Si vous cherchez quoi regarder pour Halloween cette année, vous avez toujours la possibilité d'apprécier des films d'horreur de différents pays, car le langage de la peur est universel.

Les films d'horreur américains sont sans conteste les leaders du genre. Cependant, au-delà des histoires américaines, on trouve dans le cinéma mondial de nombreux exemples où des films d'horreur de différents pays sont devenus des succès bien au-delà de leurs frontières ou étaient simplement des films excellents dignes d'être vus par les fans du genre. Notre rédaction a rassemblé pour vous une sélection de dix de ces films qui vous donneront la chair de poule.

« Deux, trois, démon, viens ! » (Australie, 2022)

Le segment australien du genre horreur est principalement représenté par des zoos-horreurs, ce qui n'est pas surprenant compte tenu du nombre immense d'animaux dangereux et étranges qui y vivent. Parmi les récents, on pense tout de suite à « Veuve noire : Morsure mortelle » et « Kangourou zombie ». Bien sûr, pour une démonstration claire de la spécificité des horreurs locales, il aurait fallu choisir un film sur une petite bête aux penchants cannibales, mais j'ai décidé de prendre un autre chemin. 

L'Australie, comme le reste du monde, connaît également une invasion de post-horreurs. Mais après la sortie du film « Deux, trois, démon, viens ! » (le nom russe, comme d'habitude, fait plaisir), on a commencé à parler sérieusement de renaissance. Au centre de l'intrigue, un groupe d'adolescents qui se découvrent un nouveau divertissement. À l'aide d'une main embaumée d'un chaman, ils établissent un contact avec les âmes des défunts, devenant temporairement des médiums pour les ramener dans le monde des vivants. Il ne devrait y avoir aucun effet secondaire à ces séances si l'on respecte strictement les règles énoncées. Seulement, les héros du film n'arrivent pas à s'arrêter à temps...

Le film des frères Philippou contient des références au folklore local, un petit rap australien dynamique, un fantôme effrayant de kangourou percuté et un problème qui préoccupe les réalisateurs, enveloppé dans une belle métaphore. Les statistiques sur la consommation de substances interdites, y compris chez les adolescents, sont carrément alarmantes dans le pays. Selon une étude menée en 2019, 11 % des citoyens ont essayé la poudre blanche au moins une fois dans leur vie. C'est bien quand les cinéastes se soucient non seulement du divertissement, mais aussi de la portée sociale de leur travail.

« Le Diable » (Pologne, 1972)

« Le Diable » est un film ancien et peu connu d'Andrzej Żuławski, qu'il ne faut pourtant pas manquer. Le film se fait d'abord passer pour un drame historique sur le partage de la Pologne, la mort et la désintégration de l'État, vues à travers les yeux d'un jeune militaire polonais et ardent patriote qui rentre de la guerre. Chez lui, pense-t-il, l'attendent sa bien-aimée, son père, sa mère, sa sœur. En réalité, bien sûr, seuls la mort, la désillusion et (c'est là que réside le film d'horreur) le diable lui-même l'attendent. 

Bien que l'action du film se déroule en 1793, Żuławski, naturellement, filmait la situation politique de son époque. C'est précisément pour cette raison que « Le Diable » n'est pas un film archaïque, mais au contraire un film vivant, furieux, très effrayant. Le processus de désintégration du pays est mis en parallèle avec la désintégration de la personnalité, l'errance du héros dans un bois — avec la perte de ses repères moraux. Tout ce qui rendra Żuławski célèbre plus tard — l'expression démente, la transgression des limites personnelles et sociales, la confusion totale de la conscience qui se transmet des héros aux spectateurs — est déjà présent dans « Le Diable ». 

Le héros rentre chez lui et n'y trouve ni le pays, ni l'amour, ni la maison, mais trouve le diable, qui propose au jeune patriote non pas la connaissance, comme à Faust par exemple, mais plutôt l'oubli. Il lui propose de se voir comme le sauveur de la patrie et de tuer ses proches. « Le Diable » en ce sens n'est peut-être pas le film le plus influent cinématographiquement du réalisateur, mais l'un des plus émotionnels, effrayants et précis. Dans la mesure où une chronique de la descente aux enfers peut être précise.

« Le Chant du diable » (Irlande, 2016)

L'héroïne principale de l'horreur irlandaise « Le Chant du diable », Sofia, loue une maison abandonnée au Pays de Galles pour effectuer un rituel occulte complexe afin de contacter l'âme de son fils assassiné. Et d'après le synopsis, on pourrait penser qu'il s'agit d'un énième film d'horreur standard sur la possession, mais le diable, comme d'habitude, se cache dans les détails.

Le réalisateur Liam Gavin crée littéralement avec des moyens de fortune une atmosphère d'horreur qui pèse sur le psychisme des héros et des spectateurs, où chaque détail souligne la dévastation émotionnelle des personnages. La relation entre Sofia et l'occultiste Joseph Solomon devient le centre de la tension : leurs interactions sont comme des montagnes russes, où à chaque moment de révélation succède une chute brutale de confiance.

Le film oscille entre réalisme (modéré, pas excessif) et surnaturel, montrant comment le chagrin peut éveiller quelque chose de sombre chez une personne. Au cours du rituel, Sofia est confrontée à ses propres démons intérieurs — sa soif de vengeance et son refus de la perte entraînent des conséquences catastrophiques. Le point culminant du film (audacieux et inattendu), où Sofia trouve enfin le pardon, devient non seulement une libération pour elle, mais aussi un commentaire puissant sur la nature du chagrin et de la rédemption.

« La Malédiction. 13e étage » (Indonésie, 2022)

En général, les films d'horreur produits en Asie du Sud-Est sont un grand mème pour les spectateurs russes. Les distributeurs nationaux, désireux de tirer le maximum de profit d'un produit a priori non pertinent, le transforment, grâce au naming, en un nouveau chapitre d'une franchise connue. Le plus souvent, les séries de films « Conjuring » et « Insidious » sont victimes de cela. Mais parmi la grande multitude de films d'horreur bon marché sur les djinns et l'exorcisme au nom d'Allah (plus de 80 % de la population de la région professe l'islam), on rencontre tout de même des représentants intéressants du genre.

« La Malédiction. 13e étage » (à l'origine « Les Serviteurs de Satan 2 : La Communion ») est un spectacle vraiment pas pour les âmes sensibles. Les effets spéciaux y sont acceptables, et les jump scares fonctionnent comme il faut. Dès le premier acte, vous serez témoin d'une scène extrêmement violente et naturaliste de chute d'ascenseur. Mais ce n'est pas l'essentiel. Le film de Yoko Anwar est un bon guide de la vie socioculturelle de Jakarta dans les années 1980. Au programme : tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur l'Indonésie de ces années-là, du rite funéraire national à la décoration des appartements dans les ghettos de banlieue. Le contexte politique de l'époque sera également évoqué. 

« Les Serviteurs de Satan 2 », parvenus jusqu'à nous sous l'habit étranger de « La Malédiction », sont devenus un véritable succès dans leur pays d'origine, rapportant 19 fois leur coût de production. Et c'est aussi le premier film sud-asiatique tourné avec des caméras IMAX.

« Le Samedi noir, ou Les Trois Visages de la peur » (Italie, 1963)

Il n'y a probablement pas eu de réalisateur plus grand dans le cinéma italien que Mario Bava. Auteur d'une étonnante expressivité artistique, maître du langage visuel et, de surcroît, brillant conteur, il a, en travaillant comme opérateur, producteur, réalisateur, souvent en terminant les films des autres pour trois fois rien, changé le visage du cinéma italien et mondial. Et bien sûr, de l'horreur italienne et mondiale. « Les Trois Visages de la peur » est un film beau et dense, un point d'entrée simple dans la filmographie du réalisateur et en même temps une œuvre originale, intéressante même indépendamment de l'histoire du cinéma.

Parmi les trois histoires, disposées par ordre croissant de suspense, il est difficile d'en distinguer une en particulier. La première, qui offre un regard ironique sur la vie moderne, a considérablement influencé — sans elle, la célèbre intrigue du téléphone dans le film « Quand un étranger appelle » et la scène d'ouverture de « Scream » n'auraient peut-être pas existé. La deuxième nouvelle, qui fait référence aux classiques nationaux, est une histoire gothique très spectaculaire et effrayante sur le fait que les meilleurs invités sont ceux qui ne s'attardent pas. La troisième histoire est un prototype du giallo, un brillant récit sur l'or maudit et les femmes seules.

Roman Kovalev

Évolution du « slasher » : De « Psychose » à « Scream » et aux films de Ti West

Quand on évoque le mot « slasher », on pense aux tueurs cultes comme Freddy Krueger et au hachage créatif de personnages stupides. Nous racontons d'où vient cette formule, qui en était le principal

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Toutes les trois histoires sont, dans un certain sens, paranoïaques. Le thème de la tromperie, inscrite dans la nature de la réalité, clé dans l'œuvre du réalisateur, est ici présenté non sans ironie, mais détermine néanmoins le cours des nouvelles. Les héros ne peuvent pas croire à la réalité de la menace, ne peuvent pas surmonter leurs représentations habituelles, mais ils ont tort — quinze minutes, et il faut déjà croire en elles. Enfin, non, bien sûr. Bava est un grand réalisateur gothique, et il ne faut jamais croire les héros des œuvres gothiques.

« La Demeure des ombres » (Espagne, 2014)

Sans les réalisateurs espagnols, le genre horreur est aujourd'hui difficile à imaginer, et ils produisent régulièrement année après année, sinon des chefs-d'œuvre, du moins des œuvres solides, parmi lesquelles on peut compter « La Demeure des ombres ». Le film a été réalisé par Sergio G. Sánchez, qui avait auparavant écrit les scénarios du très effrayant « L'Orphelinat » et du film catastrophe dramatique « The Impossible ».

Au centre de l'intrigue, des enfants soudainement orphelins vivant dans une grande vieille maison. Bientôt, l'aîné d'entre eux aura 21 ans et pourra obtenir la tutelle de tous. D'ici là, il vaut mieux ne pas se montrer aux autorités officielles. Mais l'attente du jour tant attendu se transforme en torture lorsque les enfants comprennent qu'en plus d'eux, quelqu'un d'autre habite la maison. Et ses intentions sont clairement malveillantes.

« La Demeure des ombres » fait périodiquement perdre son équilibre au spectateur avec une horreur inventive et un rebondissement inattendu. Et on peut aussi y admirer tout un ensemble de futures stars hollywoodiennes : de Mia Goth à Anya Taylor-Joy et George MacKay. 

« Station fantôme » (Corée du Sud, 2022)

« Station fantôme » propose aux spectateurs un film d'horreur asiatique presque classique (la production a été assurée par des représentants de la Corée et du Japon, aussi étrange que cela puisse paraître), mais avec des éléments de détective. L'intrigue tourne autour d'une journaliste, Na-yeong, qui commence à enquêter sur la mort mystérieuse (suicide ?) dans une station de métro de Séoul.

Le film utilise les tropes habituels du genre — fantômes, disparitions mystérieuses et éléments de détective — mais le fait avec une couleur coréenne. Et bien qu'il souffre de prévisibilité, grâce au cadre (qui n'a pas peur des stations de métro sombres et abandonnées ?!), il retient l'attention et maintient la sensation appropriée d'inconnu et d'effrayant. Et quand des enfants apparaissent à l'écran... brrr... c'est même effrayant de s'en souvenir.

« Grincement » (Finlande, 2021)

Un trait distinctif d'une bonne partie de l'horreur finlandaise, et plus généralement nord-européenne, est le mal tapi dans la banlieue sereine des suburbs. La vie dans ces pays semble idéale à beaucoup, comme en témoignent divers indicateurs, tels que l'indice de bonheur de la population. C'est précisément sur la déconstruction de cette image populaire que repose le concept de nombreux films d'horreur scandinaves.

C'est justement de cela que parle le film « Grincement ». Il raconte l'histoire d'une cellule « exemplaire » de la société finlandaise, du moins telle qu'elle apparaît aux abonnés du blog personnel de la mère de famille. Un jour, un corbeau entre dans leur maison, qui ressemble à la couverture d'un catalogue IKEA, casse un cristal très cher, et paie de sa vie. Bientôt, l'héroïne principale — Tinja, 12 ans, entrant dans la puberté — trouve un œuf d'où éclot un énorme poussin qui, avec le temps, prend de plus en plus de traits humains. 

« Grincement » a fait du bruit à Sundance à l'époque. Le film fonctionne bien comme body horror avec une délectation des déformations corporelles, mais il effraie bien plus par la stérilité des espaces et la fausseté des sourires.

« Possédés par le mal » (Argentine, 2023)

Un film d'horreur argentin du réalisateur Demian Rugna sur deux frères qui doivent débarrasser un village d'un possédé du diable. Dans le monde de ce film, la présence de tels « patients » est présentée comme allant de soi, comme quelque chose de bien établi et même fatigant. L'essentiel est de ne pas attraper la « contagion », qui se transmet presque par voie aérienne. Ce qui arrive, bien sûr, à l'un des frères.

Un film assez effrayant avec des emprunts aux meilleures œuvres de Sam Raimi. Quelques scènes choquantes qui ne relèvent pas de l'irrationnel, des rebondissements scénaristiques originaux, un désespoir oppressant, un mal inéluctable et infernal dont on ne peut ni s'enfuir ni se laver. Tout cela fait de « Possédés par le mal » une petite perle du genre. Et la couleur argentine authentique en fait quelque chose de plus captivant qu'un film d'horreur ordinaire.

« Haute Tension » (France, 2003)

« Haute Tension » est un exemple frappant de la nouvelle vague de l'horreur française (je me permets une liberté d'interprétation). Le film commence comme un slasher typique : deux amies partent dans une maison isolée pour le week-end, où elles tombent sur un maniaque. Cependant, le réalisateur Alexandre Aja, aujourd'hui l'un des représentants éminents du genre horreur, utilise ce modèle pour créer un thriller psychologique complexe avec des rebondissements inattendus.

Aja joue constamment avec la perception du spectateur : ce qui semble évident au début s'avère loin d'être aussi simple à la fin. Et au niveau du sens, le film fait réfléchir sur la nature du mal et sur sa proximité avec nous. L'esthétique de la violence n'est pas seulement là pour choquer (bien que ce ne soit pas absent), elle sert de toile de fond à une réflexion sur le traumatisme et les questions d'identité.