À l'approche d'Halloween, nous nous souvenons des films d'horreur classiques oubliés. Si vous en avez assez de revoir la chronique de la vie difficile de Michael Myers, nous vous proposons des films d'horreur pour tous les goûts : du noir sur les sat...

Pour les fans d'horreur, Halloween est pratiquement le Nouvel An, donc une occasion de revoir les classiques préférés. Cependant, même « Scream » et « The Blair Witch Project » peuvent peut-être un jour lasser. Nous avons rassemblé des films d'horreur méconnus mais remarquables avec lesquels il fait bon (et parfois effrayant) fêter la fête.

« Le Démon » (1963)

Un brillant film gothique sur un village italien où une sorcière s'est installée. Ou peut-être pas. La jeune Purif (rôle génial de Dalia Lavi) est amoureuse du fermier Antonio, mais il ne lui rend pas son amour. En dernier recours, Purif a recours à la magie noire et prépare un philtre d'amour à base de sang, et cela, bien sûr, on ne peut pas le lui pardonner. Les villageois commencent à exorciser le démon de la jeune fille, alors qu'avec leur hystérie collective et leur cruauté sans précédent, ils devraient plutôt chercher le démon en eux-mêmes.

Le réalisateur du film, Brunello Rondi, est surtout connu pour ses collaborations scénaristiques avec Federico Fellini, tandis que ses projets de mise en scène végètent, disons-le, dans l'oubli. Et c'est bien dommage. « Le Démon » n'est pas seulement un folk-horreur compétent, comme il y en a eu beaucoup dans les années soixante. C'est une exploration de la psychose collective et individuelle, une tentative de voir les humains là où il est toujours plus facile de voir des démons. Le travail de Rondi impressionne non seulement par la profondeur des observations psychologiques, mais aussi par la perfection technique : c'est un cinéma d'une rare beauté, et en le regardant, on a l'impression que personne n'a jamais filmé les collines et les jeunes filles aux cheveux noirs comme cela.

« Cujo » (1983)

Un slasher totalement injustement oublié qui avait toutes les chances de devenir un véritable classique du genre. L'une des premières adaptations des romans de Stephen King, dont les œuvres se lisent d'une traite mais sont adaptées avec succès à l'écran de manière très irrégulière. Heureusement, « Cujo » n'est pas de ce cas, et King lui-même était plutôt satisfait du film.

Comme le roman, le film de Lewis Teague raconte l'histoire d'une femme nommée Donna qui arrive avec son jeune fils dans une petite ville de province. Au même moment, un énorme saint-bernard vivant chez un mécanicien local est mordu par une chauve-souris et infecte le chien par la rage. Donna et son fils, arrivés par hasard sur un parking, deviennent les otages de Cujo et ne peuvent pas quitter l'habitacle de la voiture.

« Cujo » est bon parce que King dans le roman, et Teague à sa suite dans l'adaptation quasi pas à pas, ont exclu les rebondissements stéréotypés, remplaçant le méchant traditionnel au couteau par un chien énorme et terrifiant qui s'avère être un poursuivant tout aussi ingénieux et dangereux. « Cujo » brise souvent les schémas. Le plus effrayant se déroule dans des lieux baignés de lumière solaire, et le regard du réalisateur se concentre non pas sur les massacres sanglants, mais sur les souffrances de l'héroïne principale (dans l'interprétation brillante de Dee Wallace-Stone) qui veut désespérément sauver son fils du piège étroit et étouffant de sa propre voiture. Ces scènes créent une tension telle qu'on a parfois envie de fermer les yeux.

« La Septième Victime » (1943)

On annonce à Mary (débuts de la grande Kim Hunter, que nous aimons tous et dont nous nous souvenons pour le rôle du chimpanzé Zira dans les premiers « La Planète des singes »), qui vit dans un internat, que sa sœur ne paie pas ses frais de scolarité et de logement depuis six mois. Mary, sans ressources, ne peut pas non plus se passer de son dernier proche et part à New York à la recherche de sa parente. Là-bas, l'attendent des disparitions mystérieuses, des suicides et un culte satanique secret à l'origine de tout cela.

« La Septième Victime » est unique en tant que l'une des premières tentatives du cinéma américain de réfléchir au thème du complotisme, de l'existence de sociétés au sein de la société. Le réalisateur Mark Robson, bien que débutant, avait pour une approche aussi sérieuse des dispositions sérieuses et une expérience précieuse — avant de travailler sur le film, il était assistant d'Orson Welles sur le tournage de « Citizen Kane ». Comme le capitaliste Kane, les satanistes ici sont en quelque sorte les maîtres secrets du monde et, bien sûr, inspirent une certaine peur, mais en même temps ils éveillent aussi la pitié. Ce sont des gens très seuls, eux aussi n'ont parfois nulle part où aller, et plutôt que de se faire de vrais amis, il est plus facile de s'adresser à Satan.

Le film est intéressant non seulement comme thriller conspirationniste pour les tristes, mais aussi comme exploration de l'émancipation féminine, de la tentative de trouver une liberté individuelle dans un monde de contraintes collectives. Perdu dans l'ombre de films d'horreur plus célèbres du même studio (comme « La Féline » ou « J'ai marché avec un zombie »), « La Septième Victime » mérite néanmoins la gloire et la reconnaissance — c'est un cinéma intelligent et audacieux.

« Duel » (1972)

Steven Spielberg sait tout filmer. Y compris des thrillers dynamiques, comme « Duel », né à l'aube de la carrière du réalisateur. Un film à trois sous mais efficace, révélant Spielberg comme un metteur en scène talentueux, raconte l'histoire d'un commis voyageur nommé David (Dennis Weaver) qui devait se rendre d'urgence en voyage d'affaires de la ville A à la ville B. En chemin, il est rattrapé puis poursuivi par un camion d'aspect terrifiant, au volant duquel il semble n'y avoir personne.

Un petit chef-d'œuvre de Spielberg, où les principaux adversaires ne sont pas les humains, mais leurs voitures, qui ont cessé d'être un luxe pour devenir un culte parmi les moyens de transport. À tel point que Spielberg l'a remarqué et a pratiquement substitué les humains à l'écran par une berline rouge et un camion-citerne rouillé.

Ce film est purement adrénalinique, sans aucun sens ni sous-texte. Clair, net, économisant l'attention du spectateur et inspirant parfois une terreur authentique. Quand un camion apparemment lent peut disparaître du champ de vision et surgir soudainement d'un coin. Plus tard, ce monstre mécanique inspirera les créateurs d'un autre film d'horreur routier intitulé « Jeepers Creepers ». Et la course spectaculaire mais insensée après le camion dans le désert sera recréée par George Miller dans sa trilogie sur Mad Max.

« Rage » (1977)

Un terrible accident se produit sur la route, mais comme il n'y a pas d'hôpital à proximité, les jeunes blessés — un motocycliste et sa petite amie — sont emmenés dans une clinique de chirurgie plastique. Le garçon va bien, mais la jeune fille, tombée dans le coma, reçoit une greffe de peau. Quelques mois plus tard, elle reprend connaissance et blesse grièvement le médecin, puis d'autres visiteurs de la clinique. Le problème est qu'un dard sort maintenant de son aisselle, avec lequel elle boit le sang de ses victimes. La jeune fille, autrement dit, est devenue une vampire. Ceux dont elle boit le sang sont infectés par quelque chose de semblable à la rage et meurent au bout de quelques jours, après avoir généralement mordu quelqu'un.

Le deuxième long métrage de David Cronenberg est rarement mentionné lorsqu'on discute de la filmographie du réalisateur, et c'est tout simplement injuste. Dans le film de 1977, son style précoce a trouvé sa meilleure incarnation — des tentatives de combiner commentaire social et exploration de la corporalité. Naturellement, le vampirisme est ici une métaphore du VIH, mais pas seulement, probablement. Cronenberg s'inquiète du fait que la société salue la libération sexuelle, mais craint ses fruits — la question sexuelle, si l'on peut dire, est soigneusement refoulée dans l'ombre avec une telle persistance qu'elle finit par surgir aux endroits les plus inattendus.

« Rage » est intéressant à la fois pour sa modernisation novatrice du vampirisme, pour l'expression ouverte de ce qui dans les films sur Dracula était toujours plutôt sous-entendu, et bien sûr pour son brillant final, où les mauvaises décisions, et non la rage, deviennent en réalité la principale épidémie.

« La Gorgone » (1964)

Un film tardif méconnu du studio Hammer — un cinéma délibérément lent, traînant, où le caractère non évident de l'intrigue est renforcé par une légère absurdité du point de départ. C'est un détective rural sur la recherche d'une des sœurs Gorgones (parente de la défunte Méduse), qui s'est miraculeusement retrouvée dans un village allemand. Grâce à ses efforts, quelque part dans le premier tiers, le protagoniste et le ton du film changent également. En plus de l'atmosphère générale de légère folie, l'histoire de la Gorgone n'est pas révélée immédiatement : au début, malgré le spoiler dans le titre, les spectateurs ne peuvent que deviner ce qui transforme des gens bien vivants et respectables en statues de pierre.

Dans l'héritage de Hammer et la filmographie de Terence Fisher, réalisateur éminent (« La Malédiction de Frankenstein », « Le Cauchemar de Dracula »), « La Gorgone » est, de toute évidence, un film de second plan. Cependant, il y a quelque chose à voir et à aimer. Il s'agit avant tout, bien sûr, du duo de Peter Cushing et Christopher Lee, interprètes des rôles principaux, dont chaque scène commune est une rare joie. De plus, Lee apparaît ici dans un rare registre de héros positif, et Cushing perfectionne son image habituelle d'un homme bon qui sait quel choix est le bon, mais ne peut pas le faire.

« Maniac Cop » (1988)

Un slasher frontal et amusant de l'époque de la VHS, dont peu de gens se souviennent aujourd'hui. Et c'est totalement injustifié. « Maniac Cop » a eu deux suites grâce à la simplicité de son intrigue et à ses scènes de violence spectaculaires (Nicolas Winding Refn lui-même envisageait de relancer la franchise, mais cette question reste ouverte) et un statut culte semi-clandestin parmi les fans de cinéma trash. Il suffit de dire que « Maniac Cop » est un produit commun de Sam Raimi, William Lustig et Bruce Campbell.

Les deux premiers films de la franchise sont responsables d'un feu d'artifice sanglant consciencieux et d'une intrigue directe, tandis que le troisième ajoute traditionnellement un élément de slapstick comique. Ajoutons à cela une satire libre de la paranoïa sérieuse de la société américaine de la fin des années 80 et du début des années 90, qui a perdu confiance en tout, y compris en les forces de l'ordre, et qui a peur de sa propre ombre. Bref, le film de Lustig est un véritable copsploitation, digne sinon du sommet de la catégorie B, du moins de son juste milieu.