Si vous ne le saviez pas encore, Interstellar a fêté ses 10 ans cette année. Nous avons également décidé d'écrire un texte pour rendre hommage au film et à ses créateurs. Nous avons un peu tardé, car nous étions sur la planète aquatique Miller, et n'...

Le 6 novembre 2014 a eu lieu la première mondiale d'Interstellar, un film que beaucoup ont qualifié de plus personnel de la carrière de Christopher Nolan. De plus, ce film spatial est considéré comme le plus féministe de la filmographie de Nolan, alors qu'il est régulièrement critiqué pour ses personnages féminins en carton (car ce sont les héroïnes principales qui prennent les décisions cruciales sauvant l'humanité).

Le réalisateur a rejoint le projet lorsqu'un autre metteur en scène s'est retiré. Nolan n'a pas eu peur de travailler avec un matériau déjà partiellement façonné : il a simplement commencé à apporter activement des modifications, à ajouter ses propres idées et à adapter le scénario à sa vision.

Le résultat final a suscité deux réactions mutuellement exclusives chez les spectateurs : certains ont été profondément touchés par le film, tandis que pour d'autres, il est devenu la principale source d'irritation cinématographique de 2024 en raison de contradictions et de défauts scénaristiques. Nolan lui-même prend les critiques d'Interstellar avec calme : il ne se considère pas comme un génie ou un artiste, mais plutôt comme un artisan, car il reconnaît que ses films reposent sur des astuces techniques, des abstractions et des conventions. Habituellement, il n'utilise pas le cinéma comme un moyen d'exprimer quelque chose de personnel qui jaillit de son cœur ; pour lui, c'est une occasion de refléter les expériences des autres et de communiquer avec le public.

Cependant, peut-être qu'avec Interstellar, il a fait une exception et partagé quelque chose d'intime. Quoi qu'il en soit, le cinéma est une affaire subjective, et dans cet article, nous essaierons de comprendre ce que Nolan voulait dire et s'il y est parvenu.

L'auteur de cet article est un fan de longue date de l'œuvre du réalisateur Christopher Nolan. En travaillant sur cet article, j'ai décidé de diviser le matériel en plusieurs parties : dans une partie, nous analysons les sens et les sous-textes du film, dans la seconde, l'accent est mis sur le processus de tournage, afin de montrer la complexité technique du film. Au final, le matériel est devenu énorme, mais j'ai essayé de compenser cela par des faits intéressants et des citations du réalisateur lui-même. J'espère qu'au final, vous ne vous ennuierez pas à (re)plonger dans l'univers stellaire de Christopher Nolan.

Sur Terre

Formellement, le développement de l'idée d'un projet sans nom sur les voyages spatiaux a commencé dans les années 2000, lorsque Steven Spielberg était en fauteuil de réalisateur et que Jonathan Nolan (le frère de Christopher) travaillait sur la première ébauche du scénario. Mais on peut supposer que les premiers germes du concept de voyages interstellaires pour le film que nous connaissons aujourd'hui sous le nom d'Interstellar sont peut-être nés dans les années 1970, lorsque Christopher Nolan, âgé de sept ans, a vu Star Wars pour la première fois. Élevé par l'émission scientifique Cosmos de Carl Sagan et inspiré par l'opéra spatial de George Lucas, il a créé son premier film, Space Wars, composé en grande partie d'images d'archives de la NASA obtenues par son oncle.

Initialement, dans la version du scénario de Jonathan Nolan, il n'y avait qu'une seule planète — une planète de glace, et là, le personnage principal n'attendait pas Matt Damon, mais des mines creusées par les Chinois, des robots, des dispositifs de contrôle de la gravité, des extraterrestres fractals capables d'absorber la lumière du soleil, et une station spatiale au-delà de l'espace et du temps. À la fin, le héros parvenait à retourner sur Terre par le même trou de ver.

Ainsi serait peut-être le film Interstellar dans un autre univers où Steven Spielberg serait resté réalisateur du projet. Mais en 2009, le metteur en scène est parti travailler sur d'autres films, et Jonathan a proposé à Warner Bros. de prendre son frère Christopher, qui venait justement de terminer la trilogie du Chevalier noir en 2012. Et deux ans plus tard, en 2014, sortira le film le plus personnel de Christopher Nolan dans sa filmographie.

En rejoignant le projet, Christopher a réécrit les deux tiers de l'histoire imaginée par son frère. L'exposition du film, où l'on fait la connaissance de la famille Cooper, puis où les employés de la NASA clandestine se préparent au vol — c'est Jonathan qui l'a imaginée. Christopher n'a ajouté ici qu'un seul personnage, mais très important pour lui : la fille Murph. Initialement, dans le brouillon du scénario, Cooper n'avait qu'un fils, mais Christopher était très inquiet d'être séparé de sa fille, qui avait alors 11 ans, à cause du tournage. Il a donc fait du personnage de Matthew McConaughey un père de plusieurs enfants, soulignant ainsi la proximité particulière du père avec sa fille plutôt qu'avec son fils. Tous les événements qui arrivent aux héros de la mission spatiale après leur départ dans l'espace sont le scénario corrigé et poli par Christopher, avec des références à 2001 : L'Odyssée de l'espace et Rencontres du troisième type (Nolan a parfois dit qu'Interstellar était sa propre Odyssée de l'espace, faisant référence à la fois aux idées du film, à l'ampleur des événements de l'intrigue et au tournage difficile).

Interstellar — une science-fiction sur l'amour et la survie

Christopher Nolan a réussi à intégrer plusieurs films en un seul. D'abord, on dirait que l'on regarde un film d'horreur, où des forces inconnues laissent des symboles sur le sol poussiéreux. Ensuite, un film de voyage spatial se présente à nous. À la fin, nous vivons un drame familial profond.

Cependant, Interstellar ne se limite pas à ces formules de genre. Le film de voyage spatial se transforme à un moment donné en un classique épique de survie, simplement les jungles sauvages ou les montagnes enneigées sont remplacées par les étendues cosmiques. Ici, nous voyons différentes facettes de la médaille.

Vous savez, Cooper, pourquoi on n'envoie pas de robots dans ce genre de missions ? Un robot ne sait pas improviser, car on ne peut pas lui programmer la peur de la mort. Notre instinct de survie est la plus grande source d'inspiration. (Interstellar)

D'un côté, un fort instinct de survie pousse le docteur Mann à tromper, attirant ainsi l'équipage de l'Endurance sur sa planète. L'isolement et la solitude jusqu'à la fin de la vie sont ce avec quoi le psychisme humain ne peut pas facilement s'accommoder ; il est impossible d'exister dans de telles conditions. C'est essentiellement la mort, mais pas physique, spirituelle.

D'un autre côté, Cooper est également confronté à l'instinct de survie, mais le dilemme le rattrape dans d'autres conditions — lorsqu'il tombe du trou noir Gargantua dans le tessaract, un hypercube existant en cinq dimensions. Malgré la liberté d'action dans cet espace et la possibilité de se battre pour sa vie, le personnage de Matthew McConaughey reste bloqué à un endroit — la chambre de Murph. En grande partie, il le fait par culpabilité d'avoir abandonné sa fille, et ce sentiment est plus fort que le désir de survivre.

C'est précisément l'intrigue du tessaract qui nous aide à comprendre qu'Interstellar est une sorte de conte de fantômes, mais pas comme dans les films d'horreur, plutôt comme dans un drame familial. Ici, les parents deviennent les fantômes du futur de leurs enfants. Christopher Nolan a voulu ajouter cette idée au film parce qu'il souffrait de la séparation d'avec sa fille. Si l'on connaît ce sous-texte, on le ressent tout au long du film. L'histoire de fantômes se boucle très joliment : elle commence par des symboles de sable sur le sol et des livres qui tombent, et se termine dans l'hypercube où Cooper essaie de communiquer avec Murph du passé.

D'ailleurs, le tessaract à la fin est l'un des principaux éléments d'Interstellar qui suscite incompréhension et irritation chez beaucoup. La plupart le perçoivent comme une intervention dans l'intrigue pour sortir d'une impasse dramatique. Mais ce n'est pas une idée aléatoire qui a illuminé Nolan au fur et à mesure qu'il retravaillait le scénario ; elle était dans le film depuis le début. Les héros mentionnent pour la première fois des amis extraterrestres inconnus lors des conversations sur le trou de ver à la base de la NASA. L'étrange hypercube est leur création.

De plus, Nolan lui-même a noté qu'un élément scénaristique similaire avait été utilisé par Kubrick dans son Odyssée de l'espace, mais là, le mécanisme créé par les extraterrestres était basé sur les capacités intellectuelles. Dans Interstellar, ce sont les liens émotionnels qui priment, sur lesquels repose le système de valeurs des êtres extraterrestres et la méthode même d'interaction avec le tessaract. Si l'on se connecte à la tragédie personnelle de Cooper en tant que parent, la communication intangible et pas toujours logique du héros avec les extraterrestres devient compréhensible à un niveau intuitif.

Nous arrivons ici à la discussion sur le fait qu'Interstellar est un film qui explore le pouvoir de l'amour humain. Selon beaucoup, c'est le principal problème et défaut du film, qui tente de faire appel à la science mais sombre dans les émotions. Selon l'intrigue du film, lorsque la logique recule et que les héros décident avec leur cœur, c'est alors qu'ils prennent les bonnes décisions. Mais cela ne signifie pas que Nolan voulait dire que la science n'est pas importante. Le réalisateur voulait simplement rappeler que l'amour est important.

Dans les conventions du cinéma, une telle déclaration sur fond d'espace vide semble plus belle et sincère que jamais. Par amour pour sa fille, Cooper quitte la Terre et, par amour pour elle, il essaie par tous les moyens de revenir. C'est ce sentiment qui le motive, et non le désir de devenir un héros et de marquer l'histoire. Ainsi, Nolan réfléchit à la nature des actions humaines : pourquoi les gens ont-ils accompli et accomplissent-ils divers exploits dans la vie réelle ? La réponse est simple : soit pour survivre, soit pour revoir le visage d'un être cher. Les humains n'ont pas tendance à penser à l'échelle mondiale, bien que la culture aime beaucoup exalter et embellir les motivations des gens, en leur ajoutant le désir de sauver l'humanité. Cette idée est le plus clairement exprimée par le docteur Mann avant d'abandonner Cooper à la mort.

Tout ce qui précède nous amène à la conclusion qu'Interstellar est un film de science-fiction qui est pourtant dépourvu de clichés de genre. Christopher Nolan laisse de côté ce qui est généralement montré et constitue un élément important de l'intrigue dans la SF. Nous devons deviner nous-mêmes les détails du monde dépeint. Par exemple, nous ne voyons pas de nouvelles criant à l'apocalypse de poussière, il n'y a pas d'images de l'humanité souffrante ou de réunions de scientifiques étudiant les moyens de sauver les gens ou la planète.

Dans les films qui parlent d'apocalypse, on attend généralement des scènes expliquant ce qui se passe. Dans Interstellar, la situation sur Terre est décrite assez brièvement : nous obtenons des informations grâce à une série de courtes interviews sur la crise climatique au début du film, et lorsque nous voyons des objets poussiéreux dans la maison de Cooper. De plus, ces entretiens avec des personnes âgées sur l'apocalypse sont des extraits du mini-documentaire Dust Bowl de 2012 réalisé par Ken Burns. Nolan les a insérés dans le film avec l'autorisation de l'auteur.

Ensuite, on nous plonge dans l'histoire personnelle de la famille principale, en racontant les problèmes à la ferme et à l'école. En conséquence, le film fantastique ne nous donne pas l'ampleur attendue pour développer la problématique. En revanche, il raconte en détail l'histoire tragique d'une famille que le temps et l'espace ont séparée.

Trahison, errance et le principal méchant d'Interstellar

L'intrigue d'Interstellar est comme un gâteau à plusieurs couches. Lorsqu'une couche se termine, une autre se révèle, ouvrant de nouvelles possibilités mais posant aussi de nouveaux dilemmes. Tout au long du film, un fil rouge invisible traverse l'histoire de la trahison : d'abord, Cooper est émotionnellement anéanti par le mensonge du professeur Brand, puis il se retrouve au bord de la mort à cause de la tromperie du docteur Mann.

Dans un certain sens, la trahison est une conséquence de l'errance des personnages dans Interstellar. Nolan avait déjà abordé ce thème dans d'autres de ses films — Memento, Inception et la trilogie du Chevalier noir. Aucun lien ne retient les héros en un lieu, ils sont seuls, donc ils n'ont nulle part où aller. Beaucoup d'entre eux n'ont rien à perdre, ce qui obscurcit leurs repères moraux.

Dans Interstellar, cette idée est incarnée avant tout par ces mêmes scientifiques partis étudier d'autres mondes pour le bien de l'humanité. Ils pensaient que l'absence de liens proches était pratique, mais lorsqu'ils se sont retrouvés loin de leur planète natale, ils ont ressenti une véritable solitude. C'est ce sentiment qui imprègne tout le film, en contraste avec l'amour. Plus les héros misent, plus leur solitude et leur égarement sont grands. D'un autre côté, plus le héros a de liens, plus c'est difficile pour lui. Et cette thèse est brillamment illustrée par l'histoire de Cooper, à des millions d'années-lumière de ses proches.

Cependant, Nolan n'essaie pas de montrer uniquement le côté négatif d'un tel isolement. À travers les actions et les décisions des héros, il démontre que la solitude est parfois une nécessité. Car, pour avancer, il faut inévitablement laisser quelqu'un et quelque chose derrière soi.

C'est pourquoi Interstellar est le film le plus émotionnel de Christopher Nolan à ce stade de sa carrière. Le réalisateur réfléchit aux attachements et aux relations entre les personnes : les sentiments peuvent-ils indiquer aux gens le bon chemin et changer les destins pour le bien (y compris en déplaçant des livres et en utilisant des codes secrets). En réfléchissant aux relations humaines, il mène doucement l'histoire vers une discussion sur les occasions manquées, les mots non dits et les décisions non prises. Car Cooper ne se libère pas des liens avec ses proches, mais continue de s'y accrocher et de revenir à son traumatisme parental — avoir abandonné ses enfants sur Terre. Cette même errance circulaire, Nolan l'avait déjà montrée dans Memento, où le personnage de Guy Pearce ne pouvait pas surmonter la perte de sa femme, et son seul but était la vengeance pour la mort de sa bien-aimée.

"La force de nos liens est un rappel important que nous ne sommes pas seuls." (Christopher Nolan)

Comme déjà dit, le thème des liens entre père et fille apparaît dans le film pour une raison : Nolan souffrait de la séparation d'avec sa fille à cause du tournage. C'est pourquoi Interstellar est devenu pour lui personnellement un film sur la paternité. Mais Christopher ne veut pas que les principaux méchants soient les erreurs des parents ou la trahison de personnages spécifiques. Dans son film, le principal méchant est le temps, qui agit toujours contre les héros. Face à l'inexorabilité du temps, les actions du professeur Brand et du docteur Mann pâlissent.

Dans l'espace

À la recherche de paysages cosmiques sur Terre

Christopher Nolan est célèbre pour minimiser l'utilisation d'effets spéciaux numériques et réduire le rôle de l'écran vert dans ses films. L'inconvénient d'une telle décision est un budget gonflé, mais tant que les studios le lui permettent, pourquoi pas. Le réalisateur aime beaucoup les tournages en extérieur et l'utilisation d'effets spéciaux analogiques. Par exemple, la scène de l'explosion à Paris pour le film Inception a été tournée dans la rue avec de véritables effets spéciaux, presque sans trucages numériques. Travailler dans "l'espace ouvert" n'a pas fait renoncer Nolan à sa règle.

Le tournage d'Interstellar a commencé en août 2013 : le premier lieu était la province canadienne de l'Alberta, où, selon l'intrigue, vivait la famille Cooper. Nolan y avait déjà tourné des scènes de montagne pour Batman Begins, et maintenant son équipe y a planté cinq acres de maïs pour montrer les conséquences de l'apocalypse climatique. L'idée de planter du maïs a été empruntée à Andrei Tarkovski, dont Christopher aime beaucoup les films. À son époque, Tarkovski avait spécialement planté un champ de sarrasin pour le tournage du Miroir, qui a ensuite fleuri de fleurs blanches à l'écran.

Les paysages d'une beauté incroyable pour la planète Miller — le royaume de l'eau — ont été trouvés par l'équipe de tournage en Islande, sur le glacier Svinafellsjökull. Auparavant, ces décors naturels avaient été utilisés pour les scènes épiques d'entraînement de la Ligue des Ombres dans Batman Begins.

En ce qui concerne l'un des principaux éléments d'Interstellar — la navette spatiale Ranger — Nolan a également suivi ses principes. Une maquette grandeur nature de la navette a été spécialement construite sur des vérins hydrauliques, permettant aux acteurs à l'intérieur de ressentir toutes les vibrations en temps réel. La navette était située dans un studio à Los Angeles — le même où Nolan avait tourné la Batcave pour The Dark Knight Rises. Plus tard, en travaillant sur le thriller d'espionnage Tenet, Nolan s'est encore surpassé : pour l'une des scènes, il a incendié le fuselage d'un véritable avion Boeing (et il n'avait qu'une seule chance de tout filmer).

Les vérins hydrauliques seuls ne suffisaient pas à donner aux acteurs une véritable sensation de vol. C'est pourquoi un immense écran panoramique a été placé autour de la maquette, diffusant des paysages cosmiques. Ainsi, lorsque Anne Hathaway et Matthew McConaughey regardaient par le hublot "dans l'espace", leur émerveillement était sincère, et l'espace presque "réel".

La partie émotionnelle du jeu des acteurs a une importance particulière pour Nolan. En particulier, il voulait imprégner Interstellar d'émotions, faire en sorte que les images présentées éveillent chez les spectateurs des sentiments puissants — de l'émerveillement, à couper le souffle par l'ampleur. Pour cela, il a utilisé tous les moyens : l'imagerie visuelle et la musique. Il était également important que les spectateurs réagissent aux personnages.

Mais en extrayant des acteurs des émotions fortes, il est important de ne pas en faire trop. C'est pourquoi Christopher Nolan veillait à ce que la sincérité et l'ouverture des artistes, en particulier dans les scènes dramatiques, ne débordent pas, afin que les spectateurs n'aient pas l'impression de s'immiscer dans quelque chose de trop personnel. Selon le réalisateur, l'une des scènes les plus touchantes du film pour lui est celle où Cooper écoute tous les messages vidéo après son retour de la planète Miller (amusant que ce moment dramatique soit finalement devenu un mème).

"Il y avait un risque que la réaction de Matthew McConaughey soit trop naturaliste, car cet épisode éveillait en lui ses propres sentiments paternels… À cet égard, le travail des acteurs me passionne beaucoup. Je suis assis sur le plateau et je les observe, face à face, ne jetant qu'occasionnellement un coup d'œil au moniteur pour suivre la mise en scène.

Mon travail est d'essayer de vivre l'épisode comme le public le verra, de m'ouvrir aux émotions des acteurs. Il arrive qu'un acteur joue trop sincèrement, à cœur ouvert, et repousse ainsi les spectateurs : la scène devient insupportablement lourde, comme si nous nous immiscions dans l'espace personnel de quelqu'un." (Christopher Nolan)

Christopher estime que l'une de ses principales tâches en tant que réalisateur est de synchroniser le film avec la perception du public. C'est-à-dire que des scènes spécifiques suscitent certaines émotions chez les spectateurs, mais sans excès. Cela ressemble à une sorte de manipulation de la réaction du public. Mais d'un autre côté, c'est ainsi que le réalisateur nous parle à travers l'écran, indiquant ce qui le préoccupe et le touche.

Une bande originale qui emporte dans l'espace

Pendant que Christopher Nolan travaillait activement sur le plateau, le compositeur Hans Zimmer, qui a écrit la musique pour nombre de ses films, composait la bande originale d'Interstellar. Cette collaboration a commencé de la manière la plus informelle et spontanée. Avant même que Zimmer n'accepte pleinement de travailler sur le film, Nolan lui a envoyé un bref résumé d'une page : il y exposait l'essence du projet et écrivait quelques répliques. Sur la base de ces informations, le compositeur devait composer une mélodie ayant le potentiel de devenir le thème musical du film.

Hans Zimmer a créé une pièce musicale très personnelle. Plus tard, lorsque le réalisateur lui a décrit l'ampleur du film et la grandeur de l'histoire, Hans a douté que son ébauche convienne. Mais il s'est avéré que Nolan voulait exactement ce que le compositeur lui avait donné : de cette ébauche est née l'âme du film, comme le dit le réalisateur lui-même.

Une autre chose importante pour Christopher était que la bande originale utilise un orgue. Zimmer craignait que dans ce cas, la musique ne ressemble aux mélodies des vieux films d'horreur du studio Hammer (les premiers films sur Frankenstein, la Momie et Dracula) : dans ceux-ci, le son de l'orgue créait une atmosphère de tension, signalant aux spectateurs les moments clés et effrayants.

Mais Nolan avait besoin de l'orgue pour susciter chez les spectateurs une sensation d'ampleur cosmique, pour que chacun soit imprégné de révérence envers le film. Pour renforcer l'effet du son de l'orgue, le réalisateur et le compositeur ont décidé d'enregistrer les compositions dans deux endroits : au studio d'enregistrement AIR de George Martin à Londres et à l'église Temple Church, où l'écho était incroyable. C'est également dans cette église que les parties chorales d'Interstellar ont été enregistrées : pour une acoustique inhabituelle, Zimmer a eu l'idée de tourner le chœur dos aux micros. En studio, l'orchestre a été enregistré, composé de 100 personnes, dont 34 instrumentistes à cordes, 24 à vent et 4 pianistes (nous les énumérons pour que vous compreniez l'ampleur).

Mais il faut payer pour l'ampleur de l'idée, surtout en temps. L'enregistrement des bandes originales n'était pas assez rapide, il y avait un risque de ne pas pouvoir enregistrer toute la musique pour la sortie du film, et donc de dépasser le calendrier. C'est pourquoi Christopher Nolan s'est impliqué dans le processus : l'enregistrement des morceaux en studio et à l'église a commencé à se faire en parallèle. Le réalisateur contrôlait le processus à l'église, et le compositeur en studio, et vice versa.

L'idée de Nolan a réussi : la musique d'Interstellar donne des frissons et pénètre sous la peau, suscitant à la fois un sentiment de grandeur et racontant quelque chose de personnel et d'intime. Cela a également été apprécié par le jury de l'Académie américaine des arts et des sciences du cinéma : le film a reçu de nombreuses nominations aux Oscars, notamment pour le meilleur son et la meilleure bande originale (et le prix a été décerné pour les meilleurs effets visuels).

Mais cela n'a pas sauvé Nolan des critiques : beaucoup lui ont exprimé leur mécontentement, car la musique semblait trop forte et noyait les paroles des personnages, parfois difficiles à distinguer. En réponse, le réalisateur a déclaré qu'ils voulaient rendre le son physiquement perceptible, pour transmettre la force de l'ampleur des événements. Pour renforcer la vibration du son dans le film, ils ont utilisé toutes les possibilités, y compris techniques. Cependant, tout a un côté positif et négatif.

Nolan a décidé de ne pas se contenter de la bande originale, mais aussi du son du film. Il a complètement abandonné les bruits habituellement utilisés dans le cinéma de science-fiction pour sonoriser les processus, par exemple à l'intérieur du vaisseau. Au lieu de bourdonnements, de grincements et de bruissements superposés, le son a été enregistré directement sur le plateau, capturant les mouvements des acteurs dans la navette. Et le robot TARS a même été "sonorisé" dans le bureau de l'assistante de Nolan : le bruit de ses "pas" est celui de tiroirs déplacés dans une armoire à dossiers.

Nolan et Zimmer se sont investis de toute leur âme dans le développement de la musique et du son du film, afin que ce ne soit pas simplement un fond, mais un élément important à part entière, sans lequel Interstellar ne serait pas lui-même. Il n'est pas surprenant que le réalisateur ait une scène qu'il considère comme la plus émotionnelle de toute sa carrière, en grande partie grâce à la musique. Il s'agit de la scène du lancement de la fusée, lorsque le personnage de Matthew McConaughey, en larmes, s'éloigne de ses enfants, tandis qu'en fond sonore retentit le compte à rebours du lancement de la fusée et que l'orgue puissant joue. Le point culminant de la tragédie personnelle du père est le moment où tout l'écran est englouti par le feu — cette image à l'écran, Nolan l'a empruntée à Fritz Lang, qui l'a utilisée pour la première fois dans son film La Femme sur la Lune de 1929.

Comment percevoir Interstellar ?

Quand on parle d'Interstellar, on se souvient du travail techniquement complexe accompli par l'équipe de tournage. Et de la manière réaliste dont ils ont montré la science à l'écran, ce qui n'est pas surprenant, car le consultant de l'équipe de tournage était le physicien théoricien et lauréat du prix Nobel Kip Thorne. Grâce à lui, l'espace dans l'épopée personnelle de Nolan semble et "sonne" réaliste, et le phénomène du temps dilaté, l'apparition du tessaract et les motifs figurés sur le sol poussiéreux ne sont pas une fantaisie insensée du réalisateur.

Mais le caractère scientifique d'Interstellar ne signifie pas pour autant qu'il n'y a pas de place pour les émotions dans le film. En discutant des sens et des idées des frères Nolan, et en étudiant les subtilités du processus de tournage, il est clair que Christopher ne voulait pas créer une épopée scientifique stérile sur les voyages spatiaux. Il envisageait une histoire d'amour, racontée à travers le prisme de l'espace et du temps, entourée de vide.

"La réalité au cinéma fonctionne selon ses propres règles merveilleuses. Le réalisateur demande toujours aux spectateurs de croire à l'impossible et les aide à le faire. Le cinéma reste une fiction."

C'est ce que Christopher Nolan aime dire, expliquant le sens et les idées scénaristiques de ses films. Chaque film est avant tout un moyen de communication entre le réalisateur et le public à l'aide d'images visuelles, de métaphores et de dialogues/monologues des personnages. Et tout film, même documentaire, ne peut être complètement objectif, car le moindre montage et changement d'angle peuvent modifier la perception de ce qui se passe à l'écran. Un tel moment apporte de la fiction, du fantasme et de l'interprétation d'une personne spécifique dans la réalité, transformant le film en une déclaration d'auteur.

"J'ai remarqué qu'Interstellar donne plus à ceux qui n'essaient pas de lui résister. À ceux qui ne le traitent pas comme une grille de mots croisés à résoudre ou un examen à préparer… Si j'ai besoin de vous convaincre que le film fonctionne, alors il n'a tout simplement pas fonctionné sur vous."

C'est ainsi que Christopher Nolan répond à tous ceux qui critiquent le film. Et c'est probablement une excellente réponse, car le cinéma est un art très subjectif.

L'une des sources d'information lors de la rédaction de cet article était le livre de Tom Shone "Christopher Nolan : les films, les énigmes et les merveilles d'un réalisateur culte".