga invitada (Julianne Moore), un amante común (John Turturro) relegado a un segundo plano por las heroínas y el autor, los colores flamencos de los trajes sueltos y los elementos de interior: Almodóvar ha encontrado nuevos tonos e imágenes que antes no le pertenecían para expresar en su idioma el mensaje del posmodernista irlandés James Joyce: «Es mejor pasar audazmente a otro mundo en la cresta de alguna pasión que marchitarse y apagarse miserablemente con los años».
Un solucionador solitario (Riz Ahmed) en los decorados glamurosos de Nueva York rescata a una clienta (Lily James) de las manos de mercenarios corporativos que buscan documentos comprometedores. Entre el salvador y la salvada se establece un sutil juego de mutua sospecha y revelaciones, en el que inesperadamente surge un sentimiento incipiente. Del trabajo de David Mackenzie («Por cualquier precio»), que regresa al gran cine tras una larga pausa de seis años, por supuesto se espera algo contundente y significativo. Y el director cumple esas expectativas: un thriller de espías claramente construido con todos los atributos necesarios del género, que fácilmente se sitúa a la altura de clásicos como «Los tres días del Cóndor» o «El agujero».
En amplio estreno, la pequeña obra maestra del autor de «Por cualquier precio», David Mackenzie: «El despachador». Por qué la película merece ese título, en nuestra reseña.
Abrir material
Mínima reflexión, máximo trabajo intelectual y un poco de romance extremo: una receta casi perfecta para un cine memorable del que no da vergüenza parecer ligeramente anticuado, pero que aún resiste bien el embate de las tendencias modernas de la industria. Riz Ahmed, parece, puede interpretar cualquier cosa solo con la mirada; Lily James es una mujer solitaria que necesita protección y cuya vida de repente da un giro vertiginoso; Sam Worthington es un perro de caza retirado pero perfectamente adecuado para el papel. «El despachador» atrapa la atención no solo por su apasionante trama, sino también por las actuaciones. Y también hace que uno vuelva a verla una y otra vez. En resumen, como solía decir Panikovski: «Se nota de inmediato: es cine de antes».
No es casual, sino bastante lógico, que la distopía de Stephen King, escrita por él en plena campaña de Vietnam, fuera llevada a la pantalla precisamente en 2025. «La larga marcha», aunque pierde en inventiva frente a buena parte de los análogos del género y no sigue en todo la letra de la fuente original (que, en mi opinión, está desactualizada en algunos aspectos), representa un ejemplo de thriller de alto concepto bien construido, cuya principal ventaja reside en la exposición exhaustiva del mensaje del autor. La película de Francis Lawrence no es un conjunto de moralejas especulativas sobre la dictadura, la naturaleza humana, la influencia nociva del capitalismo en la psique o el colapso del llamado «sueño americano», sino una declaración de interpretación inequívoca.
A diferencia del coreano «El juego del calamar», que se quedaba en la memoria gracias a su estética chillona y estridente, o «Los juegos del hambre» con su abundancia de atributos característicos de la ciencia ficción juvenil de los 2010, esta película ni siquiera presume especialmente de su componente de atracción. No es una «batalla real» con trasfondo satírico, sino una crónica sombría del pisoteo de la dignidad humana, donde jóvenes exhaustos, cubiertos de sangre, sudor y barro, son conducidos al matadero bajo el ensordecedor tableteo de las ráfagas de ametralladora, cada una de las cuales marca la eliminación de un atleta. En «La larga marcha», sin embargo, también hay destellos de luz, que emanan principalmente del personaje interpretado por David Jonsson, pero son demasiado raros y fragmentarios para dar esperanza a los héroes y al público. Y sí, es la segunda adaptación de una obra de Stephen King después de «La niebla» de Darabont en la que el final modificado supera con creces al del libro.
Todo lo que sabía sobre Chris Hansen y su programa antes de ver «Depredadores» de David Osit, lo aprendí del episodio de «South Park» Le Petit Tourette (temporada 11, episodio 8). Supongo que esa es otra razón por la que este documental me causó tanta impresión. ¿Cuál era la esencia del proyecto de Chris To Catch a Predator? Su equipo, junto con la policía y «cebos vivos» (adultos que parecen adolescentes), rastreaban a adultos que iniciaban conversaciones en redes sociales con quienes percibían como menores y los llevaban a una reunión bajo la supervisión de las autoridades. A los espectadores se les mostraba la conversación del presentador con los protagonistas y su posterior detención, destacando el carácter preventivo de estas acciones para proteger a los niños.
Para Estados Unidos, este programa se convirtió en una especie de marca de la época, y Chris Hansen en una figura reconocible de la cultura pop (además de «South Park», el presentador fue mencionado y parodiado en decenas de programas y sitcoms). Sin embargo, To Catch a Predator no era un programa independiente, sino una serie de reportajes especiales de investigación dentro del programa de noticias y documentales Dateline NBC. Para 2007, 19 de las 25 horas más vistas en MSNBC correspondían a repeticiones nocturnas. NBC canceló el programa ese mismo año tras un gran escándalo (nos saltaremos los spoilers) y las crecientes críticas al formato. Acusaban al programa de provocaciones y posibles violaciones de los derechos de los sospechosos.
David Osit llegó a la creación de Predators al darse cuenta de que en torno al antiguo segmento televisivo se había formado toda una comunidad de fans, archiveros e imitadores, desde «cazadores» de YouTube hasta subreddits que viven de ello, coleccionando versiones completas y no emitidas de las «emboscadas». Otro punto de partida fueron las preguntas. ¿Cómo es posible que un programa desaparecido de la parrilla hace más de 15 años siga circulando por Internet en forma de memes y republicaciones, y no se convierten los espectadores que revisan y difunden esas imágenes en parte de esa misma humillación pública?
El resultado es uno de los mejores documentales de los últimos años, que no deja espacio para la «huida moral». Nos permite sentir por nosotros mismos dónde termina el periodismo y comienza la explotación de la desgracia ajena. Y cómo un proyecto televisivo, concebido originalmente como un medio de protección y advertencia, con el tiempo comienza a someterse a las leyes de la dramaturgia y los índices de audiencia. El foco del documentalista ya no está solo en el presentador, sino también en cómo el canal construye la historia, calcula el grado de impacto y crea en pantalla una imagen cómoda del «depredador modelo».
No se nos muestran escándalos aislados, sino todo un ecosistema: medios, policía, activistas y público que se alimentaron mutuamente (y seguirán alimentándose) de la existencia de este formato. Poco más de una hora y media se ve de un tirón, despertando una curiosidad primitiva y multitud de emociones, incluida la de lo fácilmente que la vergüenza, el dolor y el miedo ajenos se convierten en contenido sensacionalista.
Uno de los estrenos más silenciosos del año pasado fue la comedia dramática «Código 3» de Christopher Leone, que narra la historia de un paramédico de ambulancia, interpretado por Rainn Wilson, conocido por la mayoría del público por su papel de Dwight en la icónica sitcom «The Office». A primera vista, el tono divertido de la narración y el intérprete principal crean juntos una sensación de ligereza y despreocupación durante el visionado. Sin embargo, ya el planteamiento de la película deja claro que estamos ante una persona que sufre una profunda depresión en su trabajo.
Rainn Wilson ha demostrado, quizás, uno de los mejores trabajos actorales de su carrera. Apoyándose en su registro bufonesco, juega magistralmente con el contraste entre la ironía y el drama, mostrando toda la profundidad de los sentimientos y las vivencias con una sola mirada. El personaje que encarna está lleno de desesperación, cinismo e indiferencia, pero al mismo tiempo parece extremadamente humano, provocando una sincera compasión y comprensión. Muchos señalan acertadamente el parecido de la película «Código 3» con el duro drama de Jean-Stéphane Sauvaire, ya que ambas cintas abordan temas sinónimos. Solo que, a diferencia del noir naturalista con Sean Penn, la tragicomedia de Christopher Leone regala a los espectadores la esperanza de un futuro brillante, que tanto falta en nuestro mundo permanentemente inestable.
Llega a los cines rusos la adaptación del bestseller «Moscas negras», participante del Festival de Cannes del año pasado: el impactante thriller «La jungla de asfalto» con Sean Penn y Ta
Abrir material
Según la trama de la película «Cuesta abajo», Aurora (la maravillosa Joana Santos) emigró de Portugal a Escocia en busca de una vida mejor y consiguió trabajo en un almacén del equivalente local de Wildberries. Con la vida mejor no funcionó, y día tras día solo busca productos que clasificar y enviar. Tanto ella como sus compañeros entienden que, en general, no se puede vivir así: incluso los robots encontrarían insoportable ese trabajo, y Aurora es una persona viva con intereses, sentimientos y aficiones. Estos, sin embargo, apenas los vemos: la persona se adapta al entorno, y la única forma de adaptación en las condiciones de vida de Aurora es silenciar las emociones, renunciar al ocio, dejar de ser, en cierta medida, ella misma.
El drama de Aurora es cotidiano, en su vida no hay tragedias, eventos que sea fácil clasificar como tales y lamentarse por ellos, porque toda su vida, vista desde cierto ángulo, es una tragedia. De desarraigo, desconcierto, migración interior hacia una melancolía sin esperanza. El debut de Laura Carreira no en vano se compara con el cine de Ken Loach: al igual que al principal socialista británico, le preocupa la destrucción interna del ser humano en el contexto de la crisis externa de la sociedad. Pero donde en Loach siempre se vislumbra el pathos de la solidaridad de clase, en Carreira hay una melancolía bastante tierna de los episodios cotidianos. Un amor no correspondido por un polaco bonachón (una excelente escena en el bar), una cicatriz en el brazo de una vendedora sociable, una ración extra de estofado en momentos de hambre; en última instancia, la simple bondad.
Comentarios
0Aún no hay comentarios.