El 7 de diciembre se estrenará en los cines rusos, posiblemente, el último anime del genial Hayao Miyazaki, «El chico y la garza». Con este motivo, nuestra redacción ha decidido contar brevemente por qué cada una de las diez películas del maestro es...

Hayao Miyazaki es un famoso animador japonés que, a lo largo de su vida, ha logrado conquistar los corazones de millones de espectadores con sus obras. Cada proyecto es una obra maestra increíble y hermosa. No en vano, el único anime que ha ganado un «Oscar» fue creado por él. Hace diez años, el maestro estrenó su décima película y anunció que se retiraba. Sin embargo, con el tiempo comenzaron a surgir rumores de que el genio estaba preparando otro trabajo, que finalmente vio la luz este año.

La undécima película (sin contar «Lupin III: El castillo de Cagliostro», que forma parte de una gran franquicia) ya se ha proyectado en el festival de cine de Toronto, donde ocupó el tercer lugar y recibió críticas exclusivamente positivas. Allí, el vicepresidente del estudio Ghibli, Junichi Nishioka, insinuó que «El chico y la garza» quizás no sea el último regalo del genio para los espectadores. Bueno, esperemos. Y mientras toda nuestra redacción espera el estreno, hemos decidido contar por qué Hayao Miyazaki nunca ha tenido fracasos profesionales y por qué cada una de sus obras puede convertirse fácilmente en una favorita.

«Nausicaä del Valle del Viento» (1984)

Uno de los temas que acompañan a Hayao Miyazaki a lo largo de toda su carrera es la ecología. Fueron precisamente sus reflexiones sobre la destrucción del mundo por parte del hombre las que llevaron a la creación del manga «Nausicaä del Valle del Viento», que posteriormente se convirtió en una película de animación a gran escala.

A veces, los temas que aborda la película pueden incluso contradecirse entre sí. Por un lado, en «Nausicaä» el ser humano se presenta como una criatura terrible que ha destruido el mundo en el que vivía. Por otro lado, la humanidad se muestra aquí como digna de defender su derecho a una coexistencia pacífica con la naturaleza y de ayudarla a renacer en su nueva forma.

Mención aparte merece la singular imagen del mundo postapocalíptico que se nos muestra. Fíjense: como aquí prácticamente ya no existen pájaros, la gente construye sus naves voladoras a imagen de los insectos. Parece un detalle, pero qué agradable es.

«El castillo en el cielo» (1986)

«El castillo en el cielo» es mi anime favorito de Hayao Miyazaki. No, está claro que están la ganadora del Oscar «El viaje de Chihiro» y el adorado por muchos «El castillo ambulante», pero fue esta película la que más me llegó al alma.

Una historia de aventuras sobre la búsqueda de un misterioso castillo volador, que necesitan tanto los piratas como el gobierno. Es un verdadero blockbuster familiar, similar a «Indiana Jones» o «Star Wars». Aquí hay de todo para atraer a espectadores de todas las edades: acción, una historia interesante, personajes coloridos, música excelente y una imagen que simplemente asombra la imaginación.

En «Laputa» todo funciona como un mecanismo bien coordinado y magistralmente ensamblado, cuyas piezas están hechas por un ingeniero genial. Aquí Miyazaki encontró un equilibrio casi perfecto entre la majestuosa belleza natural y el steampunk, que parecería tan perjudicial para esa misma naturaleza. Es imposible no enamorarse de este anime. Uno querrá volver a él repetidamente incluso después de años, para revivir junto con los personajes esta aventura increíblemente fascinante, llena de alegría, risas, bondad y tristeza.

«Mi vecino Totoro» (1988)

«Mi vecino Totoro» se estrenó en 1988 el mismo día que «La tumba de las luciérnagas» de Isao Takahata, por lo que al principio pocos lo notaron. Los festivales y la crítica se fijaban principalmente en el fuerte drama antibélico, y no en esta historia bastante infantil, casi sin conflicto, sobre dos niñas que se trasladan a un mundo de fantasía. Pero más tarde, la obra de Miyazaki se emitió por televisión, y entonces se produjo un verdadero Totoboom, que hizo que el personaje se volviera tan icónico que incluso lo colocaron en el logotipo del estudio Ghibli.

El maestro quiso durante diez años llevar esta historia amable, meditativa y serena a la pantalla, pero no pudo encontrar financiación. Finalmente, la adorable criatura encontró su hogar, y la película se convirtió en una especie de tarjeta de presentación de Ghibli durante muchos años. Hayao Miyazaki demostró que en una película no es necesario tener un antagonista físico. Se puede convertir la enfermedad de un ser querido en el mal y, de este modo, abordar muchos temas importantes. «Mi vecino Totoro» habla al espectador sobre el miedo a perder a los seres queridos, la soledad, la separación, pero lo hace en un territorio infantil, que linda con el mundo de la magia y la fantasía, lo que lo hace más suave para la percepción, pero no menos conmovedor. Y, ¿cómo no amar a Miyazaki después de verla?

Por cierto, si te sabe a poco «Totoro», puedes buscar en Internet el cortometraje «Mei y el gatobús», estrenado en 2002 y proyectado en el museo del estudio Ghibli. Desafortunadamente, solo está disponible una grabación de pantalla, pero no es un obstáculo tan grande para sumergirse una vez más en el maravilloso mundo de Hayao Miyazaki.

«Nicky, la aprendiz de bruja» (1989)

Para el espectador ruso, el conocimiento de Miyazaki rara vez comienza con «Nicky, la aprendiz de bruja». Quizás sea una lástima. Porque de todas las obras de la leyenda de la animación japonesa, la historia de Kiki es cercana a cada persona, independientemente de su entorno cultural.

Las aventuras de la pequeña brujita, que atraviesa una separación ritual de su ciudad natal, están basadas en el libro «El servicio de entregas de Kiki» de Eiko Kadono. Aunque la película se alejó bastante del original (demasiado dulzón, en mi opinión), poniendo en primer plano conflictos ambiguos y emociones complejas que experimenta la protagonista.

Cuando ves esta obra de Miyazaki en la adolescencia, la historia de Kiki sobre el crecimiento es una etapa inevitable y familiar de la vida. Cuando vuelves a ver la película a los 30 años, en el exilio en Lisboa (una especie de ciudad junto al mar), sientes que los temas tratados probablemente serán relevantes durante el resto de tu vida. Nunca se sabe cuándo tendrás que volver a enamorarte de tu trabajo, buscar un nuevo lenguaje común con personas ya cercanas o simplemente soñar con ropa bonita.

Creo que este es uno de los componentes principales del genio de Hayao Miyazaki: contar una historia de tal manera y de tal forma que sea cercana e interesante para el espectador en cualquier contexto de su vida.

Y, por supuesto, como siempre, la ligera fantasía añade profundidad y simbolismo. Cada uno responderá por sí mismo por qué ya no entiende a Zizi.

«Porco Rosso» (1992)

«Porco Rosso» puede considerarse la película más discretamente notable de Hayao Miyazaki, ya que no es tanto una expresión de la creatividad del director, sino un reflejo de sí mismo. La trama se centra en el tema de la aviación y, a pesar de que el logotipo del estudio es Totoro, Ghibli es el nombre abreviado del avión italiano Caproni Ca.309 Ghibli. Es por eso que «Porco Rosso» puede considerarse en parte un homenaje a su padre, de quien Hayao heredó el interés por la aviación.

Este amor sincero se transmite en la pantalla, ya que en el cielo se desarrollan batallas magníficamente dibujadas, y al personaje principal, cuyo nombre se traduce literalmente como «Cerdo Rojo», parece imposible imaginarlo sin su avión escarlata. Miyazaki se sumergió tanto en el tema que le es querido que se apartó de los patrones estándar de sus obras, haciendo que el personaje principal sea un hombre adulto al que es bastante difícil que el espectador quiera. No encaja en absoluto en el molde de los personajes encantadores que Miyazaki suele escribir para los hombres en sus otras obras, pero por eso es más interesante leer el retrato psicológico de Porco Rosso, con cuya apariencia el director identifica tanto lo externo como lo interno.

Y la película en sí (a pesar de tener un comienzo mágico y momentos metafóricos) es mucho más terrenal que cualquier otra obra del maestro. El tema de la guerra e incluso del amor en la película se ve lastrado por el peso de la cotidianidad y el realismo, lo que no puede sino hacer que la obra sea mucho más personal tanto para el propio Miyazaki como para el espectador, a quien le resulta más fácil incorporar asociaciones con la realidad circundante en su juicio evaluativo.

«La princesa Mononoke» (1997)

Como todo cine muy personal, «Porco Rosso» no fue reconocido por las masas. El espíritu de magia y la energía sobrenatural inherentes a las obras anteriores del maestro son lo que hace que los espectadores veneren a Miyazaki. Por eso, el animador volvió al esquema probado, lanzando el anime «La princesa Mononoke».

Verdaderamente una obra maestra del arte cinematográfico, la película, sin sentimentalismos innecesarios ni introducciones líricas, sumerge al espectador en los horrores de la guerra. Miyazaki entra en el campo de la confrontación más importante para sus películas: la lucha entre lo natural y lo social, expresándose sin censura. Brazos arrancados, cabezas atravesadas, asesinatos de animales. El período en el que aparecieron las primeras armas de fuego en Japón se considera como una línea, más allá de la cual la naturaleza se vuelve especialmente indefensa frente a la necesidad humana de recursos, ya que incluso el espíritu del bosque es mortal. Durante más de dos horas, el animador, de manera reflexiva y sangrienta, utilizando el poder de los diálogos, el encanto del color y la representación gráfica capaz de conmover los corazones con imágenes atractivas o absolutamente repugnantes y duras, explica que cada uno intenta encontrar su lugar en este mundo.

Y solo el personaje principal, que se encuentra entre dos fuegos, representa el único equilibrio correcto entre los mundos en conflicto. Así, el espectador debe encontrar para sí mismo en esta película un punto medio entre el bien y el mal, la inocencia y la violencia, los paisajes cautivadores y la ciudad de piedra. Antes de verla, es necesario sintonizarse con la atmósfera opresiva de la historia, pero recordar que incluso en el mundo más oscuro se puede encontrar una manera de renacer.

«El viaje de Chihiro» (2001)

Según el plan original de Hayao Miyazaki, la película debía durar 3 horas. ¿Saben? Con gusto habría visto cinco, incluso diez horas, con tal de no abandonar este mundo. El lore de la película es tan rico y variado que dan ganas de que sea un videojuego de mundo abierto. Así podrías viajar todo el tiempo que quisieras por este mundo, descubriendo cada vez más secretos y misterios.

Los problemas ecológicos y la enemistad del hombre con la naturaleza son uno de los temas más frecuentes en la obra de Miyazaki. Así, en «El viaje de Chihiro», Miyazaki le dio a uno de los personajes principales un triste trasfondo: el niño Haku era un espíritu del río, hasta que la gente llenó su hogar para sus propias necesidades. Y qué decir de Sin Rostro o del espíritu del río, que literalmente gritan desde la pantalla: «¡No contaminen los ríos!».

Además del trasfondo ecológico, el director habla hábilmente de cómo las costumbres europeas se han arraigado profundamente en la vida de cada japonés. Los personajes visten a la europea, conducen un coche europeo y planean vivir en una casa de estilo europeo. No es casualidad que a la protagonista le cambien el atuendo y el nombre. Y cómo olvidar el mensaje principal de la película: cree en ti mismo y no olvides quién eres.

«El viaje de Chihiro» es como un peluche favorito. Se perdió en alguna mudanza, pero tus pensamientos siempre vuelven a él, y si cierras los ojos e imaginas los tiempos en que jugabas con él, los cálidos sentimientos de confort te devuelven a la infancia y te recuerdan que ese peluche siempre está contigo.

Valeria Fomina

«El castillo ambulante» (2004)

«El castillo ambulante» puede considerarse la creación más acogedora del estudio Ghibli. Y no se trata solo de que el personaje central sea una anciana (bueno, en realidad una chica joven, pero aún así), sino de qué pensamientos y con qué métodos transmite el anime.

Ante nosotros hay una historia sobre las experiencias internas y los complejos que experimentan los personajes encerrados en sí mismos y en un mismo espacio. Cada uno recorre su arco de personaje, deshaciéndose de varios tipos de maldiciones precisamente mediante la resolución de conflictos internos. La necesidad de salir de la zona de confort, que los personajes saborean en sus diálogos (ya sea la resignación de una anciana o los intentos de un joven de ocultar su auto-rechazo), impulsa la trama. Y Miyazaki nos cuenta que la portada no es en absoluto un reflejo de la verdadera personalidad.

La imagen del castillo, copiada de la isba rusa sobre patas de pollo, es una metáfora andante, un punto de concentración de significados e imágenes. Como todos los que están dentro del castillo, él mismo está compuesto por muchos elementos heterogéneos (como rasgos de personalidad), que visualmente entran en conflicto entre sí, pero que construyen un enorme edificio (léase: personalidad), que solo la fuerza del fuego vital salva de la destrucción.

Miyazaki se da rienda suelta en la representación visual de la historia, mostrando la viveza de los coloridos fotogramas, juega con el tiempo y las imágenes de los personajes. El director vuelve a tocar el tema de la guerra, pero, a diferencia de sus primeras obras, apenas lo aborda en serio, utilizándolo más bien como telón de fondo para impulsar la trama y el crecimiento de los personajes. Por eso, incluso con preguntas de peso, «El castillo ambulante» está envuelto en calidez y confort, que uno quiere absorber con una taza de té bajo una manta, sentado junto al fuego.

«Ponyo en el acantilado» (2008)

¿Cómo se vería «La Sirenita» de Disney si la dibujaran japoneses? ¿Para qué inventarse algo si ya tenemos una opción preparada: «Ponyo en el acantilado»?

Otra película meditativa del director, que sumerge al espectador en un estado muy específico. Aquí todo, desde las tomas pausadas de la preparación de la comida hasta el hermoso mundo submarino, contribuye a la atmósfera. Ni siquiera es necesario empatizar profundamente con los personajes, porque ellos existen principalmente en este mundo asombroso que la película nos presenta.

Al mismo tiempo, tenemos una historia conmovedora sobre dos niños que son demasiado jóvenes para entender qué es el amor, pero que ya no pueden vivir el uno sin el otro. Simplemente sucedió que uno de ellos tiene un origen extremadamente inusual. A algunos, «Ponyo en el acantilado» puede parecerles demasiado infantil, y no los culparé. Pero, ¿acaso eso es malo?

«El viento se levanta» (2013)

El cielo atrajo a Jiro desde la infancia, pero no estaba destinado a ser piloto debido a su mala vista, pero encontró una salida: se convirtió en ingeniero aeronáutico. Pero, ¿y si la realización de su sueño conlleva la muerte de miles de personas?

«El viento se levanta» es, quizás, la película más adulta de Hayao Miyazaki. Casi no tiene los elementos fantásticos habituales de sus películas, pero al mismo tiempo es un cuento de hadas en toda regla. Un cuento de hadas sobre la persecución de un sueño, el amor verdadero y, finalmente, el humanismo.

Lo más conmovedor de la película es la visión de la belleza en el contexto de un evento tan sombrío como la guerra. Después de todo, el personaje principal no ve en su trabajo la creación de un medio para matar personas, sino un aparato para conquistar los cielos y sentir la magia del vuelo. Mucho antes de Christopher Nolan, el maestro japonés, a través del prisma de la historia de una persona real, se planteaba preguntas sobre el peligro del genio y lo hacía de manera sutil, pero sin miedo a ser juzgado por la opinión pública.

Valeria Stoykova

La neutralidad de Nolan. «Oppenheimer»: ¿una declaración ideológicamente estéril o pacifista?

Los autores de «Después de los créditos» reflexionan sobre los pros y los contras de la neutralidad deliberadamente adoptada por Nolan con respecto a la historia de Robert Oppenheimer.

Abrir material

Si Hayao Miyazaki hubiera terminado su carrera con esta obra, como planeaba, habría sido un final digno para su filmografía, pero incluso sin esta circunstancia, «El viento se levanta» es un gran cine.