Nos sumergimos en la historia y analizamos una de las primeras obras del director de la legendaria «Kung Fu Panda», Mark Osborne: el cortometraje «More».

En 1998, cuando el estudio Aardman Animation aún no había generado en el público un amor generalizado por la animación con plastilina con películas como «Chicken Run» y «Wallace y Gromit», el animador Mark Osborne creó el cortometraje de plastilina «More». Actualmente ocupa el puesto 18 en el ranking de los mejores cortometrajes animados según IMDb, lo cual no es casualidad. Hablemos de por qué.

Trama

En una ciudad de un mundo gris vive un inventor, cuyo día a día es un trabajo rutinario en una fábrica, ensamblando un producto llamado Happy. Cada noche, en sueños, el inventor regresa a coloridos recuerdos de la infancia. Encontrando el fuego interior, decide crear un dispositivo que transmita ese sentimiento. Las gafas llamadas Bliss inundan los estantes de las tiendas, mientras su creador, habiendo perdido los recuerdos, se convierte en un elemento sin alma de la realidad.

Director

Mark Osborne es un director cuyo nombre aparece en los créditos de pocas películas, pero cada una de ellas es sin duda conocida. Es el responsable de los recuerdos de infancia de la generación millennial, habiendo dirigido «Kung Fu Panda» y participado en las aventuras de quien vive en el fondo del océano.

Para los amantes de la animación no convencional, Osborne ofreció una interpretación ideológicamente hermosa de «El Principito», cuyas marionetas fueron perfeccionadas en gran parte porque la mecánica de trabajar con modelos de marionetas, aunque fuera bajo una capa de plastilina, ya se había utilizado plenamente 16 años antes en «More».

Particularidades de la producción

Trabajar con animación en plastilina en el momento de crear «More» ya no era una actividad desconocida para Mark Osborne. En 1993, Osborne dirigió un video musical en plastilina para el músico «Weird Al» Yankovic de la canción Jurassic Park, y en 1994 realizó el cortometraje «Greener», siguiendo cuyos patrones se creó «More», que comparte con su predecesor no solo técnicas cinematográficas, sino también el parecido físico de los personajes.

El cortometraje fue el primer proyecto de este tipo filmado completamente con una cámara IMAX, y el presupuesto de producción, pagado del bolsillo del propio Osborne, fue de considerables $105,000. La reducción del presupuesto fue posible gracias a contactos que permitieron al director obtener la cámara y los servicios necesarios para el rodaje de la empresa Large Format Cinema Association. El rodaje no era el trabajo principal de Osborne, por lo que la creación tomó casi un año, considerando que la plastilina era solo la capa exterior de las marionetas utilizadas. El director se centró en la trama, que es una síntesis de componentes significativos.

Reflexiones sobre el estado de la sociedad

Si la trama de «Greener» se centra en el aislamiento del individuo dentro de paredes literales, donde los medios mecánicos reemplazan la capacidad física (como los patos de hospital autoajustables y el pecho mecánico que da leche), el objetivo principal de «More» es mostrar el aislamiento del individuo en las garras de la despersonalización de una sociedad sumida en la rutina, donde los inventos reemplazan la plenitud espiritual.

Osborne muestra un mundo cuya robotización es consecuencia de una existencia que obedece a normas y leyes artificiales. La trama se centra en el tema de la sustitución del concepto de felicidad verdadera. Esta se concentra en los niños, que aún no han perdido la capacidad de ver el mundo a través del prisma de la sinceridad. Los niños encarnan la felicidad, encontrándola en cada día, independientemente de la puesta en escena, mientras que el adulto, con la edad, pierde la espontaneidad y la amplitud de la imaginación, encerrándose en el marco de las duras condiciones de un mundo gobernado por la «estimulación del consumo» y el capitalismo.

Una de las formas de interpretar a Osborne es reflexionar sobre la transmisión de la esencia. Se lleva al espectador a la conclusión de que el héroe hizo un mal uso del fuego que llevaba dentro. Por un lado, está el deseo erróneo de poner el alma en medios auxiliares, en lugar de irradiar a través de uno mismo; por otro, la búsqueda de monetizar la propia sensibilidad, que conduce a la pérdida de identidad.

El inventor siente vida en su interior, pero Osborne no le da ninguna oportunidad al héroe. Parece que los recuerdos al principio de la película los ve a través de las lentes de las gafas que creará más tarde. Se crea una ilusión de viñeta: la mayor parte de la pantalla es negra, y los niños se muestran a fragmentos a través de un pequeño círculo que simboliza la distancia del personaje respecto a la posibilidad de regresar al estado colorido de la infancia.

Es interesante que el cortometraje, estrenado hace 26 años, encuentre su relevancia precisamente ahora, cuando la sociedad moderna, que vive forzosamente un «día de la marmota» en ciudades llenas de rascacielos-«hormigueros», encuentra la felicidad precisamente en medios auxiliares; no en vano, las gafas homónimas llenaban los estantes de las tiendas.

Pero, como en la realidad existente, la sustitución del vacío del alma por la felicidad artificial de los objetos (que, por cierto, Osborne representa con colores llamativos e imágenes alucinógenas poco saludables) no dura para siempre, por lo que llega un nuevo objeto. Y es que incluso las gafas «Bliss» inventadas por Osborne, que aumentaban la realidad, han dejado de ser una ficción, encontrando su reflejo en las gafas lanzadas por la corporación «Apple».

Trabajo con el color

Para mostrar la despersonalización del mundo, Osborne utiliza tonos grises, monocromía, en la que intencionadamente el único elemento de color son las cajas de los productos Happy y Bliss. Cuando el inventor ve recuerdos en sueños, los niños se muestran a través del prisma del mismo color amarillo que luego aparecerá en las cajas. Así se transmite la imagen de una vida que ya no tiene un matiz de realidad, aunque aún arde dentro del personaje. Las gafas creadas por el inventor sumergen en un mundo hiperbólicamente colorido, en el que los colores son artificiales, como la realidad creada por las gafas. El espectador ve la naturalidad del color solo cuando al final aparecen en la pantalla niños vivos como símbolo de emociones reales.

Música del grupo New Order

Como acompañamiento musical del cortometraje se eligió la composición Elegia del grupo New Order, grabada en 1985 y asociada por la generación más joven con la serie «Stranger Things». El estilo de la melodía coincide con el componente significativo de la trama: la monotonía del trabajo del inventor es similar al bucle de la composición. Pero es más interesante otro paralelismo: en la literatura inglesa, «elegía» es un lamento por los muertos. La composición fue presentada por el grupo como una grabación en memoria del vocalista de Joy Division, Ian Curtis, mientras que el uso de la melodía en el cortometraje puede interpretarse metafóricamente: un lamento por los sentimientos perdidos.

Conjunto de impresiones y crítica

La película recibió críticas elogiosas de espectadores y críticos. «More» obtuvo más de diez premios cinematográficos, aunque no llegó al Oscar, que fue para el cortometraje «Bunny». Pero hasta el día de hoy, la obra de Mark Osborne sigue siendo relevante a las tendencias modernas, a pesar de que el cortometraje tiene 26 años. Hoy en día, pocos se sorprenden con IMAX y la animación en plastilina (e incluso está creada completamente para abaratar la producción bajo el mismo principio de «marioneta en plastilina»), pero «More» es capaz de interesar tanto por su estilo de ejecución como por su componente significativo.

Valeria Stoykova

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