¿Te gustó «El desprecio» de Godard? Mira otras 5 mejores películas sobre el detrás de escena de la industria cinematográfica: desde la comedia de Fellini hasta la obra magna de Clint Eastwood.
El 30 de octubre irrumpe por primera vez en las pantallas del país «El desprecio» de Jean-Luc Godard. El gamberro y vanguardista francés critica sin piedad la industria cinematográfica y la compara con una fábrica que transforma talentos en materia prima para el sistema de estudios. Si ya conoces la obra del clásico, es hora de descubrir otras películas que ponen los puntos sobre las íes en el tema de la producción cinematográfica.
La industria del cine siempre ha sido un bocado apetitoso para la declaración feroz y mordaz de los directores. Bajo la presión autoral caían tanto estrellas apagadas que deseaban volver a la tierra de los sueños a cualquier precio, como todo el «zoológico de Hollywood en toda su diversidad». En nuestra lista acusadora hay lugar tanto para las ilusiones inocentes sobre los héroes del cine como para las consecuencias del infierno de la censura de los estudios.
«El jeque blanco» (dir. Federico Fellini)
Una pareja de recién casados llega por primera vez a Roma. Él es un pragmático apuesto, ella una soñadora voluble. Juntos deberán sucumbir al engaño de la ciudad eterna y perder para siempre las ilusiones sobre el cine.
«El jeque blanco» de Fellini es interesante no solo por ridiculizar la institución del matrimonio y la influencia de esta comedia cien por cien vodevilesca en la obra posterior del director, hasta «Las noches de Cabiria» y «La strada» — obras maestras del neorrealismo—, sino también por su crítica suave y precisa del culto a la personalidad de los actores, a quienes los espectadores a veces consideran seres inmortales e intachables.
La protagonista, al encontrarse por primera vez con su ídolo frente a las cámaras, no deja de admirar su audacia, su fingida valentía y sus discursos melifluos.
En cuanto aparece en el horizonte la temible esposa del «jeque blanco», todo vuelve a su lugar. Tras la imagen nívea del héroe bravío e indomable se esconde un mentiroso cobarde, un juerguista y libertino que ha roto más de un corazón inocente en su vida desenfrenada. Y he aquí que la heroína decepcionada ya está junto al río, a punto de saltar.
Fellini muestra con entusiasmo y ligereza lo destructivas que pueden ser para una persona las ensoñaciones y fantasías sobre el héroe de la pantalla. Sin ser moralizante, da a entender que muchas ilusiones de la industria cinematográfica pueden suplantar la vida real y hacerlo de forma irreversible.
«Cine sobre cine» (dir. Valeri Rubinchik)
Un autor que en el pasado prometía grandes cosas, ahora un director de segunda de cine de gánsteres, en un sanatorio olvidado de Dios, se entrega a sueños atormentados sobre películas de Fellini y Tarkovski, e intenta sobrevivir en las condiciones de la producción cinematográfica contemporánea.
El clásico no reconocido del cine nacional Valeri Rubinchik, junto con el destacado guionista Anatoli Grebnev, crean en los decorados de una casa abandonada de cineastas una amarga tragicomedia sobre la industria cinematográfica nacional y sus principales problemas.
Reuniendo un elenco de primer nivel —desde la estrella del pasado Valeri Nikoláiev hasta figuras como Tatiana Lavrova y Stanislav Liubshin— escriben la historia de la enfermedad del nuevo siglo del cine, y lo hacen con perspicacia y audacia.
Desde las viejas baratijas del siglo pasado, como la sucesión de romances en el set de rodaje, hasta el verdadero mal cotidiano: el poder del productor. Aquí no se priva de nada y puede cambiar fácilmente el género anunciado de thriller a melodrama, y luego incluso convertir el caos creado en un musical. Como se dice, si hay que morir, que sea con música.
Rubinchik y Grebnev miran con tristeza cómo se va aquel cine y, con toda la ironía y a veces con una sátira acre, no dejan títere con cabeza de las nuevas reglas del juego.
«Vivir en el olvido» (dir. Tom DiCillo)
El neurasténico Steve Buscemi en el papel de un excéntrico director, junto con un grupo de cineastas independientes estadounidenses, intenta rodar una nueva película indie. Cada vez algo sale mal, y el proceso ya de por sí complicado se convierte en un carnaval loco de todos los matices de la vida real en un estudio de cine.
Tom DiCillo, ex operador, adoptó su estilo absurdo. En «Vivir en el olvido» deconstruye con ímpetu juvenil el sueño de muchos aspirantes a cinéfilos, futuros conquistadores de Sundance y Cannes.
¡Jim Jarmusch cumple 68! Recordamos por qué amamos a este destacado e inigualable director estadounidense.
Abrir materialLo que en los sueños parecía una gran magia, un acto de milagro increíble, en la pantalla se presenta como un apocalipsis en miniatura y un infierno en la tierra. DiCillo no duda en pintar la vida cinematográfica sin adornos, por lo que un micrófono que vuelve a aparecer en el encuadre y un timbre telefónico con la cámara encendida conviven con histerias actorales de diferentes registros y adulterios de todo tipo.
«Vivir en el olvido» es la verdad a 24 fotogramas por segundo con todo lo que conlleva. Del ojo del director no escapan los detalles de las condiciones de campo de la vida de miles de artistas libres que ruedan sus películas por el arte eterno.
Incluso aparecerá una puerta de las películas de Lynch para demostrar la tesis: «El cine es un sueño». Con una temperatura de 42 grados sin usar antitérmicos, pero ¿no está ahí el principal placer?
«Los viajes de Sullivan» (dir. Preston Sturges)
La comedia de culto del clásico ligeramente olvidado de la edad de oro de Hollywood, Preston Sturges, trata sobre un exitoso director de estudio, John Sullivan, que un día decide rodar un drama social sobre la vida de los pobres. Reuniendo sus escasas pertenencias de vagabundo, se embarca en un viaje para comprender la vida de los desposeídos.
«Los viajes de Sullivan» es una sátira que no se desvanece incluso medio siglo después de su estreno, mostrando con asombrosa precisión el enorme abismo entre las ideas de los creadores sobre las andanzas de los mendigos y la vida real de los verdaderamente pobres. Ponerse un sombrero raído, una camisa sucia y unos zapatos rotos no significa convertirse en un sintecho.
Esto se confirma en numerosas escenas en las que el falso vagabundo Sullivan «misteriosamente» regresa a Hollywood. Sturges se burla ferozmente de las «buenas intenciones» de los artistas acomodados que quieren crear un lienzo trágico sobre la existencia de los pobres, pero no se dan cuenta de que las personas privadas de riquezas y una vida saciada, en realidad, solo quieren reír a carcajadas para olvidarse por unos minutos bajo los rayos del arte.
Durante una hora y media, Sturges insta a la industria cinematográfica a no hipocresía, a no pretender que entienden la vida mejor que aquellos que conocen la pobreza de primera mano.
«Cazador blanco, corazón negro» (dir. Clint Eastwood)
Clint Eastwood, armado con una mirada impenetrable, una actitud condescendiente hacia los demás y un puro en la comisura de la boca, encarna la historia real del distanciamiento del destacado director estadounidense John Huston durante el rodaje de la icónica «La reina de África».
A primera vista, es una película de aventuras sobre un director temerario e incontrolable, dispuesto a sabotear el costoso rodaje en el continente más lejano con tal de cazar elefantes africanos majestuosos.
Pero tras esta trama aventurera se esconde una crítica sutil y mordaz de toda la industria cinematográfica de Hollywood, que con sus exigencias a veces insoportables y el poder omnipresente de la censura lleva incluso a los más talentosos e independientes a la megalomanía y la obsesión de los capitanes Ahab. Lo que empuja a algo más que un crimen común, cuyas consecuencias sentirán todos.
Comentarios
0Aún no hay comentarios.
Inicia sesión para participar en la conversación.