De « The Battle of the Battle » avec Leonardo DiCaprio à « Sinners » de Ryan Coogler – voici les meilleurs films de 2025 qui ont prouvé que le cinéma d'auteur peut encore surprendre, et que le cinéma grand public peut être créatif.

2025 s'est avéré être cette année rare où critiques et public ont été presque unanimes – et c'est en soi déjà une sensation. À l'ère des suites et franchises interminables qui aspirent les dernières gouttes de créativité du cinéma, un miracle s'est soudain produit : le cinéma d'auteur non seulement a survécu, mais a forcé à parler de lui. D'une épopée de près de trois heures de Guillermo del Toro sur un célèbre scientifique et sa monstrueuse création, à un élégant film d'action vampirique de Ryan Coogler avec deux Michael B. Jordan, l'année a été remarquablement variée. Paul Thomas Anderson a rappelé pourquoi il reste le plus grand formaliste du cinéma moderne, Mike Flanagan a de nouveau brillamment adapté Stephen King, et Park Chan-wook a réalisé une comédie hilarante. Nous, à la rédaction d'« Après le générique », avons revu tout ce qui pouvait être trouvé (légalement ou non), débattu jusqu'à en perdre la voix, et enfin dressé la liste des films qui ont défini l'année au cinéma. Nous sommes sûrs que vous ne devinerez pas le leader de notre top jusqu'à la toute fin.

10e place – « Train Dreams »

Le réalisateur Clint Bentley, que beaucoup se souviennent comme scénariste de « Sing Sing », a pris la nouvelle de Denis Johnson et l'a transformée en une méditation sur la facilité avec laquelle l'histoire oublie un homme, même lorsqu'il la construit de ses propres mains. Le film a débuté à Sundance, a été classé dans le top 10 des meilleurs films de l'année par le National Board of Review et l'American Film Institute, et Joel Edgerton a reçu une nomination aux Golden Globes – tout cela mérité.​

L'action se déroule au début du XXe siècle, dans les montagnes de l'Idaho, où le bûcheron et cheminot Robert Grainier (Edgerton) disparaît pendant des mois au travail – abattant des arbres, posant des traverses, construisant des ponts. L'Amérique s'industrialise rapidement, les locomotives rugissent, les voitures apparaissent, tandis que Robert reste quelque part en marge de ce progrès, vivant une vie simple et tranquille avec sa femme Gladys (Felicity Jones). Après une tragédie familiale, il devient un ermite, témoin de plusieurs décennies de l'histoire américaine qui défilent devant lui comme ces trains à travers les forêts.​

« Train Dreams » est un film qui prouve qu'on peut raconter une histoire captivante sans intrigue conventionnelle (en gros, un homme a travaillé, s'est marié, est mort – tout le scénario du film). Il n'y a pas de rebondissements dramatiques ni de scènes d'action, mais il y a une photographie époustouflante, une bande originale de Nick Cave et un jeu d'Edgerton qui donne la chair de poule. C'est un film-sensation, où chaque plan est imprégné de mélancolie et de la beauté de la nature sauvage, et où le protagoniste se pose exactement les mêmes questions sur le sens de la vie que nous aujourd'hui. Lent, profond, parfois lourd – mais c'est précisément ce genre de cinéma qui reste longtemps dans l'âme.

9e place – « Frankenstein »

« Frankenstein » de Guillermo del Toro ne change pas les règles du jeu établies par le roman de Mary Shelley. Il se sent à l'aise, comme il y a deux cents ans, à se draper dans le gothique, à surmonter le scepticisme et l'incrédulité des autres, mais non plus par le recours aux procédés « bas » du sensible (la peur et l'horreur), mais grâce à un agencement inhabituel d'éléments depuis longtemps assimilés par l'humanité. Les créateurs, beaucoup de créateurs entouraient Mary Shelley : son mari Percy Shelley, Lord Byron, une mère féministe progressiste et un père philosophe égocentrique.  L'écrivaine entendait les soupirs nobles de dizaines de Victor Frankenstein, y compris celui qui habitait son esprit extraordinaire. Composer et être poursuivi par sa propre création, être tenté et assumer la responsabilité – les tourments de l'auteur qui a accidentellement créé un monstre.

Guillermo del Toro a libéré dans le monde un bestiaire entier de créatures, prouvant qu'il est un autre Prométhée, un autre Dieu qui éprouve, mais cette position lui convient-elle ? Le réalisateur mexicain a fait comprendre à plusieurs reprises qu'il n'est pas seulement avec ceux qui donnent la vie contre leur gré, mais aussi celui qui vit cette vie. Guillermo del Toro est un monstre, donc ses pensées visitent constamment des formes de vie inconnues (l'homme amphibie, Pinocchio) ou des personnes marginalisées (Elisa Esposito de « La Forme de l'eau », Ofelia du « Labyrinthe de Pan »).

Peut-être que cela a influencé le résultat de « Frankenstein » 2025. Toujours sombre dans son élégance des formes mortes, mais désormais au nom de la création, non du créateur. Le monstre a parlé de lui-même, dénonçant Victor, et nous avons obtenu une nouvelle représentation de la monstruosité. L'intrigue éternelle de Mary Shelley a le droit de rester inchangée, mais le nouveau siècle n'est pas dépourvu du pouvoir de remodeler les récits selon les besoins de l'homme moderne. Non seulement Dieu, mais aussi Adam, non seulement l'auteur, mais aussi le livre, non seulement le père, mais aussi le fils.

8e place – « Sorry, Baby »

Eva Victor, dans ses débuts, a osé un geste très audacieux : elle a écrit et réalisé un film dans lequel elle a elle-même joué le rôle principal. En regardant « Sorry, Baby », on comprend très vite qu'aucune autre actrice au monde n'aurait pu incarner ce rôle comme le fait la réalisatrice elle-même. Son jeu ne ressemble pas à une interprétation ordinaire – c'est plutôt une pure expérience du personnage.

Agnes est professeur de littérature à l'université et mène une vie très ascétique et isolée. Bientôt, nous comprenons qu'elle est depuis longtemps en profonde dépression après un événement traumatique. On pourrait penser qu'une telle description de l'intrigue prédispose à un spectacle extrêmement sombre, moralisateur et lourd. Mais Eva Victor surprend le spectateur en évitant les stéréotypes.

Elle a créé un film qui parle moins de l'obscurité du désespoir et de l'horreur du traumatisme que de la façon dont une personne fait face à ces expériences. De la manière dont la lumière pénètre progressivement dans l'obscurité. Dans ce récit mesuré et parfois froid, la valeur de la chaleur que l'on peut trouver dans l'amitié, chez un simple inconnu ou même un chaton errant, se manifeste avec une clarté particulière. Le film « Sorry, Baby » dit que les choses terribles sont inévitables, mais quand il y a quelqu'un avec qui partager sa douleur, tout devient réparable.

7e place – « La Vie de Chuck »

« La Vie de Chuck » est sans doute le film le plus optimiste et le plus gentil jamais adapté de Stephen King. Mike Flanagan, qui a déjà adapté le maître à deux reprises, transforme avec soin une petite nouvelle du maître de l'horreur en un film touchant et inspirant. Le film comporte une légère touche de mysticisme et un sentiment d'inexplicable, mais surtout, il accroche au niveau des sentiments et des émotions. On ne veut délibérément pas dire un mot de l'intrigue – c'est un de ces cas où il vaut mieux voir le film avec un esprit vierge.

Un bonus agréable a été les nombreux caméos des favoris de Flanagan, les références à Carl Sagan, l'apparition ironique du réalisateur lui-même à l'écran et, bien sûr, le numéro de danse de l'incomparable Tom Hiddleston.

« La Vie de Chuck » est un film qui rappelle la valeur de la vie dans chacun de ses moments et manifestations, et un rappel très doux et important, surtout à l'époque actuelle.

6e place – « Siraat »

Il n'y a probablement pas eu en 2025 de film plus angoissant, plus actuel et plus en résonance avec l'esprit du temps que celui que l'Espagnol Oliver Laxe a apporté à Cannes. Une parabole méditative, presque onirique, sur l'errance dans le désert marocain sur une bande-son rave hypnotique, se révèle être un rendez-vous avec la réalité absolument impitoyable pour le spectateur. « Siraat » dans son troisième acte sonne l'alarme avec une rage si effrénée et ne laissant aucune autre interprétation qu'il ne reste aucune question sur ce que l'auteur essaie de dire ou pourquoi cette œuvre a vu le jour précisément maintenant. 

Laxe parle ouvertement et sans détour de la fin du monde, mais jusqu'à un certain point, il la maintient en arrière-plan, comme toile de fond de l'histoire principale, comme quelque chose de presque quotidien, se produisant en parallèle ou peut-être déjà arrivé. Nous voyons une mosaïque d'images disparates mais reconnaissables : des voitures déchiquetées, des foules de réfugiés, des sillons de chenilles dans le sable, des douilles de balles éparpillées, des bulletins radio glaçants (mais peu informatifs et n'intéressant guère les personnages), ainsi que les visages des habitants figés dans une horreur muette, comme si l'enfer venait de s'ouvrir devant eux. Que tu danses jusqu'à l'épuisement, que tu fuies sans te retourner – le trip hallucinant (dans le contexte du film, les deux sens sont valables) ne te protégera pas de la tempête. 

Les fêtards adonnés à l'évasion, dansant insouciamment en plein champ de mines – n'est-ce pas le portrait le plus précis de notre société (et en particulier des gens du monde de l'art) en 2025 ?

5e place – « The Instruments »

Dans une classe d'école, tous les élèves disparaissent soudainement et sans laisser de trace, sauf un enfant. Dans une petite ville tranquille, la panique s'installe : qu'est-ce ou qui pourrait être la cause de cette disparition massive ? L'enquête sur le mystère incombe à des figures inattendues : une enseignante tentant de noyer sa culpabilité et sa terreur dans l'alcool (Julia Garner), le père d'un des disparus (Josh Brolin), ainsi que quelques habitants dont la vie paisible dans une banlieue américaine s'est transformée en un cauchemar brisant toutes les règles habituelles.

« The Instruments » de Zach Cregger (« Barbare ») est ce rare cas où un film, devenu presque instantanément un succès au box-office, prétend en plus au statut de classique moderne du genre. Il a été disséqué, on en a débattu, il a donné l'occasion de reparler de la renaissance de l'horreur d'auteur, capable de captiver à la fois les critiques de cinéma et le grand public. Le film se distingue par les ambitions d'un bon détective et les manières d'Osgood Perkins et de Stephen King. Le film maintient habilement la tension, fait peur pour de bon, embrouille parfois délibérément, mais cela ne fait que lui profiter.

C'est sans aucun doute le meilleur film d'horreur de l'année, où l'expérimentation de genre se marie audacieusement avec une parabole élégante sur la dépendance nuisible. Et c'est fait avec tant d'art que tous les sens et références soigneusement cachés peuvent facilement être manqués du premier coup. Tante Gladys est un cas à part. Un nouvel ajout digne à la collection de monstres fascinants. Son image fonctionne à cent pour cent, même si vous ne comprenez pas complètement ce qu'elle incarne. Cependant, dans un bon film d'horreur, cette inquiétante sous-entendu est la principale force.

4e place – « The Method of Exclusion »

Yoo Man-soo (Lee Byung-hun) est un spécialiste de haut niveau avec vingt-cinq ans d'expérience dans l'industrie papetière. Propriétaire d'une maison familiale rénovée et père de famille exemplaire, il est confiant dans la solidité de son monde. C'est pourquoi un licenciement soudain est un véritable choc pour lui. Des mois de recherche d'emploi infructueuse se transforment en menace de tout perdre. Désespéré, Man-soo prend une décision radicale : éliminer physiquement ses principaux concurrents – des chômeurs qualifiés et désespérés comme lui.

En comparaison des pamphlets acerbes comme « Eddington » d'Ari Aster, « The Method of Exclusion » de Park Chan-wook semble étonnamment intimiste. Formellement, c'est aussi une satire du capitalisme avec ses absorptions, son IA et ses démons corporatifs. Mais le réalisateur fait preuve de sagesse orientale : il s'intéresse moins au système qu'à la manière dont ses dysfonctionnements se répercutent sur le microcosme d'une famille particulière. La crise survient lorsque les hommes, baignant dans la stabilité, se retrouvent au bord du gouffre après leur licenciement. Leurs femmes doivent décider : rester avec eux jusqu'au bout, en fermant les yeux sur leurs dérapages. Ou, lorsque la situation atteint le point d'ébullition, se débarrasser physiquement de l'« actif » problématique.

C'est précisément sur la moitié féminine que Park Chan-wook porte le plus d'attention, désactivant délibérément le diapason moral et restant un observateur extérieur. Au final, le point le plus fort du film n'est pas du tout son élan satirique venimeux, mais le drame industriel subtil sur des gens pris dans l'épicentre de la chute. Inattendu mais vrai : en une année de pamphlets retentissants, l'une des œuvres anticapitalistes les plus convaincantes s'est avérée être une histoire de famille.

3e place – « Sinners »

En comparaison de plusieurs autres grosses sorties très médiatisées vers la fin de 2025, « Sinners » de Ryan Coogler a semblé un peu « perdu », mais c'est vraiment l'un des triomphes les plus étranges (dans le bon sens) et les plus profonds de l'année. Et le dernier bastion des idées originales parmi les blockbusters de studio. Le film est sorti en salles dans le monde entier le week-end de Pâques et est devenu le miracle que ni Hollywood ni le public n'attendaient. Il a rapporté 368 millions de dollars dans le monde et est devenu (à ce moment-là) le film original le plus rentable des 15 dernières années, ainsi que le dixième film classé R le plus rentable de tous les temps.

Je pense que l'un des principaux secrets est que le récit apparemment local du Sud des années 1930, à l'époque de Jim Crow, se transforme en un mythe universel sur la préservation de soi contre l'assimilation « immortelle ». Cela touche tous ceux qui ont déjà ressenti une perte d'identité et de « racines », ou la nécessité de se battre pour elles.

Pour moi, tout est magnifique dans ce film, mais la musique incroyable composée par Ludwig Göransson et qui est la véritable héroïne principale agit comme un défibrillateur pour l'âme : du blues, avec la voix époustouflante de Miles Caton pour qui le rôle dans « Sinners » a été ses débuts au cinéma (mais c'est presque impossible à croire) aux motifs irlandais, et l'une des meilleures bandes originales originales des dix dernières années.

Ce n'est pas une réinvention du cinéma vampirique, en fait, ce n'est même pas un film d'horreur. À l'époque actuelle des popcorn movies avec des messages imposés évidents qui cessent simplement de fonctionner parce qu'il n'y a pas d'âme derrière leur création, une histoire aussi réfléchie et personnelle, qui fait ressentir quelque chose à autant de spectateurs dans le monde entier, est une bouffée d'air frais. Tout cela transforme « Sinners » en une expérience qui ne se produit pas souvent ces derniers temps. Exagération ou non, je suis sûre que nous parlerons de ce film pendant des années.

2e place – « The Battle of the Battle »

Paul Thomas Anderson a refait « Le Monde de Nemo » (si vous êtes fan des classiques, alors « La Prisonnière du désert ») avec un volume de Thomas Pynchon à la main. Dans la version du réalisateur, l'intrigue classique d'un père quelque peu paranoïaque et perdu tentant de sauver son enfant en réalité bien plus adapté à la vie (dans ce cas, sa fille) se transforme en un grand roman américain. Le père interprété par Leonardo DiCaprio ne peut accepter un monde où il est une relique d'une époque révolue ; les nazis cherchent l'amour et la reconnaissance ; les révolutionnaires d'hier sauvent, bien qu'avec une incroyable absurdité, le jour présent. Partout, c'est la confusion, la peur de perdre les idéaux avec lesquels les héros, en règle générale, se perdent eux-mêmes.  

L'adaptation directe de la prose de Thomas Pynchon dans la carrière d'Anderson était « Vice caché », mais c'est dans « The Battle of the Battle », seulement inspiré par Pynchon, que le réalisateur s'est permis une légèreté, a su refléter la redondance du style de l'écrivain, l'absurde mélancolique de ses romans. Des nonnes avec des mitraillettes ; l'hystérie de DiCaprio qui a oublié le mot de passe secret ; le maître de karaté (le grand Benicio del Toro) qui danse lors de l'arrestation. « The Battle of the Battle », comme les meilleures œuvres classiques, est terriblement captivant, on a immédiatement envie de le revoir. Et par cela seul, il l'emporte sur cette réalité à la critique de laquelle, dit-on, il est consacré.

1re place – « Valeur sentimentale »

L'année 2025 brûle de la flamme des drames familiaux. Ainsi, parmi les concurrents bruyants, parfois ironiques, « Valeur sentimentale » conquiert le spectateur par sa sincérité la plus pure. Il semble que le film en respire du premier au dernier plan, du prologue avec l'histoire de la maison et ses détails discrets, jusqu'à la fin ouverte où l'interprétation des relations des personnages principaux reste hors champ.

« Valeur sentimentale » est particulièrement thérapeutique à regarder avec ses proches, car ce sont eux que l'on veut comprendre et pardonner dans l'année qui s'achève. Il faut ajouter à l'idée de miséricorde mutuelle le duo d'acteurs Renate Reinsve et Stellan Skarsgård, et il ne reste aucun doute que c'est le meilleur film de l'année.