Desde 'Batalla tras batalla' con Leonardo DiCaprio hasta 'Pecadores' de Ryan Coogler, les presentamos las mejores películas de 2025, que demostraron que el cine de autor aún puede sorprender y que el cine de público puede ser creativo.

2025 resultó ser ese raro año en el que críticos y público coincidieron casi unánimemente, y eso ya es una sensación en sí mismo. En una era de secuelas y franquicias interminables que exprimen hasta la última gota de creatividad del cine, ocurrió un milagro: el cine de autor no solo sobrevivió, sino que se hizo oír. Desde la épica de casi tres horas de Guillermo del Toro sobre un famoso científico y su monstruosa creación, hasta la estilizada película de vampiros de Ryan Coogler con dos Michael B. Jordan, el año fue inusualmente diverso. Paul Thomas Anderson nos recordó por qué sigue siendo el principal formalista del cine moderno, Mike Flanagan volvió a adaptar brillantemente a Stephen King, y Park Chan-wook rodó una comedia desternillante. En la redacción de 'Después de los Créditos' vimos todo lo que pudimos conseguir (legalmente y no tanto), discutimos hasta quedarnos roncos y finalmente elaboramos una lista de las películas que definieron el año en el cine. Estamos seguros de que no adivinarán al líder de nuestro top hasta el final.

10º lugar – 'Sueños de trenes'

El director Clint Bentley, a quien muchos recuerdan como guionista de 'Sing Sing', tomó la novela de Denis Johnson y la convirtió en una declaración meditativa sobre lo fácil que la historia olvida a una persona, incluso cuando esta la construye con sus propias manos. La película debutó en Sundance, entró en el top 10 de las mejores películas del año según la National Board of Review y el American Film Institute, y Joel Edgerton recibió una nominación al Globo de Oro, todo merecidamente.​

La acción transcurre a principios del siglo XX, en las montañas de Idaho, donde el leñador y ferroviario Robert Grainier (Edgerton) pasa meses desaparecido en el trabajo: talando bosques, colocando traviesas, construyendo puentes. Estados Unidos se industrializa rápidamente, los trenes de vapor rugen, aparecen los automóviles, y Robert se queda en algún lugar al margen de este progreso, viviendo una vida sencilla y tranquila junto a su esposa Gladys (Felicity Jones). Tras una tragedia familiar, se convierte en un ermitaño, testigo de muchas décadas de la historia estadounidense que pasa a su lado, como esos mismos trenes a través de los bosques.​

'Sueños de trenes' es un cine que demuestra que se puede contar una historia fascinante sin una trama convencional (básicamente, un hombre trabajó, se casó, murió: toda la trama de la película). No hay giros dramáticos ni escenas de acción, pero hay una fotografía impresionante, la banda sonora de Nick Cave y la actuación de Edgerton que pone la piel de gallina. Es una película-sensación, donde cada fotograma está impregnado de melancolía y la belleza de la naturaleza salvaje, y el protagonista se hace exactamente las mismas preguntas sobre el sentido de la vida que nosotros ahora. Pausada, profunda, a veces pesada, pero es precisamente ese cine el que cala hondo en el alma.

9º lugar – 'Frankenstein'

El 'Frankenstein' de Guillermo del Toro no cambia las reglas del juego establecidas por la novela de Mary Shelley. Se siente cómodo, como hace doscientos años, vistiéndose de gótico, superando el escepticismo y la incredulidad ajenos, pero ya no apelando a los recursos 'bajos' de lo sensual (el miedo y el horror), sino gracias a una disposición inusual de elementos que la humanidad ha asimilado hace tiempo. Creadores, muchos creadores rodearon a Mary Shelley: su esposo Percy Shelley, Lord Byron, una madre feminista progresista y un padre filósofo egocéntrico. La escritora escuchó los suspiros nobles de decenas de Víctor Frankensteins, incluido el que habitaba en su asombrosa cabeza. Escribir y ser perseguido por la propia creación, tentarse y asumir la responsabilidad: las angustias del autor que accidentalmente creó un monstruo.

Guillermo del Toro ha lanzado al mundo todo un bestiario de criaturas, demostrando que es otro Prometeo, otro Dios que pone a prueba, pero ¿le satisface esa posición? El director mexicano ha dejado claro en repetidas ocasiones que no solo está con quienes dan vida contra su voluntad, sino también con quienes viven esa vida. Guillermo del Toro es un monstruo, por eso sus pensamientos visitan constantemente formas de vida desconocidas (el hombre anfibio, Pinocho) o personas marginadas (Elisa Esposito de 'La forma del agua', Ofelia de 'El laberinto del fauno').

Quizás esto influyó en cómo resultó el 'Frankenstein' de 2025. Sigue siendo sombrío en su elegancia de formas muertas, pero ya en nombre de la creación, no del creador. La criatura habló de sí misma, denunciando a Víctor, y obtuvimos una nueva representación de la monstruosidad. La trama eterna de Mary Shelley tiene derecho a permanecer inmutable, pero el nuevo siglo no carece de autoridad para reconfigurar las narrativas según las necesidades del hombre moderno. No solo Dios, sino también Adán; no solo el autor, sino también el libro; no solo el padre, sino también el hijo.

8º lugar – 'Lo siento, cariño'

Eva Victor en su debut se atrevió a dar un paso muy audaz: escribió y dirigió una película en la que ella misma interpretó el papel principal. Al ver 'Lo siento, cariño', muy pronto queda claro que ningún otro actor del mundo podría haber encarnado el papel principal como lo hace la propia directora. Su actuación no se parece a una interpretación común, sino más bien a una vivencia pura del personaje.

Agnes es profesora de literatura en la universidad y lleva un estilo de vida muy ascético y solitario. Pronto entendemos que lleva mucho tiempo en una profunda depresión tras un evento traumático determinado. Parecería que una descripción así de la trama invita a un espectáculo extremadamente sombrío, moralizante y pesado. Pero Eva Victor sorprende al espectador evitando los estereotipos.

Creó una película que no habla tanto de la oscuridad de la desesperación y el horror del trauma, sino de cómo una persona maneja esas experiencias. De cómo la luz penetra gradualmente en la oscuridad. En esta narración pausada y a veces fría, el valor del calor que se puede encontrar en la amistad, en un simple desconocido o incluso en un gatito callejero se manifiesta con especial claridad. La película 'Lo siento, cariño' dice que las cosas terribles son inevitables, pero cuando hay alguien con quien compartir tu dolor, todo se vuelve reparable.

7º lugar – 'La vida de Chuck'

'La vida de Chuck' es quizás la película más edificante y amable basada en Stephen King. Mike Flanagan, que ya ha adaptado al maestro en dos ocasiones, transforma cuidadosamente un pequeño relato del maestro del terror en un cine conmovedor e inspirador. La cinta tiene un toque de misticismo y una sensación de inexplicable, pero, sobre todo, la película atrapa a nivel de sentimientos y emociones. Deliberadamente no quiero decir ni una palabra sobre la trama: es uno de esos casos en los que es mejor ver la película con la mente despejada.

Un bono agradable fueron los numerosos cameos de los favoritos de Flanagan, las referencias a Carl Sagan, la aparición irónica del propio director en pantalla y, por supuesto, el número de baile del incomparable Tom Hiddleston.

'La vida de Chuck' es una película que recuerda el valor de la vida en cada uno de sus momentos y manifestaciones, y es un recordatorio muy tierno e importante, especialmente en los tiempos actuales.

6º lugar – 'Siraat'

Quizás no hubo en 2025 una película más inquietante, actual y resonante con el espíritu de la época que la que el español Oliver Laxe trajo a Cannes. Una parábola meditativa, casi onírica, sobre deambular por el desierto marroquí con una hipnótica banda sonora rave que, al final, resulta ser una cita absolutamente despiadada con la realidad para el espectador. 'Siraat' en el tercer acto toca a rebato con una furia tan desaforada y que no admite otras interpretaciones, que no quedan dudas sobre lo que el autor intenta decir o por qué esta obra ha visto la luz precisamente ahora.

Laxe habla abiertamente y sin rodeos del fin del mundo, pero hasta cierto momento lo mantiene en un segundo plano, como telón de fondo de la historia principal, como algo casi cotidiano que ocurre en paralelo o, quizás, ya ha sucedido. Vemos un mosaico de imágenes dispares pero reconocibles: coches destrozados, multitudes de refugiados, surcos de orugas en la arena, montones de casquillos de bala, escalofriantes (pero poco informativos y que no interesan especialmente a los personajes) partes de radio, y rostros de lugareños congelados en un horror mudo, como si el infierno se hubiera abierto ante ellos. Ya sea bailando hasta caer rendido o huyendo sin mirar atrás, el viaje alucinante (en el contexto de la cinta, ambos significados son válidos) no protege de la tormenta.

¿Acaso los fiesteros entregados al escapismo, bailando despreocupadamente justo sobre un campo minado, no son el retrato más preciso de nuestra sociedad (y especialmente de la gente del mundo del arte) en 2025?

5º lugar – 'Las herramientas'

De repente, de una clase escolar desaparecen todos los alumnos sin dejar rastro, excepto un niño. En un tranquilo pueblo comienza el pánico: ¿qué o quién pudo haber causado la desaparición masiva? Investigar el misterio recaerá en figuras inesperadas: una maestra que intenta ahogar la culpa y el horror en alcohol (Julia Garner), el padre de uno de los desaparecidos (Josh Brolin), y varios residentes cuya vida tranquila en los suburbios estadounidenses se convierte de repente en una pesadilla que rompe todas las reglas habituales.

'Las herramientas' de Zach Cregger ('Barbarian') es ese raro caso en el que una película, que casi instantáneamente se convirtió en un éxito de taquilla, también aspira al estatus de clásico moderno del género. La han diseccionado, han discutido sobre ella, ha dado motivo para volver a hablar del renacimiento del terror de autor, capaz de cautivar tanto a críticos de cine como al público masivo. La película se distingue por las ambiciones de un sólido detective y las maneras de Osgood Perkins y Stephen King. La cinta mantiene hábilmente la tensión, asusta de verdad, a veces confunde deliberadamente, pero eso solo la beneficia.

Es, sin duda, el gran terror del año, donde el experimento de género se combina audazmente con una elegante parábola sobre la adicción dañina. Y está hecho con tanta maestría que todos los significados y referencias cuidadosamente ocultos se pueden pasar por alto fácilmente la primera vez. La tía Gladys es otro cantar. Una nueva y digna incorporación a la colección de monstruos fascinantes. Su imagen funciona al cien por cien, incluso si no entiendes del todo qué representa. Sin embargo, en un buen terror, esa inquietante ambigüedad es su principal fortaleza.

4º lugar – 'El método de eliminación'

Yoo Man-soo (Lee Byung-hun) es un especialista de alto nivel con veinticinco años de experiencia en la industria papelera. Dueño de una casa familiar reformada y un padre de familia ejemplar, está seguro de la solidez de su mundo. Por eso, el repentino despido es un verdadero shock para él. Meses de búsqueda infructuosa de trabajo se convierten en una amenaza de perderlo todo. Desesperado, Man-soo llega a una solución radical: eliminar físicamente a sus principales competidores, otros desempleados cualificados y desesperados como él.

En comparación con panfletos mordaces como 'Eddington' de Ari Aster, 'El método de eliminación' de Park Chan-wook resulta sorprendentemente íntimo. Formalmente, también es una sátira del capitalismo con sus absorciones, IA y demonios corporativos. Pero el director muestra sabiduría oriental: le interesa más no el sistema, sino cómo sus fallos se reflejan en el microcosmos de una familia en particular. La crisis llega cuando los hombres, que nadaban en la estabilidad, tras el despido se encuentran al borde del abismo. Sus esposas deben decidir: estar con ellos hasta el final, haciendo la vista gorda a sus crisis. O, cuando la situación llegue a un punto de ebullición, deshacerse físicamente del 'activo' problemático.

Es precisamente a la mitad femenina a la que Park Chan-wook sigue con más atención, apagando deliberadamente el diapasón moral y permaneciendo como observador externo. Al final, el punto más fuerte de la película no es su venenoso ímpetu satírico, sino el sutil drama de producción sobre personas que se encuentran en el epicentro de la caída. Inesperado, pero cierto: en un año de panfletos ruidosos, una de las obras anticapitalistas más convincentes resultó ser una historia sobre la familia.

3º lugar – 'Pecadores'

En comparación con otros grandes y ruidosos estrenos de finales de 2025, 'Pecadores' de Ryan Coogler pareció perderse un poco, pero es realmente uno de los triunfos más extraños (en el buen sentido) y profundos del año. Y el último bastión de ideas originales entre los blockbusters de estudio. La película se estrenó en todo el mundo durante el fin de semana de Pascua y se convirtió en un milagro que ni Hollywood ni el público esperaban. Recaudó 368 millones de dólares en taquilla mundial y se convirtió (en ese momento) en la película original más taquillera de los últimos 15 años, así como la décima más taquillera entre las películas con clasificación R de la historia.

Creo que uno de los secretos principales es que una narrativa aparentemente local sobre el Sur de la década de 1930 en la era de Jim Crow se convierte en un mito universal sobre la preservación de uno mismo contra la asimilación 'inmortal'. Esto resuena en cualquiera que haya sentido alguna vez la pérdida de identidad y 'raíces', o la necesidad de luchar por ellas.

Para mí, todo en esta película es maravilloso, pero la increíble música compuesta por Ludwig Göransson, que es la verdadera protagonista, funciona como un desfibrilador para el alma: desde el blues, con la impresionante voz de Miles Caton, para quien el papel en 'Pecadores' fue su debut cinematográfico (aunque es casi imposible de creer), hasta motivos irlandeses, y una de las mejores bandas sonoras originales de los últimos diez años.

No es un reinvento del cine de vampiros; de hecho, ni siquiera es terror. En la era actual de películas palomeras con mensajes impuestos evidentes que simplemente dejan de funcionar porque no hay alma detrás de su creación, una historia tan reflexiva y personal que, además, logra hacer sentir algo a tantos espectadores en todo el mundo es un soplo de aire fresco. Todo esto convierte a 'Pecadores' en una experiencia que últimamente no ocurre a menudo. Exageración o no, pero estoy segura de que hablaremos de esta película durante muchos años.

2º lugar – 'Batalla tras batalla'

Paul Thomas Anderson rehízo 'Buscando a Nemo' (si eres fan de los clásicos, 'Centauros del desierto') con un tomo de Thomas Pynchon en las manos. En la versión del director, la trama clásica de un padre algo paranoico y perdido que intenta salvar a su hijo (en este caso, hija), en realidad mucho más adaptado a la vida, se convierte en una gran novela americana. El padre interpretado por Leonardo DiCaprio no puede aceptar un mundo en el que él es una reliquia de una época pasada; los nazis buscan amor y reconocimiento; los revolucionarios de ayer salvan, aunque con una increíble torpeza, el día de hoy. Por doquier hay desconcierto, miedo a perder los ideales con los que los héroes, por regla general, también se pierden a sí mismos.

La adaptación directa de la prosa de Thomas Pynchon en la carrera de Anderson fue 'Vicio inherente', pero es precisamente en 'Batalla tras batalla', solo inspirada en Pynchon, donde el director se permitió la ligereza, logró reflejar la exuberancia del estilo del escritor, el absurdo que se convierte en melancolía de sus novelas. Monjas con ametralladoras; la histeria de DiCaprio al olvidar la contraseña secreta; el sensei de kárate (el gran Benicio del Toro) bailando durante la detención. 'Batalla tras batalla', como las mejores obras clásicas, es terriblemente fascinante, dan ganas de volver a verla casi de inmediato. Y solo por eso ya gana a esa realidad a la que, según dicen, critica.

1º lugar – 'Valor sentimental'

2025 arde en llamas de dramas familiares. Así, entre rivales ruidosos, a veces irónicos, 'Valor sentimental' conquista al espectador con su pureza sincera. Parece que la película respira con ella desde el primer fotograma hasta el último, comenzando con un prólogo sobre la historia de una casa y sus detalles insignificantes, y terminando con un final abierto donde la interpretación de la relación de los personajes principales queda fuera de plano.

'Valor sentimental' es especialmente terapéutico de ver con los seres queridos, porque son precisamente a ellos a quienes queremos entender y perdonar en el año que termina. Si a la idea de la misericordia mutua le sumamos el dúo actoral de Renate Reinsve y Stellan Skarsgård, no quedan dudas de que esta es la mejor película del año.