Pennywise, Annie Wilkes, l'Homme de la Lune, le chat Church et tous les autres... Nous évoquons les adaptations des œuvres du « roi de l'horreur » qui nous semblent les plus dignes.

Dès demain, le film d'horreur comique « Le Singe », basé sur la nouvelle éponyme de Stephen King, arrivera dans les cinémas russes. Le film a été apprécié par la presse professionnelle. Certains critiques ont même qualifié cette nouveauté de « l'une des meilleures adaptations des œuvres du maître ». Les membres de notre équipe qui ont déjà vu le film d'Oz Perkins partagent également ce point de vue, mais ce n'est pas le sujet ici. Nous ne pouvions pas laisser passer une telle occasion médiatique, et avons donc décidé de partager avec vous une liste de films basés sur les livres du « roi de l'horreur » qui nous tiennent à cœur.

Si, en énumérant les films préférés basés sur les œuvres de Stephen King, on ne mentionnait pas la première adaptation de son premier roman, qui a été le point de départ de sa carrière, une telle liste serait certainement incomplète. Au centre de l'intrigue se trouve une lycéenne timide et confiante, Carrie (Sissy Spacek). Ses camarades se moquent régulièrement d'elle à l'école, et sa mère, une fanatique religieuse, exerce une pression psychologique constante à la maison, la reprochant même pour les plus petites fautes. En même temps, elle découvre en elle une capacité inhabituelle : la télékinésie. Les camarades de classe, qui préparent une blague cruelle à son encontre, ne se doutent pas des conséquences auxquelles ils seront confrontés.

Pendant la majeure partie du film, nous observons la vie de l'héroïne principale. Cela crée une atmosphère oppressante, correspondant au monde cruel des adolescents. Le harcèlement scolaire, le puritanisme religieux, l'aliénation sociale – tout cela pourrait être la base d'un véritable drame social. C'est peut-être cette approche artistique qui rend le film encore plus effrayant, ou du moins désagréable. Bien que le film de Brian De Palma puisse sembler dépassé à bien des égards aujourd'hui, il est toujours capable de provoquer un sentiment de malaise, même chez les spectateurs les moins avertis.

Une mini-série unanimement considérée comme plutôt ennuyeuse, que certains regardent même en entier – les trois heures d'affilée comme un seul film. L'idée est sauvage, mais elle révèle en quelque sorte de nouvelles facettes du cinéma de Hooper. Tobe Hooper est un grand réalisateur, intéressant par la façon dont il ressent la matière de ses histoires : en regardant « Massacre à la tronçonneuse », on peut facilement se sentir comme l'héroïne principale dans la scène culminante où on la force à regarder le mal en face ; dans la nouvelle sur l'œil étranger de « Sac à cadavres », la tête tourne à cause de la tromperie constante de la vue.

« Salem » s'inscrit logiquement dans cette tradition : ce film est parfois aussi fatigant que la vie dans une petite ville, mais par moments fascinant, comme un magasin d'antiquités qui s'ouvre soudainement, et bien sûr, effrayant, comme le cercueil d'un vampire (d'ailleurs superbement maquillé) dans la cave de ce magasin.

De nombreuses scènes de « Salem », peu connues aujourd'hui, ont influencé le cinéma d'horreur à leur époque, et le thème clé – la rapidité avec laquelle le mal se propage dès son apparition – ne semble toujours pas archaïque. Observer comment le mal s'empare d'une petite ville est intéressant à la fois comme exemple de panique morale, comme métaphore d'épidémies bien plus réelles, et, en fin de compte, comme un commentaire actuel sur la vie de toute société qui croit en sa propre vertu.

Jack Torrance (Jack Nicholson) arrive à l'hôtel qui se prépare pour un sommeil hivernal mort. Les derniers clients et employés partent. Les chambres vides du château raffiné – presque un organisme vivant – sont à la disposition de Jack et de sa famille. Au milieu des montagnes enneigées infinies, le héros se retrouve enfermé pour tout l'hiver. Les chambres vides de l'hôtel Overlook, qui gardent un secret, riment avec les recoins sombres du subconscient de Jack lui-même dans une ode solennelle aux ombres.

L'esthétique de « Shining » se compose de l'intérieur élégant de l'Overlook, des paysages hivernaux sombres et de la peur vivante qui remplit tout l'espace extérieur et intérieur.

La composante psychédélique et effrayante de « Shining » est calibrée avec une précision mathématique, comme la célèbre perspective de Stanley Kubrick. Le film est rempli soit d'énigmes freudiennes, soit d'échos du chaos obscur de l'hôtel lui-même. Un tel terrain mystérieux a engendré de nombreuses théories plus ou moins folles : des vidéos YouTube de la série « Vous n'avez pas compris Shining » au documentaire de Rodney Ascher.

Un thriller étonnamment traditionnel pour le réalisateur David Cronenberg, une adaptation directe de l'un des meilleurs romans de l'auteur. Johnny Smith (l'éminent Christopher Walken), un professeur d'école qui, après un accident et cinq ans de coma, découvre un don de voyance. Vivre avec ce don n'est pas facile, et prendre les bonnes décisions est encore plus difficile. C'est bien quand la prémonition vous dit comment sauver un garçon, mais que faire si vous serrez la main d'un politicien et voyez qu'il déclenchera une troisième guerre mondiale ?

Beaucoup ont évoqué « Dead Zone » dans le contexte de la campagne électorale américaine, et c'est probablement caractéristique. Peu importe que le président Trump ressemble ou non au personnage de Martin Sheen – un politicien populiste qui promet tout à tout le monde – ce qui compte bien plus, c'est le désespoir qui imprègne le dernier tiers du film. Comment une personne ordinaire peut-elle influencer non seulement le cours de l'histoire, mais même des élections locales ? Comment atteindre les politiciens ? Johnny Smith donne une réponse très précise et donc très triste.

Selon Stephen King lui-même, il considère le roman original comme le plus effrayant de ses livres – et l'adaptation est à la hauteur. Le film de Mary Lambert est non seulement vraiment effrayant, mais aussi incroyablement triste. Commençant par un événement triste (malheureusement banal dans la vie de beaucoup), la vie idéale de la charmante famille du docteur Louis se transforme en enfer. Mais on ne peut blâmer le personnage principal pour ses décisions que par un grand amour pour ses proches et le désir de les protéger de la douleur.

Une certaine naïveté, propre aux films des années 80, ne gêne pas, mais crée au contraire un contraste fou et terrible. Le beau jeune couple interprété par Dale Midkiff et Denise Crosby, leurs merveilleux enfants jouant sur la pelouse, l'« americana » impeccable dans l'esprit de Frank Capra, le camion rouge, le voisin sinistre (l'inimitable Fred Gwynne), les flashbacks effrayants de l'enfance de la femme du docteur Creed – ces images restent solidement gravées dans la mémoire.

Pendant longtemps, il m'a été difficile d'imaginer un film que l'on pourrait détester aussi fort – non pas à cause de sa qualité, mais à cause de son absence d'espoir. Ce n'est pas seulement un bon film d'horreur, déjà devenu un classique, mais aussi un drame dont la force tragique peut rivaliser avec la plupart des autres représentants du genre.

« Je suis votre plus grand fan » – une phrase extrêmement effrayante pour une personne de renommée mondiale. King connaît bien les fans obsessionnels, capables d'envoyer des squelettes de chatons ou même un scorpion vivant à leur auteur préféré. Que dire, Mark David Chapman a rencontré personnellement Stephen King, le louant. Et un an plus tard, il a tué John Lennon. Oui, ça arrive aussi.

Tout cela a conduit l'écrivain à créer le roman « Misery » (1987), et en 1990 est sortie l'adaptation cinématographique du même nom avec la merveilleuse Kathy Bates dans le rôle principal. L'histoire n'a pas de sous-texte fantastique ni de mal mondial sous la forme du clown Pennywise. Il n'y a qu'une fan obsessionnelle qui a eu la chance de rencontrer son auteur préféré blessé. Comment aurait-elle pu passer à côté et laisser passer l'occasion de le garder en otage ? Annie Wilkes ne connaît pas la réponse à cette question. Et elle le prend en main, littéralement.

La tension constante, l'atmosphère oppressante et les scènes violentes de la « plus grande fan » font leur effet. « Misery » n'a pas besoin de jumpscares pour effrayer le spectateur, un espace clos et l'impuissance du personnage principal suffisent. Dans le contexte actuel, le film semble encore plus pertinent, car la distance entre les stars et les fans s'est considérablement réduite grâce à Internet. Aujourd'hui, chacun peut harceler une célébrité dans les commentaires, la rendant paranoïaque. Et pour cela, il n'est même pas nécessaire de lui casser les jambes.

« Le Poids du corps » n'est pas le roman le plus connu de Stephen King, et son adaptation, réalisée par Tom Holland (à ne pas confondre avec l'interprète de Spider-Man), figure rarement dans les listes des meilleurs. De plus, l'adaptation cinématographique a reçu des notes assez basses de la part des critiques. On peut difficilement qualifier le film d'effrayant, et même avec la représentation d'horreurs corporelles à l'écran, il est douteux de le classer dans le genre horreur. Néanmoins, j'apprécie indéniablement la composante idéologique de ce film.

Derrière l'histoire (presque une parabole) d'une malédiction gitane qui pèse sur un avocat, un juge et un policier malhonnêtes, se cache une critique du système judiciaire corrompu. C'est pourquoi, dans le livre et le film, la justice est confiée à un baron gitan centenaire. Dans « Le Poids du corps », des gens habitués à tout résoudre avec des pots-de-vin rencontrent un détenteur d'un pouvoir supérieur, qu'il est impossible de soudoyer et pas si facile d'intimider. En bref, la morale est on ne peut plus claire : les pécheurs seront de toute façon punis pour leurs actes.

Parmi les qualités du film, on peut également souligner le travail des maquilleurs. Si au début le personnage principal, joué par John Burke, ressemble à quelqu'un qui s'est échappé d'une stupide comédie américaine des années 1980, vers la fin il se transforme en un squelette ambulant avec de la peau tendue par-dessus. Et l'acteur lui-même a fait des efforts pour transmettre ces changements : pendant le tournage, il a perdu près de dix kilogrammes.

On sait bien avec quel soin Stephen King traite les adaptations de ses œuvres. L'écrivain n'accepte pas que les réalisateurs chargés de l'adaptation s'écartent du texte, modifiant les fins et les caractères des personnages. Ainsi, des œuvres cultes comme « The Running Man » de Paul Glaser et « Shining » de Stanley Kubrick mentionné plus haut sont tombées en disgrâce auprès du « roi de l'horreur ». Cependant, dans certains cas exceptionnels, King est prêt à pardonner l'arbitraire des cinéastes.

Par exemple, l'écrivain a été ravi de la façon dont Frank Darabont, qui avait déjà réalisé « Les Évadés » et « La Ligne verte », a retravaillé le dénouement de l'histoire dans le film « Le Brouillard ». Si la nouvelle originale se terminait par une fin ouverte, où le sort ultérieur des héros n'était pas prédéterminé, les dernières minutes du film sont un spectacle émotionnellement dévastateur. Et ce dénouement semble plus approprié du point de vue dramatique que celui du livre.

Pour le reste, « Le Brouillard » est une adaptation assez fidèle au texte original. C'est à 100% une « œuvre kingienne » ! Les principaux monstres ici, comme d'habitude, ne sont pas d'énormes araignées ou une créature avec un tentacule, mais des gens qui, dans des conditions extrêmes, sont prêts à croire n'importe quelle absurdité et, sur ordre de charismatiques assoiffés de pouvoir, à commettre des atrocités.

Le réalisateur Mike Flanagan est déjà tacitement considéré comme l'un des meilleurs faiseurs d'horreur de notre temps, ainsi que l'un des meilleurs adaptateurs des romans de Stephen King (en première place, bien sûr, Frank Darabont). Comme le roman original, le film « Le Jeu de Gerald » est un thriller psychologique intimiste qui, en réalité, ne parle pas tant de cauchemars et de survie d'une femme enchaînée à un lit, que de la lutte contre ses démons intérieurs, de la libération des chaînes d'un mariage depuis longtemps dépassé et de la (re)découverte de soi en tant que personne. Le film établit un équilibre habile entre l'atmosphère d'horreur, le drame et les réflexions quasi philosophiques.

Bien que les événements se déroulent dans une seule pièce et que toute l'histoire repose sur l'héroïne interprétée par l'incroyable Carla Gugino, le film peut rivaliser avec beaucoup d'autres en termes de suspense, de conception sonore et de solutions visuelles. Il n'y a pas de jumpscares, mais un sentiment d'horreur flotte dans l'air, et ce qui se passe à un moment donné fait douter que l'héroïne soit consciente. Certaines scènes sont filmées comme si nous observions des hallucinations ; pendant le visionnage, nous croyons de moins en moins à la réalité de ce qui se passe, et ce n'est qu'à la fin que la situation s'éclaircit.

Oui, par rapport au roman de King, l'intrigue du film se déroule trop rapidement (en moins d'un quart d'heure), et certaines expériences et peurs intérieures sont décrites superficiellement. Dans certaines scènes, Flanagan doit expliquer directement les métaphores et le symbolisme. Mais la durée du film n'est que de 103 minutes. King avait plus de liberté à cet égard. Mike a clairement fait de son mieux et a réalisé une bonne adaptation, qui démontre que l'espace et le temps limités ne sont pas un obstacle si l'on place correctement les accents dans le scénario et que l'on utilise habilement le son et l'image.

Une nouvelle de Stephen King, éclipsée par les adaptations d'œuvres plus célèbres, raconte l'histoire d'un fermier, James Wilfred, qui a tué sa femme. Il a jeté le corps dans un puits, où il a été immédiatement dévoré par des rats. La justice officielle n'a pas touché le fermier – pas de corps, pas de crime. Mais bientôt, le fantôme de sa défunte épouse a commencé à lui apparaître, et James a commencé à perdre la raison.

Un film d'horreur minimaliste et austère qui ne plaira pas aux amateurs de films d'horreur grandiloquents avec des frayeurs obligatoires vivant dans une cave quelconque. « 1922 » ne se disperse pas du tout sur le surnaturel, mais se situe plutôt près du drame, centré sur l'homme et ses démons intérieurs. Ce n'est pas pour rien que le film a été tourné par le directeur de la photographie attitré du réalisateur Taylor Sheridan, Ben Richardson. Son objectif est toujours focalisé sur les visages rugueux des hommes simples qui doivent faire face à de dures épreuves. Ainsi, capter l'ambiance de la véritable gothique sudiste et des paysages moroses du maïs qui pousse partout est possible dès les premières images grâce à sa main légère.

Et la star principale du film est sans aucun doute Thomas Jane (« Jeudi sanglant »), qui a incarné à l'écran l'image du mal sans charme, mais qui a su attirer le spectateur par les tourments moraux après le meurtre commis. C'est une histoire lente et oppressante dans l'esprit des romans de Dostoïevski, sur le fait que le criminel, d'une manière ou d'une autre, n'échappera pas à la punition. Et même si Thémis n'a rien à voir ici, des forces magiques peuvent entrer en jeu.

« Ça » a eu un tel impact parce que Andrés Muschietti n'a pas simplement adapté King, mais a rendu l'histoire vraiment vivante et proche du public. Le « Club des losers » est le cœur du film : les enfants sont si authentiques qu'on s'inquiète vraiment pour eux, même si on n'est plus soi-même adolescent. Au lieu d'un ensemble standard de clichés d'horreur, il y a des choses plus effrayantes – le harcèlement et les problèmes familiaux. Et bien sûr, le monstre effrayant des égouts n'a pas été oublié.

Et Pennywise interprété par Bill Skarsgård – c'est une tout autre histoire. Il est à la fois effrayant et hypnotique, comme s'il invitait le spectateur dans son propre labyrinthe de peur. Les épisodes « bouh » fonctionnent à merveille : tantôt on vous effraie avec l'apparition soudaine d'un clown agitant le bras arraché d'une victime, tantôt on vous enveloppe d'une atmosphère d'angoisse. Mais l'essentiel est que le film non seulement fait peur, mais aussi fait se souvenir de son enfance, de l'amitié et de ces moments où l'on a compris pour la première fois que la peur peut être vaincue.