Vous ne connaissez Scorsese qu'à travers « Casino » et « The Irishman » ? Voici une sélection de cinq films, dont un biopic sur Bouddha, un drame féministe et une comédie horrifique sur un employé malchanceux, et tout cela est tout aussi réussi que s...

Martin Scorsese s'est imposé auprès du public du monde entier comme un maître de premier ordre du cinéma de gangsters et de leur entourage ; il connaît chaque centimètre des « mauvaises rues » de première main.

Mais derrière le paravent des « affranchis » et autres gangs de New York se cache un grand auteur, capable de réaliser aussi bien une satire féroce des médias que le premier anti-musical bien avant « La La Land ».

« La Valse des pantins »

« T'as déchiré à la télé. T'es une star » — ces paroles d'une chansonnette du projet « Star Factory » décrivent ironiquement l'intrigue de l'une des œuvres atypiques et importantes du grand Italo-Américain du cinéma mondial.

Après son retour en forme avec le cultissime « Raging Bull », Scorsese voulait concrétiser le projet de sa vie — « La Dernière Tentation du Christ » de l'écrivain grec Nikos Kazantzakis, mais cela ne se concrétisait pas. Et là, par chance pour Martin, son fidèle ami et acteur principal de sa carrière, Robert De Niro, lui conseilla de se changer les idées et de tourner un film d'un genre plus léger.

Le résultat fut une comédie paranoïaque sur un comédien de stand-up raté et stalker expérimenté, Rupert Pupkin, qui vit avec des silhouettes en carton de stars dans son appartement et distingue rarement la fantaisie de la réalité. Pour enfin obtenir ses 15 minutes de gloire (presque à la Warhol), il kidnappe tout simplement le présentateur télé du pays et le prend en otage.

« La Valse des pantins » est le père biologique du « Joker ». Tous les thèmes, comme l'anti-héros misanthrope, le show-business comme usine à broyer les personnalités et une société indifférente créant un terreau pour l'émergence de freaks déments, ne sont pas encore aussi développés ici, et le film se passe de « bain de sang », mais la tension et la peur d'un personnage qui ne connaît pas le mot « non » se ressentent encore plus fortement.

Amusant, dans « Joker », De Niro, qui jouait Pupkin chez Scorsese, apparaît cette fois dans le fauteuil d'un présentateur télé respectable qui humilie publiquement Arthur Fleck. Et on ne peut que se demander : est-ce le « clown urbain » devenu adulte, qui a rejoint le système après son triomphe, ou simplement un autre maître des destins d'une chaîne à audience ?

Il est intéressant de noter que l'insistance et l'entêtement du personnage de Pupkin irritaient surtout Scorsese lui-même. Il lui était souvent émotionnellement difficile d'être en salle de montage et d'assembler les plans du film. Des personnalités comme Rupert avaient récemment tiré sur Reagan et Lennon et envoyé des lettres anonymes menaçantes au réalisateur lui-même après le tournage de « Taxi Driver ». Il y avait de quoi craindre.

« After Hours »

Dans la liste des œuvres les plus sous-estimées de Scorsese, la comédie noire « After Hours » revient le plus souvent. Une expérience de genre unique d'un maître mature, qui n'est pas devenue populaire dans son pays natal, mais qui a remporté le Grand Prix du Festival de Cannes, devançant dans cette catégorie « Le Sacrifice » de Tarkovski.

Dans l'intrigue, un jeune programmeur new-yorkais fatigué de la routine rencontre un jour une jolie inconnue dans un snack et convient d'un rendez-vous dans son appartement du quartier de SoHo. Ce voyage le privera de son argent, de sa raison, de sa maîtrise de soi et le fera découvrir le côté obscur de la Grosse Pomme. « After Hours », même 40 ans plus tard, semble extrêmement vivant et frais. Cela fonctionne à différents niveaux.

Les motifs du héros injustement accusé, traqué par une foule de justiciers enragés, réinterprètent ironiquement « Le Faux Coupable » d'Alfred Hitchcock. La bande originale fascinante et inquiétante du film fait un clin d'œil malicieux aux partitions angoissantes de Bernard Herrmann, et la manière de filmer copie carrément les mouvements de caméra dans « Pas de printemps pour Marnie ». Et la femme fatale qui a ruiné les plans d'une nuit tranquille du héros hérite directement de la tradition des blondes hitchcockiennes.

Martin a réalisé le film-thérapie idéal pour chaque spectateur. Après l'échec commercial et critique de « La Valse des pantins » et une pneumonie mal soignée, Scorsese tourne un film où les revers de fortune s'abattent en avalanche sur le personnage.

En voyant ces mésaventures incessantes, tout spectateur les comparera à sa propre vie et comprendra que tout n'est pas si mal.

« After Hours » entrouvre la vie secrète de la ville nocturne et pousse ce mystère à son maximum : des expositions conceptuelles d'art contemporain dont n'importe qui peut être le matériau ; des clubs et bars de divertissement où règnent bacchanales et absurdités incontrôlées ; et des habitants étranges, comme figés par les froides lumières au néon.

Tout cela crée une atmosphère de cauchemar kafkaïen éveillé, une succursale de l'enfer dans un quartier sombre de New York, où les étrangers traverseront tous les cercles de l'enfer de Dante et seulement alors, peut-être, se libéreront du terrier du lapin.

« Alice n'est plus ici »

Qu'est-ce qui unit « L'Exorciste » et cette curieuse dramaturgie proféministe du jeune Italo-Américain ? L'actrice Ellen Burstyn. Après avoir magnifiquement interprété le rôle de la mère dans « L'Exorciste », ayant reçu la reconnaissance du public et un Oscar, elle décida, en tant que productrice, de créer une histoire sur la longue quête du bonheur féminin dans l'Amérique pavillonnaire, sur la route de briques jaunes dans les rues désertes et vagabondes.

Pour le rôle de réalisateur, elle sollicite Scorsese. L'auteur de la ballade sur la Petite Italie et ses habitants n'avait jamais placé une figure féminine au centre de ses histoires.

Les hommes forts, autoritaires et malheureux étaient l'épine dorsale de ses récits. Pour rapprocher Martin de la compréhension de l'optique féminine, l'équipe de tournage du futur film fut recrutée exclusivement parmi le sexe opposé.

La monteuse était Marcia Lucas, épouse du futur auteur de la grande space opera ; l'assistante réalisatrice était la compagne de l'époque, Sandy Weintraub ; et la chef décoratrice était Toby Rafelson, épouse du réalisateur des célèbres « Five Easy Pieces ».

« Alice n'est plus ici » surprend d'abord par sa forme de présentation. Le prologue du film était réalisé dans le style du « Magicien d'Oz » de Fleming. Un immense décor de studio féerique de l'enfance de l'héroïne principale basculait brusquement, comme une tornade qui passe, dans la réalité grise et usée du rêve américain, avec un mari abuseur et des rêves perdus d'une cité d'or sous un ciel bleu.

Presque tous les plans sont filmés à la caméra à l'épaule, vivante, à la Cassavetes et aux auteurs de la « Nouvelle Vague » française. Dans ce film, Scorsese se donne une liberté totale et tourne un film résolument dans la tradition européenne, sortant de sa manche des hommages à « À bout de souffle » et « Les Quatre Cents Coups ».

Et l'odyssée éternelle de l'héroïne à travers les motels et divers coins pauvres de l'Amérique, en quête de liberté intérieure, permet même de surnommer officieusement le film « Alice dans les villes », à la manière du classique éponyme de la « Nouvelle Vague » allemande.

Mais bien sûr, le principal atout et joyau du film est Ellen Burstyn elle-même dans le rôle d'Alice. Son héroïne emprunte le meilleur des personnages féminins cultes au bord de la crise de nerfs, comme l'effrayante psychologiquement « Une femme sous influence » du même Cassavetes et l'hallucinant « Rosemary's Baby » de Polanski.

Jouant dans un registre allant de la folie à la peur dévorante pour son avenir, elle dessine un nouveau portrait de la femme américaine qui se libère des chaînes patriarcales et se rapproche de la compréhension de ses véritables désirs.

« Kundun »

Si « La Dernière Tentation du Christ » bouleversait la vie du fils de Dieu, le montrant comme un homme avec des passions, provoquant un mécontentement massif des organisations religieuses, allant jusqu'à des manifestations de protestation, « Kundun » est à l'opposé dans son propos. Bien que le film ait également révolté l'opinion publique, cette fois chinoise, et ait interdit à jamais l'entrée en Chine aux membres de l'équipe de tournage.

La vie réelle de l'actuel 14e Dalaï-lama est présentée dans le genre du biopic historique et somptueux, parfois trop stérile et respectueux envers le héros du film : du moment de l'acceptation de son élection dans l'enfance jusqu'à la fuite forcée en Inde à cause de la menace « rouge » chinoise. Scorsese présente Kundun de manière distante et un peu froide, non sans raison.

Le bouddhisme n'est pas une confession proche de Martin. Il est un catholique profond. Mais le réalisateur tente de comprendre un courant religieux qui lui est étranger et de représenter à l'écran le miracle du grand humanisme.

Le Bouddha, avec la foi homonyme, est associé chez lui à sa mère, Catherine Scorsese, la personne principale et aimée de sa vie, qui est apparue dans des caméos marquants dans presque tous les films de son fils. Les crédits du film lui sont dédiés. La femme est décédée au moment du tournage du film.

C'est en partie pourquoi le regard du réalisateur dépeint le Dalaï-lama non pas comme un personnage vivant avec des démons intérieurs, mais comme une véritable divinité, miraculeusement capturée par l'objectif de la caméra. Scorsese ne peut contenir sa vénération pour cette figure et transforme parfois le film en un madrigal talentueux.

Mais la déférence et la position d'auteur inégale envers la personnalité du vrai Kundun sont considérablement nivelées par le travail du chef opérateur, le grand Roger Deakins. Le chef opérateur des chefs-d'œuvre des frères Coen imprègne la toile du film de la splendeur de la couleur et de la lumière.

Les rituels populaires chinois, les paysages enneigés majestueux et infinis de l'ancien Tibet, les premières années oniriques du nouveau Bouddha, qui ne connaissait pas encore sa destinée. Et au centre de la table, toutes les nuances de rouge : la couleur des drapeaux de l'empire chinois qui approche, la rage et la colère des habitants pacifiques, et le sang de centaines de moines innocents assassinés dans l'une des scènes principales, à la fois fascinante et terrifiante du film.

« Kundun » est un portrait de cérémonie de la nouvelle réincarnation du Bouddha, exécuté professionnellement et techniquement avec précision. Il ruisselle des couleurs de la vie du Dalaï-lama et ne lésine pas sur la saturation de l'image, ce qui en fait l'un des plus beaux films de Scorsese de toute sa carrière. Mais du point de vue de l'histoire, à certains moments, il s'effrite comme une ancienne mandala de sable, ne laissant que des souvenirs d'une grandeur possible.

« New York, New York »

« La La Land » devrait se pousser, car ce film classique de 1977 anticipe le célèbre film de Damien Chazelle.

Cette approche révolutionnaire ne fut appréciée ni par le public ni par la critique. Beaucoup considérèrent le film comme une imitation directe du cultissime « Cabaret » de Bob Fosse et furent déçus qu'après « Taxi Driver », Scorsese ait pris une mauvaise direction.

Vers la fin de la guerre, au rythme du jazz, deux personnes se rencontrent. Ils ne s'entendent pas, mais deviennent bientôt un couple et une union créative talentueuse. Un jeune saxophoniste et une jeune chanteuse traverseront le feu et l'eau, mais n'échapperont pas à l'épreuve des trompettes de cuivre.

« New York, New York » est d'un côté, chair de la chair, un hommage gras et éclatant à tous les classiques hollywoodiens d'avant et d'après-guerre, en particulier « Chantons sous la pluie » de Stanley Donen, « Funny Girl » de William Wyler et « Un Américain à Paris » de Vincente Minnelli.

La stylistique colorée et la méthode de tournage particulière, Scorsese les recrée avec une ferveur cinéphile. Des décors de studio de taille gigantesque, des maisons enneigées de poupée, une symétrie à la Wes Anderson et une atmosphère de fête qui est toujours avec vous ne laissent aucun doute qu'il s'agit d'un hommage au genre américain principal.

Pour plus d'authenticité, le rôle principal féminin fut confié à Liza Minnelli — grande chanteuse et actrice hors du commun, fille du classique hollywoodien Vincente Minnelli et de Judy Garland, l'interprète canonique de Dorothy dans « Le Magicien d'Oz ». Et Robert De Niro fut envoyé pendant trois mois dans l'orchestre du célèbre Benny Goodman pour apprendre les bases du saxophone.

Mais Scorsese n'aurait pas été lui-même s'il n'avait pas enfreint les règles et créé l'un des premiers anti-musicaux. Toute l'idylle d'un monde où le happy end est une condition obligatoire de la vie, il la perturbe avec des personnages trop réels pour le genre féerique.

Ils sont comme les héros des films de Cassavetes : désemparés et malheureux de leurs actes, ils divisent l'écran en parties. Et sur fond de leurs sentiments réels et tumultueux, le monde idéal de la comédie musicale devient profondément faux, un décor de théâtre plat qui s'effondre face à la vraie vérité de la vie.