Un film qui à la fois fascine, effraie et hypnotise. Nous analysons pourquoi « Le Bruit de la chute » est devenu le plus discuté à Cannes et ce que le public national y verra grâce à la société A-One à partir du 4 décembre.

« Le Bruit de la chute » est l'un des films les plus discutés du Festival de Cannes 2025. Les débuts de Masha Shilinski ont reçu le Prix du Jury et sont devenus la candidature allemande aux Oscars, mais ont suscité de vives controverses. Une partie du public sort de la salle déconcertée : le film n'offre pas d'intrigue conventionnelle et évite les explications directes. Il travaille avec les sensations, la mémoire et le corps, plutôt qu'avec la fable. C'est précisément ce qui le rend si hypnotique.

Le film raconte l'histoire de quatre jeunes filles de différentes époques, de la Première Guerre mondiale à nos jours, qui passent leur jeunesse dans une ferme. Cependant, la narration couvre de nombreux liens familiaux. Grands-mères, mères, sœurs et filles subissent la pression de la société, quelle que soit l'époque. Vulnérabilité, résistance, silence s'entrelacent en un récit dense. Elles ne se mentionnent pas directement, mais perpétuent inconsciemment une chaîne de traumatismes infantiles, de réflexions sur la mort et d'explorations de la corporalité.

Ce sont souvent les sensations physiques qui passent au premier plan. Erika, l'héroïne des années 1940, veut comprendre comment son oncle sans jambes parvient à marcher avec des béquilles, alors elle attache sa jambe gauche avec une corde et boitille dans le couloir. Les mutilations suscitent aussi la curiosité d'Alma, une fillette d'une génération plus âgée. En réalité, beaucoup de choses intéressent la petite fille : pourquoi le frère aîné a-t-il été mutilé, pourquoi la peau de grand-mère n'est-elle pas aussi élastique, pourquoi Alma a-t-elle été nommée d'après sa sœur décédée ?

– Que se passe-t-il si on meurt ? demande la fillette au milieu de la nuit.
– Rien, répond sa sœur aînée Mia.

« Le Bruit de la chute » parle de la répression des émotions, du cri du cœur. Quand le corps ne supporte plus la pression ou le regard insistant, et qu'on voudrait pouvoir commander à son cœur comme à sa main ou à sa jambe. Masha Shilinski montre comment la corporalité devient le prolongement de questions que l'enfant ne peut pas encore formuler. La curiosité ici n'est pas physiologique mais existentielle, et le corps est le seul langage accessible par lequel l'enfant tente de comprendre le monde.

Le spectateur se sent comme un fantôme errant, remarquant parfois ce que les héroïnes ne peuvent pas savoir. Par exemple, que les femmes de génération en génération se mordent la main ou rient à contretemps. Ce sont des détails qui ne se transmettent pas par héritage avec les histoires clés de la famille. Ce sont ces hasards qui sont adoptés à un niveau inconscient.

De plus, c'est une histoire profondément féminine. Lenka aime par-dessus tout l'odeur de l'humidité de la cave, de la vase sur la peau et du vernis à ongles. Vous avez reconnu ?

Masha Shilinski saute délibérément entre les générations, privant le spectateur de repères. Cela renforce la sensation mystique de ce qui se passe et transforme « Le Bruit de la chute » en deux heures et demie de traumatismes répétés. Mais cette histoire a aussi des ancres. Des dizaines d'événements se déroulent dans les mêmes pièces. La ferme devient un symbole de l'espace de la mémoire.

La mort apparaît également dans chaque chapitre avec une constance lancinante (ou bourdonnante ?). Elle s'infiltre dans les quatre histoires, indirectement, par des récits ou directement. La réalisatrice a accordé une attention particulière aux rituels funéraires et aux photos post-mortem. Ainsi, le spectateur peut suivre l'attitude envers la mort à travers les années. Si de nos jours, on parle des défunts d'une certaine manière et que le corps est toujours confié à des services spécialisés, dans les années 1910, on photographiait les morts au même titre que les vivants et on conservait les corps à la maison pendant plusieurs jours.

Outre une série de symboles, les histoires sont unies par la bande originale de la chanteuse suédoise Anna von Hausswolff. Une mélodie chantante relie les héroïnes d'un fil ténu. Dans le texte de la composition Stranger, on trouve les vers : « There is no time, there is no face, there is no me ». L'héroïne lyrique perd son identité, mais l'étranger la convainc de ne pas avoir peur et de suivre le soleil — une métaphore à la fois de la mort et de la vie éternelle.

Un autre accent sonore est défini par le bruit. Il monte en sifflant, appuie sur les tympans, amplifie l'anxiété, puis s'interrompt brusquement. Et dans le silence assourdissant, le pire se produit.

« Le Bruit de la chute » ne donne pas de réponse à l'énigme éternelle de la vie après la mort et n'impose pas d'attitude à son égard. Certaines filles réfléchissent à la mort en découvrant le monde, d'autres croient que l'on peut se réincarner en mouche, un autre symbole de mort et de pourriture. Tout ce qui est construit est voué à la destruction. Les morts partent dans l'au-delà avec une Bible, et le reste reste à la famille. On peut le détruire, comme un four, ou le conserver, comme une poupée.

Malgré la diversité des époques, les figures féminines du film forment un champ unifié. Ce n'est pas une « histoire de femmes » slogan, mais une étude subtile de la façon dont les filles de différentes générations apprennent à vivre dans un monde où les adultes aussi ont peur, se trompent et se taisent.
Le rôle de la mère n'appartient pas ici à une seule femme : c'est une figure collective, répartie entre toutes les générations — des arrière-grands-mères aux filles qui ne comprennent pas encore le fardeau qu'elles portent.

La tendance à la nostalgie est devenue omniprésente, il est inutile de le nier. Masha Shilinski se tourne vers le passé à travers la pellicule, la corporalité, l'hérédité et la mémoire. Son optique se ressent comme une photo usée dans un cadre en bois sur la commode de grand-mère.

« Le Bruit de la chute » parle du fait qu'il existe des choses plus fortes que le temps, et que la douleur n'est qu'une forme d'amour. La réalisatrice rassemble avec soin, à partir d'époques disparates, un chant unique où chaque héroïne est l'écho d'une autre. Et quand le bruit final s'arrête, quelque chose se fige dans la poitrine. Nous ne sommes pas seuls dans nos peurs. Nous faisons partie d'un chœur invisible qui chantait bien avant notre naissance et qui résonnera après notre mort.