Le « Mépris » de Godard vous a plu ? Découvrez 5 autres films sur les coulisses de l'industrie cinématographique : de la comédie de Fellini au magnum opus de Clint Eastwood.
Le 30 octobre, « Le Mépris » de Jean-Luc Godard débarque pour la première fois sur les écrans du pays. Le voyou et avant-gardiste français critique sans pitié l'industrie cinématographique et la compare à une usine de transformation des talents en matière première pour le système des studios. Si vous connaissez déjà l'œuvre du classique, il est temps de découvrir d'autres films qui mettent les points sur les i dans le thème de la production cinématographique.
L'industrie cinématographique a toujours été une proie facile pour les déclarations féroces et acérées des réalisateurs. Sous la pression des auteurs se retrouvaient aussi bien les stars déchues, prêtes à tout pour retourner au pays des rêves, que tout le « zoo hollywoodien dans toute sa diversité ». Dans notre liste accusatrice, il y a une place pour les illusions innocentes sur les héros de cinéma et les conséquences de l'enfer de la censure des studios.
« Le Cheik blanc » (réal. Federico Fellini)
Un jeune couple arrive pour la première fois à Rome. Lui est un pragmatique imposant, elle est une rêveuse volage. Ensemble, ils vont succomber à la tromperie de la ville éternelle et perdre à jamais leurs illusions sur le cinéma.
« Le Cheik blanc » de Fellini est intéressant non seulement pour sa moquerie de l'institution du mariage et l'influence de cette comédie résolument vaudevillesque sur l'œuvre ultérieure du réalisateur, jusqu'aux « Nuits de Cabiria » et « La Strada » — chefs-d'œuvre du néoréalisme, mais aussi pour sa critique douce et précise du culte de la personnalité des acteurs, que les spectateurs considèrent parfois comme des créatures immortelles et sans péché.
L'héroïne principale, rencontrant son idole pour la première fois devant les caméras, ne cesse d'admirer sa bravade, son courage feint et ses discours mielleux.
Dès que la redoutable épouse du « cheik blanc » apparaît à l'horizon, tout se remet en place. Derrière l'image immaculée du héros vaillant et indomptable se cache un lâche trompeur, un noceur et un débauché qui, au cours de sa vie dissolue, a brisé plus d'un cœur innocent. Et voilà l'héroïne déçue debout au bord de la rivière, prête à sauter.
Fellini montre avec entrain et légèreté à quel point les rêves et les fantasmes sur le héros à l'écran peuvent être destructeurs pour une personne. Il fait comprendre sans moraliser que de nombreuses illusions de l'industrie cinématographique peuvent se substituer à la vie réelle et le faire de manière irréversible.
« Cinéma sur le cinéma » (réal. Valéry Roubintchik)
Un auteur autrefois prometteur, désormais réalisateur de seconde zone de films de gangsters, dans un sanatorium perdu de Dieu, se livre à des rêves douloureux sur les films de Fellini et Tarkovski, et tente de survivre dans les conditions de la production cinématographique moderne.
Le classique méconnu du cinéma national Valéry Roubintchik, avec l'éminent scénariste Anatoli Grebnev, crée dans le décor d'une maison de cinéastes abandonnée une tragi-comédie amère sur l'industrie cinématographique nationale et ses principaux problèmes.
Rassemblant une troupe de premier ordre — de la star du passé Valéry Nikolaïev aux sommités Tatiana Lavrova et Stanislav Lioubchine — ils écrivent l'histoire de la maladie du nouveau siècle du cinéma, et le font avec clairvoyance et audace.
Des vieilles babioles du siècle dernier comme la série de romances sur le plateau de tournage au véritable mal ordinaire — le pouvoir des producteurs. Ici, il ne se refuse rien et peut facilement changer le genre annoncé du thriller en mélodrame, puis carrément transformer le chaos créé en comédie musicale. Comme on dit, si on doit mourir, que ce soit en musique.
Roubintchik et Grebnev regardent avec tristesse ce cinéma disparaître et, avec toute leur ironie, parfois même une satire acerbe, ne laissent aucune place aux nouvelles règles du jeu.
« Living in Oblivion » (réal. Tom DiCillo)
Le névrosé Steve Buscemi dans le rôle d'un réalisateur excentrique, avec un groupe de cinéastes indépendants américains, tente de tourner un nouveau film indé. Chaque fois, quelque chose tourne mal, et le processus déjà compliqué se transforme en un carnaval fou de toutes les nuances de la vie réelle d'un studio de cinéma.
Tom DiCillo, ancien directeur de la photographie, a adopté son style absurde. Dans « Living in Oblivion », il déconstruit avec une ferveur juvénile le rêve de nombreux cinéphiles débutants, futurs conquérants de Sundance et de Cannes.
Jim Jarmusch a 68 ans ! On se souvient de pourquoi on aime cet éminent réalisateur américain qui ne ressemble à personne.
Open materialCe qui, dans les rêves, semblait une grande magie, un acte de miracle incroyable, apparaît à l'écran comme un apocalypse en miniature et un enfer sur terre. DiCillo n'hésite pas à dépeindre la vie cinématographique sans fard, c'est pourquoi un micro qui réapparaît dans le cadre et une sonnerie de téléphone lorsque la caméra est allumée côtoient des crises d'acteurs de tous registres et des adultères de toutes sortes.
« Living in Oblivion » est la vérité 24 images par seconde avec tout ce qui s'ensuit. L'œil du réalisateur n'échappe pas aux détails des conditions de vie de terrain de milliers d'artistes libres qui tournent leurs films pour l'art éternel.
Un jour, une porte des films de Lynch apparaîtra même pour prouver la thèse : « Le cinéma est un rêve ». Avec une température de 42 sans antipyrétiques, mais n'est-ce pas là le principal plaisir ?
« Les Voyages de Sullivan » (réal. Preston Sturges)
Comédie culte du classique un peu oublié de l'âge d'or d'Hollywood Preston Sturges sur un réalisateur de studio à succès, John Sullivan, qui décide un jour de réaliser un drame social sur la vie des pauvres. Rassemblant ses hardes de vagabond, il part en voyage au bout du monde pour comprendre la vie des indigents.
« Les Voyages de Sullivan » est une satire qui ne s'éteint pas même un demi-siècle après sa sortie, montrant avec une précision étonnante l'immense fossé entre les représentations des créateurs sur les errances des clochards et la vie réelle des personnes défavorisées. Car enfiler un chapeau usé, une chemise sale et des chaussures trouées ne signifie pas encore devenir sans-abri.
Cela est confirmé par de nombreuses scènes où le faux vagabond Sullivan « mystérieusement » retourne à Hollywood. Sturges se moque aussi vivement des « bonnes intentions » des artistes aisés qui veulent créer une toile tragique sur l'existence des pauvres, mais ne se doutent pas que les gens privés de richesses et d'une vie confortable veulent en réalité simplement rire à satiété pour oublier quelques minutes sous les rayons de l'art.
Pendant une heure et demie, Sturges appelle l'industrie cinématographique à ne pas faire semblant de comprendre la vie mieux que ceux qui connaissent la pauvreté de première main.
« Chasseur blanc, cœur noir » (réal. Clint Eastwood)
Clint Eastwood, armé d'un regard impénétrable, d'une manière condescendante envers les autres et d'un cigare au coin de la bouche, incarne l'histoire réelle de l'aliénation de l'éminent réalisateur américain John Huston sur le tournage du culte « L'Odyssée de l'African Queen ».
À première vue, c'est un film d'aventure sur un réalisateur téméraire et incontrôlable, prêt à saboter un tournage coûteux sur le continent le plus lointain pour avoir la chance de chasser les majestueux éléphants d'Afrique.
Mais derrière cette intrigue aventureuse se cache une critique subtile et acerbe de toute l'industrie cinématographique hollywoodienne qui, avec ses exigences parfois insupportables et le pouvoir omniprésent de la censure, pousse même les plus talentueux et indépendants à la mégalomanie et à l'obsession des capitaines Achab. Ce qui pousse à plus qu'un crime ordinaire, dont les conséquences seront ressenties par tous.
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