Des modestes drames de festival aux succès d'animation en passant par les documentaires retentissants — nous continuons à partager nos films préférés de 2025.
En 2025, de nombreux films remarquables sont sortis, mais le classement établi par le vote de la rédaction n'a pas pu tous les inclure en raison du nombre limité de places. Les auteurs d'« Après le générique » ont décidé de rétablir la justice et de parler des films qui, selon eux, sont restés injustement dans l'ombre.
De « Bataille après bataille » avec Leonardo DiCaprio aux « Pécheurs » de Ryan Coogler — voici les meilleurs films de 2025 qui ont prouvé que le cinéma d'auteur peut encore surprendre, et le spect
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« Lune bleue » est exactement le genre de cinéma que Richard Linklater et Ethan Hawke savent le mieux faire. C'est une histoire intimiste d'une seule soirée, où chaque réplique est une confession et chaque silence plus précieux que n'importe quel monologue. La neuvième collaboration du réalisateur et de l'acteur se transforme en un portrait poignant d'un génie sur le déclin — l'auteur des paroles Lorenz Hart, qui passe une nuit de mars 1943 dans un bar tandis que son ancien partenaire Richard Rodgers reçoit une ovation pour la première d'« Oklahoma ! ». Linklater tire tout d'un seul lieu : la fumée de cigarette, le tintement des verres, les observations caustiques sur « Casablanca » et l'amertume d'un homme qui comprend que son ère est révolue.
Le film explore la fragilité de l'artiste, la douleur du rejet professionnel et romantique — et le fait avec la mélancolie caractéristique du réalisateur, qui transforme les conversations en musique. « Lune bleue » n'essaie pas de héroïser Hart — elle le montre brisé, spirituel, s'accrochant désespérément aux illusions, et c'est pourquoi elle touche jusqu'aux larmes. C'est un adieu honnête à une légende oubliée (pour les fans de Broadway), filmé avec une telle tendresse et compréhension qu'il est impossible de ne pas être ému. Dans une année où le grand cinéma crie de plus en plus, Linklater murmure — et on l'entend pourtant plus fort que tous !
Dans notre top éditorial, il n'y avait malheureusement aucun film d'animation. Ce n'est pas surprenant, car 2025 s'est avérée assez pauvre en bons longs métrages d'animation, mais un diamant aurait pu être inclus. Bien sûr, il s'agit de « Les chasseuses de démons K-pop » — un véritable succès de Netflix et Sony Pictures Animation, qui devrait bientôt se transformer en une franchise durable. Nous attendons donc dans un avenir proche la sortie d'une suite, officiellement mise en développement !
Une simple histoire d'amour et de lutte du bien contre le mal a immédiatement conquis des millions de cœurs. Les créateurs ont magistralement combiné la mythologie coréenne, le style asiatique et tout un album de morceaux K-pop incroyables (Your Idol — une tuerie, depuis l'enfance fan de K-pop). Avant la première, personne n'aurait imaginé qu'un projet avec un tel titre ne serait pas une simple blague de streaming bon marché, mais presque le principal candidat aux prestigieuses récompenses dans les catégories « meilleure chanson » et « meilleur film d'animation ». Eh bien, on peut affirmer avec certitude que tous les trophées sont pleinement mérités !
« Bugonia » de Yorgos Lanthimos a divisé les critiques du Festival de Venise en deux camps. Certains disaient que le réalisateur n'était plus le même, que nous ne verrions plus un nouveau « Canine » ou « The Lobster ». D'autres affirmaient que faire mariner le spectateur et libérer les émotions dans le dernier tiers du film était dans l'esprit de la « Nouvelle Vague grecque ». La constellation Emma Stone et Jesse Plemons brille au firmament de la gloire mondiale et ne prévoit pas de disparaître à l'aube. Les acteurs jouent à nouveau tantôt des complices, tantôt des rivaux. C'est une histoire de narrateur peu fiable, obligeant le spectateur à saisir les interprétations et à construire ses propres théories.
Tout dépend de l'optique : soit Teddy est un ravisseur fou, soit Michelle est une représentante d'une race extraterrestre. Dans tous les cas, le monde est en danger. Une interprétation univoque se cache dans la comédie de science-fiction coréenne « Sauver la planète verte ! », sur laquelle « Bugonia » a été basée. Cependant, la crise de l'humanité et l'importance des abeilles sont déjà le mérite de Lanthimos. C'est lui qui force le spectateur à retenir son souffle après un dénouement assourdissant et quitte temporairement le poste de réalisateur. Après la projection, on a envie de vérifier les chevilles de l'élite mondiale : ne sont-elles pas trop fines ?
Pedro Almodóvar s'est depuis longtemps installé dans l'art cinématographique comme un moyen de l'appliquer à la réalité : les œuvres de l'Espagnol ne sont pas des événements, mais des états. Elles sont régulières, il leur est difficile de se limiter à un contenu strictement dramatique, même si celui-ci est annoncé par le scénario. Sa vision de réalisateur, pure et distincte, ne prétend pas à la totalité. Ses femmes sont fortes mais pas autoritaires, sa comédie est absurde mais terre-à-terre, son Espagne est colorée et romantique, mais réelle dans sa crasse et sa rudesse.
Dans le cas de « La chambre d'à côté », Almodóvar n'est ni à Madrid, ni même en Espagne, mais dans l'État de New York, la ville de Woodstock au nord-ouest de Kingston. Ses femmes sont bien sûr fortes, mais l'une d'elles est incurablement malade. La comédie du réalisateur s'est tellement amincie qu'elle n'existe plus. Les dernières heures de vie d'une journaliste (Tilda Swinton) aux côtés d'une amie invitée (Julianne Moore), l'amant commun (John Turturro) relégué au second plan par les héroïnes et l'auteur, les couleurs flamandes des costumes amples et des éléments d'intérieur — Almodóvar a trouvé de nouveaux tons et images qui ne lui appartenaient pas auparavant pour exprimer dans sa langue le message du postmoderniste irlandais James Joyce : « Mieux vaut passer hardiment dans l'autre monde sur la crête d'une passion que de se faner et de s'éteindre misérablement avec les années ».
Un fixeur solitaire (Riz Ahmed) dans les décors glamour de New York sauve une cliente (Lily James) des mains de mercenaires d'entreprise qui chassent des documents compromettants. Entre le sauveur et la sauvée se noue un jeu subtil de méfiance mutuelle et de révélations, dans lequel émerge soudain un sentiment naissant. On attend bien sûr de l'œuvre de David Mackenzie (« Les Poings contre les murs »), revenu au grand cinéma après une pause de six ans, quelque chose de consistant et de significatif. Et le réalisateur répond à ces attentes : un thriller d'espionnage bien ficelé avec tous les attributs nécessaires du genre, s'inscrivant facilement aux côtés de classiques comme « Les Trois Jours du Condor » ou « Le Coup du lapin ».
En sortie large, le petit chef-d'œuvre de l'auteur des « Poings contre les murs » David Mackenzie — « Le Dispatcher ». Pourquoi le film mérite-t-il ce titre ? Dans notre critique.
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Un minimum de réflexion, un maximum de travail d'intelligence et un peu de romance extrême — une recette presque parfaite pour un film mémorable, qui n'a pas honte de paraître un peu démodé, mais qui tient néanmoins bien le choc face aux tendances modernes de l'industrie. Riz Ahmed semble pouvoir jouer n'importe quoi rien qu'avec ses yeux ; Lily James — une femme seule ayant besoin de protection, dont la vie a soudainement pris un tournant rapide ; Sam Worthington — un homme mis au rebut, mais néanmoins parfaitement adapté au rôle du limier sur la piste. « Le Dispatcher » captive facilement l'attention non seulement par son intrigue captivante, mais aussi par les performances des acteurs. Et il donne aussi facilement envie d'y revenir encore et encore. Bref, comme disait Panikovski : « On voit tout de suite — c'est du cinéma d'autrefois ».
Ce n'est pas un hasard, mais tout à fait logique, que la dystopie de Stephen King, écrite au plus fort de la campagne vietnamienne, ait été adaptée à l'écran précisément en 2025. « Marche ou crève » perd peut-être en inventivité face à une bonne partie des analogues du genre et ne suit pas toujours la lettre de la source originale (à mon avis, dépassée sur certains aspects), mais il constitue un exemple de thriller high-concept solidement construit, dont le principal avantage réside dans l'exploitation exhaustive du message de l'auteur. Le film de Francis Lawrence n'est pas un ensemble de leçons de morale spéculatives sur la dictature, la nature humaine, l'influence délétère du capitalisme sur la psyché ou l'effondrement du fameux « rêve américain », mais une déclaration à interprétation univoque.
Contrairement au coréen « Squid Game », qui restait en mémoire grâce à son esthétique criarde, ou à « Hunger Games » avec son abondance d'attributs caractéristiques de la science-fiction adolescente des années 2010, ce film ne se vante même pas particulièrement de sa composante spectaculaire. Ce n'est pas un « battle royale » à sous-texte satirique, mais une chronique sombre du piétinement de la dignité humaine, où des jeunes hommes épuisés, couverts de sang, de sueur et de boue, sont poussés à l'abattoir sous le crépitement assourdissant des rafales de mitraillettes, chacune marquant l'élimination d'un athlète. Il y a cependant dans « Marche ou crève » des lueurs de lumière, émanant principalement du personnage interprété par David Jonsson, mais elles sont trop rares et fragmentaires pour donner de l'espoir aux héros et aux spectateurs. Et oui, c'est la deuxième adaptation d'une œuvre de Stephen King après « Le Brouillard » de Darabont, où la fin modifiée surpasse de loin celle du livre.
Tout ce que je savais de Chris Hansen et de son émission avant de voir « Predators » de David Osit, je l'avais appris dans l'épisode de « South Park » Le Petit Tourette (saison 11, épisode 8). C'est sans doute une raison supplémentaire pour laquelle ce documentaire m'a autant impressionné. Quel était le principe du projet de Chris To Catch a Predator ? Son équipe, avec la police et des « appâts vivants » (des adultes ayant l'air d'adolescents), traquait des adultes qui entamaient des conversations en ligne avec ceux qu'ils prenaient pour des mineurs, et les faisait venir à une rencontre sous la surveillance des forces de l'ordre. On montrait aux téléspectateurs la conversation de l'animateur avec les protagonistes et leur arrestation ultérieure, en soulignant le caractère préventif de ces actions pour la protection des enfants.
Aux États-Unis, cette émission est devenue une sorte de marqueur d'époque, et Chris Hansen une figure reconnaissable de la culture pop (en plus de « South Park », l'animateur a été mentionné et parodié dans des dizaines d'émissions et de sitcoms). Pourtant, To Catch a Predator n'était pas une émission à part entière, mais une série de numéros d'investigation spéciaux au sein du magazine d'information et documentaire Dateline NBC. En 2007, 19 des 25 heures les mieux notées sur MSNBC étaient des rediffusions nocturnes. NBC a arrêté l'émission la même année à la suite d'un scandale majeur (on évitera les spoilers) et de critiques croissantes sur le format. On accusait l'émission de provocations et de violations possibles des droits des suspects.
David Osit a créé Predators en réalisant qu'une communauté entière de fans, d'archivistes et d'imitateurs s'était formée autour de l'ancien segment télévisé — des « chasseurs » YouTube aux subreddits qui vivent de cela, collectionnant les versions complètes et non diffusées des « embuscades ». Un autre point de départ a été les questions. Comment se fait-il qu'une émission disparue des écrans depuis plus de 15 ans erre encore sur Internet sous forme de mèmes et de reposts, et les spectateurs qui revoient et diffusent ces images ne deviennent-ils pas partie de cette humiliation publique ?
Au final, on obtient l'un des meilleurs documentaires de ces dernières années, qui ne laisse aucune place à la « fuite morale ». On nous permet de ressentir par nous-mêmes où s'arrête le journalisme et où commence l'exploitation du malheur d'autrui. Et comment un projet télévisé, conçu à l'origine comme un moyen de protection et de mise en garde, finit par obéir aux lois de la dramaturgie et de l'audimat. Le documentariste ne se concentre plus seulement sur l'animateur lui-même, mais aussi sur la manière dont la chaîne construit l'histoire, calcule le degré de choc et crée à l'écran une image commode du « prédateur modèle ».
On nous montre non pas des scandales isolés, mais tout un écosystème : médias, police, activistes et public, qui ont mutuellement alimenté (et continueront d'alimenter) l'existence de ce format. Un peu plus d'une heure et demie se regarde d'une traite, éveillant une curiosité primitive et une multitude d'émotions, notamment celle de voir à quel point la honte, la douleur et la peur des autres se transforment facilement en contenu sensationnel.
L'une des sorties les plus discrètes de l'année dernière est la comédie dramatique « Code 3 » de Christopher Leone, qui raconte l'histoire d'un ambulancier paramédical interprété par Rainn Wilson, connu du grand public pour son rôle de Dwight dans le sitcom culte « The Office ». À première vue, le ton amusant du récit et l'interprète principal créent ensemble une sensation de légèreté et de décontraction pendant le visionnage. Cependant, dès le début du film, on comprend clairement que nous avons affaire à une personne souffrant de dépression profonde dans son travail.
Rainn Wilson a livré sans doute l'une des meilleures performances d'acteur de sa carrière. S'appuyant sur son registre clownesque, il joue magistralement sur le contraste entre l'ironie et le drame, montrant toute la profondeur des sentiments et des émotions d'un simple regard. Le personnage qu'il incarne est plein de désespoir, de cynisme et d'indifférence, mais en même temps il semble extrêmement humain, suscitant une sincère sympathie et compréhension. Beaucoup notent à juste titre la similitude entre le film « Code 3 » et le drame sévère de Jean-Stéphane Sauvaire , car les deux films abordent des thèmes synonymes. Mais contrairement au noir naturaliste avec Sean Penn , la tragi-comédie de Christopher Leone offre aux spectateurs l'espoir d'un avenir radieux, qui manque tant dans notre monde en perpétuelle instabilité.
L'adaptation du best-seller « Black Flies », présenté l'année dernière au Festival de Cannes, est arrivée dans les cinémas russes — le thriller choquant « Asphalt Jungle » avec Sean Penn et Ta
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Dans le film « Sur la pente », Aurora (la magnifique Joana Santos) a immigré du Portugal en Écosse à la recherche d'une vie meilleure et a trouvé un emploi dans un entrepôt de l'équivalent local de Wildberries. La vie meilleure n'a pas fonctionné, et elle ne cherche chaque jour que des marchandises à trier et à expédier. Elle et ses collègues comprennent qu'on ne peut pas vivre ainsi : même des robots trouveraient ce travail insupportable, et Aurora est un être humain avec des intérêts, des sentiments, des passions. Nous ne les voyons cependant pratiquement pas : l'être humain s'adapte à son environnement, et la seule façon de s'adapter dans les conditions de vie d'Aurora est d'étouffer ses émotions, de renoncer aux loisirs, de cesser d'être elle-même dans une certaine mesure.
Le drame d'Aurora est quotidien, il n'y a pas de tragédies dans sa vie — des événements qu'il serait facile de classer comme tels et de s'en désoler — car toute sa vie, sous un certain angle, est une tragédie. Le désarroi, la confusion, la migration intérieure vers un désespoir sans issue. Les débuts de Laura Carreira sont comparés à juste titre au cinéma de Ken Loach — comme le grand socialiste britannique, elle s'intéresse à la destruction intérieure de l'homme dans le contexte de la crise extérieure de la société. Mais là où Loach affiche toujours le pathos de la solidarité de classe, Carreira propose une mélancolie assez douce des épisodes quotidiens. Un amour non partagé pour un Polonais sympathique (excellente scène dans un bar), une cicatrice sur le bras d'une vendeuse sociable, une portion supplémentaire de ragoût en période de faim ; en fin de compte, une simple bonté.
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