Pennywise, Annie Wilkes, el Hombre de la Luna, el gato Church y todos, todos, todos... Recordamos las que, en nuestra opinión, son las adaptaciones más dignas de las obras del «rey del terror».

Mañana llegará a los cines rusos la comedia de terror «El Mono», basada en el cuento homónimo de Stephen King. La película ha sido bien recibida por la crítica profesional. Algunos críticos incluso han calificado el estreno como «una de las mejores adaptaciones de las obras del maestro». Los miembros de nuestro equipo que ya han visto la película de Oz Perkins también comparten esta opinión, pero no se trata de eso ahora. No podíamos dejar pasar una noticia tan relevante, así que decidimos compartir con ustedes una lista de películas basadas en los libros del «rey del terror» que nos apasionan.

Si al enumerar las películas favoritas basadas en las obras de Stephen King no mencionáramos la primera adaptación de su primera novela, que fue el punto de partida de su carrera, esa lista sin duda estaría incompleta. La trama se centra en la tímida y confiada estudiante de secundaria Carrie (Sissy Spacek). Sus compañeras se burlan regularmente de ella en la escuela, y su madre, una fanática religiosa, la presiona psicológicamente en casa, reprochándole incluso las faltas más insignificantes. Al mismo tiempo, descubre en sí misma una habilidad inusual: la telequinesis. Los compañeros de clase, que planean gastarle una broma cruel, ni siquiera sospechan las consecuencias a las que se enfrentarán.

Durante gran parte del metraje observamos la vida de la protagonista. Así se crea una atmósfera opresiva, acorde con el cruel mundo de los adolescentes. El acoso escolar, el puritanismo devoto, el aislamiento social: todo esto podría ser la base de un verdadero drama social. Quizás este enfoque artístico hace que la película sea aún más aterradora o, al menos, desagradable. Aunque hoy la película de Brian De Palma puede parecer anticuada en muchos aspectos, sigue siendo capaz de provocar una sensación de malestar, aunque no sea en los espectadores más experimentados.

Una miniserie reconocida como algo aburrida, que en algunos lugares incluso se ve completa — las tres horas como una sola película. La idea es descabellada, pero en cierto modo revela nuevas facetas del cine de Hooper. Tobe Hooper es un gran director, interesante por cómo siente la materia de sus historias: durante el visionado de «La matanza de Texas» es fácil sentirse como la protagonista en la escena culminante, cuando la obligan a mirar el mal a la cara; en la novela sobre el ojo extraño de «Bolsa de cadáveres», la cabeza da vueltas por el constante engaño visual.

«El misterio de Salem’s Lot» encaja lógicamente en esta tradición: es un cine a veces tan tedioso como la vida en un pueblo pequeño, pero a momentos fascinante, como una tienda de antigüedades inesperadamente abierta, y, por supuesto, espeluznante, como el ataúd de un vampiro (magníficamente maquillado, por cierto) en el sótano de esa tienda.

Muchas escenas de «Salem’s Lot», no muy conocidas hoy en día, influyeron en el cine de terror de su época, y el tema clave — cómo se propaga el mal rápidamente apenas aparece — no parece arcaico hoy. Ver cómo el mal se apodera del pueblo es interesante tanto como ejemplo de pánico moral, como metáfora de epidemias mucho más reales y, en última instancia, como un comentario actual sobre la vida de cualquier sociedad que cree en su propia virtud.

Jack Torrance (Jack Nicholson) llega a un hotel que se prepara para el sueño invernal. Los últimos huéspedes y empleados se van. Las habitaciones vacías del refinado castillo — casi un organismo vivo — quedan a disposición de Jack y su familia. Entre las interminables montañas nevadas, el héroe queda atrapado para todo el invierno. Las habitaciones vacías del hotel «Overlook», que guardan un secreto, riman con los oscuros recovecos del subconsciente del propio Jack en una solemne oda a las sombras.

La estética de «El resplandor» se compone del elegante interior del «Overlook», los sombríos paisajes invernales y el miedo vivo que llena todo lo externo e interno.

El componente psicodélico y aterrador de «El resplandor» está calibrado con precisión matemática, como la famosa perspectiva de Stanley Kubrick. La película está repleta de enigmas freudianos o ecos de la oscuridad caótica del propio hotel. Este terreno misterioso ha generado muchas teorías de diverso grado de locura: desde videos de YouTube de la serie «No entendiste El resplandor» hasta el documental de Rodney Ascher.

Un thriller inesperadamente tradicional para el director David Cronenberg, una adaptación directa de una de las mejores novelas del autor. Johnny Smith (el extraordinario Christopher Walken), un profesor de escuela que, tras sufrir un accidente y pasar cinco años en coma, descubre un don psíquico. Vivir con él no es fácil, y tomar las decisiones correctas es aún más difícil. Está bien cuando la premonición te dice cómo salvar a un niño, pero ¿qué haces si estrechas la mano de un político y ves que desencadenará una Tercera Guerra Mundial?

Muchos recordaron «La zona muerta» en el contexto de las elecciones en Estados Unidos, y eso es probablemente característico. No importa tanto si el presidente Trump se parece al personaje de Martin Sheen — un político populista que promete todo a todos de inmediato — o no; lo que importa es la desesperación que impregna el último tercio de la película. ¿Cómo puede una persona común influir no solo en el curso de la historia, sino incluso en unas elecciones locales? ¿Cómo llegar a los políticos? Johnny Smith da una respuesta muy concreta y, por lo tanto, muy triste.

Según el propio Stephen King, la obra original es la más aterradora de sus novelas, y la adaptación está a la altura. La película de Mary Lambert no solo es realmente espantosa, sino también increíblemente triste. Comenzando con un evento triste (desgraciadamente común en la vida de muchos), la vida ideal de la encantadora familia del doctor Louis se convierte en un infierno. Pero culpar al protagonista por sus decisiones solo puede hacerse desde el gran amor por sus seres queridos y el deseo de protegerlos del dolor.

Cierta ingenuidad, propia de las películas de los años 80, no estorba, sino que crea un contraste loco y terrible. La hermosa pareja joven interpretada por Dale Midkiff y Denise Crosby, sus preciosos hijos jugando en el césped, la impecable «americana» al estilo de Frank Capra, el camión rojo, el sombrío vecino (el inigualable Fred Gwynne), los espeluznantes flashbacks de la infancia de la esposa del doctor Creed: esas imágenes que se quedan grabadas en la memoria.

Durante mucho tiempo me resultó difícil imaginar una película que pudiera odiarse tanto, no por su calidad, sino por su desesperanza. No solo es un buen terror que ya se ha convertido en clásico, sino también un drama que, por la fuerza de su tragedia, puede competir con la mayoría de los otros representantes del género.

«Soy tu fan número uno» es una frase extremadamente aterradora para una persona de fama mundial. King conoce de primera mano a los fans obsesionados, capaces de enviar esqueletos de gatitos o un escorpión vivo a su escritor favorito. Y ni hablar de que Mark David Chapman se reunió personalmente con Stephen King, alabándolo. Y un año después mató a John Lennon. Sí, así pasa.

Todo esto llevó al escritor a crear la novela «Misery» (1987), y ya en 1990 se estrenó la adaptación cinematográfica homónima con la maravillosa Kathy Bates en el papel principal. En la historia no hay un trasfondo fantástico ni un mal mundial en forma del payaso Pennywise. Solo hay una fanática obsesionada que tuvo la suerte de encontrarse con su autor favorito accidentado. ¿Cómo podía pasar de largo y perder la oportunidad de tenerlo como rehén? Pues Annie Wilkes tampoco sabe la respuesta a esa pregunta. Y lo toma en sus manos, literalmente.

La tensión constante, la atmósfera opresiva y las crueles escenas de violencia de la «fan número uno» hacen su trabajo. «Misery» no necesita sustos para asustar al espectador, le basta un espacio cerrado y la impotencia del protagonista. En la realidad actual, la película parece incluso más relevante, ya que la distancia entre las estrellas y los fans se ha reducido notablemente debido a internet. Ahora cualquiera puede acosar a su ídolo famoso en los comentarios, sembrando la paranoia. Y ni siquiera hace falta romperle las piernas para ello.

«El que adelgaza» no es la novela más conocida de Stephen King, y su adaptación cinematográfica, dirigida por Tom Holland (no confundir con el actor que interpreta a Spider-Man), rara vez aparece en las listas de las mejores. Además, la adaptación cinematográfica recibió críticas bastante bajas. Es difícil llamar a la película aterradora, e incluso teniendo en cuenta la exhibición de horrores corporales en pantalla, es dudoso clasificarla como género de terror. Sin embargo, me gusta definitivamente el componente ideológico de esta película.

Detrás de la historia (casi una parábola) sobre una maldición gitana que pesa sobre un abogado corrupto, un juez y un policía, se esconde una crítica al sistema judicial sumido en la corrupción. Por eso, en el libro y la película, la justicia se confía a un barón gitano centenario. En «El que adelgaza», las personas acostumbradas a resolver todo con sobornos se enfrentan a un poseedor de un poder superior al que no se puede sobornar y no es tan fácil de intimidar. En resumen, la moraleja es muy clara: los pecadores de todos modos recibirán su merecido por sus acciones.

Entre los méritos de la película también se puede destacar el trabajo de los maquilladores. Si al principio el protagonista, interpretado por John Burke, parece escapado de una estúpida comedia estadounidense de los años 80, hacia el final se convierte en un esqueleto andante con la piel estirada. Y el propio actor también se esforzó para transmitir estos cambios: durante el rodaje perdió casi diez kilogramos.

Todo el mundo sabe con qué reverencia Stephen King trata las adaptaciones de sus obras. El escritor no tolera que los directores que se encargan de la adaptación se desvíen, cambiando finales y caracteres de los personajes. Así, cayeron en desgracia ante el «rey del terror» obras de culto como «El corredor del laberinto» de Paul Glaser y la mencionada «El resplandor» de Stanley Kubrick. Sin embargo, en algunos casos excepcionales, King está dispuesto a perdonar la arbitrariedad de los cineastas.

Por ejemplo, el escritor quedó encantado con la forma en que Frank Darabont, quien anteriormente dirigió «Cadena perpetua» y «La milla verde», reelaboró el desenlace de la historia en la película «La niebla». Si la historia original terminaba esencialmente con un final abierto, donde el destino posterior de los héroes no estaba predeterminado, los últimos minutos de la película son un espectáculo emocionalmente devastador. Además, este desenlace parece más apropiado desde el punto de vista dramático que el del libro.

Por lo demás, «La niebla» es una adaptación bastante fiel al texto original. ¡Es una obra 100% «kingniana»! Los principales monstruos aquí, como de costumbre, no son arañas gigantes o criaturas con tentáculos, sino personas que, en condiciones extremas, están dispuestas a creer cualquier tontería y, siguiendo las órdenes de carismáticos amantes del poder, cometer atrocidades.

El director Mike Flanagan ya es considerado extraoficialmente uno de los mejores creadores de terror de nuestro tiempo, así como uno de los mejores adaptadores de las novelas de Stephen King (en primer lugar, por supuesto, Frank Darabont). Al igual que la obra original, la película «El juego de Gerald» es un thriller psicológico de cámara que, en realidad, no trata tanto de pesadillas y la supervivencia de una mujer atada a la cama, sino de la lucha contra los demonios internos, la liberación de las ataduras de un matrimonio obsoleto y el (re)encuentro consigo misma como persona. La película equilibra hábilmente la atmósfera de terror, el drama y las reflexiones casi filosóficas.

A pesar de que los eventos ocurren en una sola habitación y toda la historia se basa en la heroína interpretada por la increíble Carla Gugino, la película puede dar una lección a muchas en cuanto a suspense, diseño de sonido y soluciones visuales. No hay sustos, pero la sensación de horror flota en el aire, y lo que sucede en algún momento hace dudar de que la heroína esté consciente. Algunas escenas están filmadas como si observáramos alucinaciones; durante el visionado, cada vez creemos menos en la realidad de lo que ocurre, y solo al final la situación se aclara.

Sí, en comparación con la novela de King, el planteamiento en la película se desarrolla demasiado rápido (en menos de un cuarto de hora), y algunas experiencias y miedos internos se describen superficialmente. En algunas escenas, Flanagan tiene que explicar directamente las metáforas y el simbolismo. Pero el metraje de la película es de solo 103 minutos. King lo tuvo más fácil en este sentido. Mike claramente se esforzó mucho y realizó una buena adaptación, que demuestra claramente que el espacio limitado y el tiempo no son un obstáculo si se colocan correctamente los acentos en el guion y se utilizan hábilmente el sonido y la imagen.

Una historia que ha quedado a la sombra de adaptaciones de obras más famosas de Stephen King: la de un granjero, James Wilfred, que mató a su esposa. Arrojó el cuerpo a un pozo, donde inmediatamente comenzaron a devorarlo las ratas. La justicia oficial no tocó al granjero: sin cuerpo, no hay delito. Pero pronto comenzó a aparecérsele el fantasma de su difunta esposa, y el propio James empezó a volverse loco.

Un terror minimalista y severo que no complacerá a los amantes de las películas de terror exuberantes con sustos obligatorios que viven en algún sótano. «1922» en general no se dispersa en lo sobrenatural, sino que se sitúa incluso más cerca del drama, centrado en el hombre y sus demonios internos. No en vano, la película está filmada por el director de fotografía habitual del director Taylor Sheridan, Ben Richardson. Su óptica siempre se centra en los rostros ásperos de hombres comunes que enfrentan duras pruebas. Por lo tanto, captar el ambiente de la auténtica gótica sureña y los paisajes sombríos del maíz que crece por todas partes es posible desde los primeros fotogramas.

Y la estrella principal de la película es sin duda Thomas Jane («Jueves sangriento»), que encarnó en la pantalla la imagen del mal sin encanto, pero al mismo tiempo se ganó al espectador con la angustia mental después del asesinato cometido. Es una historia lenta y opresiva, al estilo de las novelas de Dostoievski, sobre que el criminal, de una forma u otra, no escapará al castigo. E incluso si Temis no tiene nada que hacer aquí, pueden entrar en juego fuerzas mágicas.

«It» funcionó tan bien porque Andrés Muschietti no solo adaptó a King, sino que hizo la historia realmente viva y cercana al público. «El Club de los Perdedores» es el corazón de la película: los niños resultaron tan auténticos que realmente te preocupas por ellos, incluso si tú mismo ya no eres un adolescente. En lugar del conjunto estándar de clichés de terror, aquí hay cosas más aterradoras: el acoso escolar y los problemas familiares. Y, por supuesto, el monstruo espeluznante de la alcantarilla no se ha cancelado.

Y Pennywise en la interpretación de Bill Skarsgård es otra historia aparte. Es a la vez espeluznante e hipnótico, como si invitara al espectador a su propio laberinto de miedo. Las escenas de «¡Boo!» funcionan de maravilla: ya sea asustándote con la aparición repentina del payaso agitando el brazo arrancado de una víctima, o envolviéndote en una atmósfera de ansiedad. Pero lo principal es que la película no solo asusta, sino que también te hace recordar tu infancia, la amistad y esos momentos en los que por primera vez entendiste que el miedo se puede vencer.