Plongeons dans l'histoire et analysons l'une des premières œuvres du réalisateur du légendaire « Kung Fu Panda », Mark Osborne – le court métrage « More ».

En 1998, alors que le studio Aardman Animation n'avait pas encore suscité l'amour universel du public pour l'animation en pâte à modeler avec les films « Chicken Run » et « Wallace et Gromit », l'animateur Mark Osborne a créé le court métrage en pâte à modeler « More ». À ce jour, il se classe 18e au classement des meilleurs courts métrages d'animation selon IMDb, ce qui n'est pas un hasard. Voyons pourquoi.

Intrigue

Dans une ville d'un monde gris, vit un inventeur dont chaque journée est un travail routinier à l'usine, assemblant un produit appelé Happy. Chaque nuit, dans ses rêves, l'inventeur retourne à des souvenirs d'enfance colorés. Trouvant un feu intérieur, il décide de créer un appareil qui transmettrait ce sentiment. Les lunettes appelées Bliss envahissent les rayons des magasins, tandis que leur créateur, ayant perdu ses souvenirs, se transforme en un élément sans âme de la réalité.

Réalisateur

Mark Osborne est un réalisateur dont le nom apparaît dans les génériques de rares films, mais chacun d'eux est forcément connu. Car c'est lui qui est responsable des souvenirs d'enfance de la génération des milléniaux, ayant réalisé « Kung Fu Panda » et contribué aux aventures de celui qui vit au fond de l'océan.

Les amateurs d'animation non conventionnelle, Osborne les a honorés avec une interprétation magnifique du « Petit Prince », dont les marionnettes sont affinées en grande partie parce que la mécanique de travail avec les modèles de marionnettes, même sous une couche de pâte à modeler, avait déjà été pleinement utilisée 16 ans auparavant dans « More ».

Particularités de la production du film

Le travail avec l'animation en pâte à modeler n'était plus une activité inconnue pour Mark Osborne au moment de la création de More. En 1993, Osborne a réalisé un clip en pâte à modeler pour le musicien « Weird Al » Yankovic sur la chanson Jurassic Park, et en 1994, il a réalisé le court métrage Greener, sur les bases duquel « More » a été créé, partageant avec son prédécesseur non seulement des techniques de caméra, mais aussi une ressemblance extérieure des personnages.

Le film a été le premier court métrage entièrement tourné avec une caméra IMAX, avec un budget de production de 105 000 $, payé de la poche d'Osborne lui-même. La réduction du budget a été facilitée par des connaissances, grâce auxquelles le réalisateur a obtenu la caméra et les services nécessaires au tournage de la société Large Format Cinema Association. Le tournage n'était pas le travail principal d'Osborne, c'est pourquoi la création a pris près d'un an, sachant que la pâte à modeler n'était que l'enveloppe des marionnettes utilisées. Le réalisateur a mis l'accent sur l'intrigue, qui est une synthèse de composants sémantiques.

Réflexions sur l'état de la société

Si l'intrigue de Greener se concentre sur l'enfermement de l'individu dans des murs littéraux, où les moyens mécaniques remplacent la capacité physique (les canards hospitaliers auto-positionnants et la poitrine mécanique qui donne du lait en sont un exemple), le but principal de « More » est de montrer l'enfermement de l'individu dans les griffes de l'impersonnalité d'une société embourbée dans la routine, où les inventions remplacent la capacité spirituelle.

Osborne montre un monde dont la robotisation est la conséquence d'une existence obéissant à des règles et lois artificielles. L'intrigue se concentre sur le thème de la substitution du vrai bonheur. Et ce bonheur est concentré chez les enfants, qui n'ont pas perdu la capacité de voir le monde à travers le prisme de la sincérité. Les enfants incarnent le bonheur, le trouvant chaque jour, indépendamment de la mise en scène, tandis que l'adulte perd avec l'âge la spontanéité et l'ampleur de l'imagination, s'enfermant dans les limites des conditions rigides d'un monde gouverné par la « stimulation consumériste » et le capitalisme.

Une des façons d'interpréter Osborne est une réflexion sur la transmission de l'essence. Le spectateur est amené à la conclusion que le héros a mal utilisé le feu qui était en lui. D'une part, il y a le désir erroné de mettre son âme dans des moyens auxiliaires, plutôt que de rayonner à travers soi-même, et d'autre part, la poursuite de la monétisation de sa sensibilité, qui conduit à la perte d'identité.

L'inventeur ressent la vie à l'intérieur, mais Osborne ne donne délibérément aucune chance au héros. Il semble que les souvenirs au début du film, il les voit à travers les lentilles des lunettes créées plus tard. Une certaine illusion de vignette se crée – la majeure partie de l'écran est noire, et les enfants sont montrés par bribes à travers un petit cercle qui symbolise l'éloignement du personnage de la possibilité de revenir à l'état de l'enfance colorée.

Il est intéressant que le film, sorti il y a 26 ans, trouve sa pertinence aujourd'hui, alors que la société moderne, contrainte de vivre un « jour de la marmotte » dans des villes remplies de gratte-ciels, trouve le bonheur dans des moyens auxiliaires, ce n'est pas pour rien que les lunettes du même nom remplissaient les rayons des magasins.

Mais, comme dans les réalités existantes, le remplacement du vide de l'âme par le bonheur artificiel des objets (qu'Osborne représente avec des couleurs criardes et des images hallucinogènes malsaines) ne dure pas éternellement, donc un nouvel objet prend la relève. Et même les lunettes « Bliss » inventées par Osborne, qui augmentaient la réalité, ont récemment cessé d'être une fiction, trouvant leur reflet dans les lunettes de la société « Apple ».

Travail sur la couleur

Pour montrer l'impersonnalité du monde, Osborne utilise des nuances de gris, une monochromie dans laquelle le seul élément coloré intentionnellement sont les boîtes des produits Happy et Bliss. Lorsque l'inventeur voit des souvenirs en rêve, les enfants sont montrés à travers le prisme de la même couleur jaune qui apparaîtra plus tard sur les boîtes. Ainsi est transmise l'image d'une vie qui n'a plus de vernis de réalité, bien qu'elle brûle encore à l'intérieur du personnage. Les lunettes créées par l'inventeur plongent dans un monde hyperboliquement coloré, où les couleurs sont artificielles, comme la réalité créée par les lunettes. Le spectateur ne voit la naturalité de la couleur que lorsque, à la fin, des enfants vivants apparaissent à l'écran comme symbole des émotions réelles.

Musique du groupe New Order

Comme accompagnement musical du film, la composition Elegia du groupe New Order a été choisie, enregistrée en 1985 et associée par la jeune génération à la série « Stranger Things ». Le style de la mélodie correspond à la composante sémantique de l'intrigue – la monotonie du travail de l'inventeur est en accord avec la cyclicité de la composition. Mais une autre parallèle est plus intéressante : dans la littérature anglaise, « élégie » est une lamentation pour les morts. La composition a été présentée par le groupe comme un enregistrement à la mémoire du chanteur de Joy Division Ian Curtis, tandis que l'utilisation de la mélodie dans le film peut être interprétée métaphoriquement – une lamentation pour les sentiments perdus.

Ensemble des impressions et critique

Le film a reçu des critiques élogieuses de la part des spectateurs et des critiques. « More » a remporté plus de dix prix cinématographiques, mais n'a pas obtenu l'Oscar, qui est allé au court métrage « Bunny ». Mais encore aujourd'hui, l'œuvre de Mark Osborne continue de correspondre aux tendances modernes, malgré le fait que le film ait 26 ans. Aujourd'hui, il est difficile de surprendre avec IMAX et l'animation en pâte à modeler (et même entièrement créée pour réduire les coûts de production selon le même principe de « marionnette en pâte à modeler »), mais « More » parvient à intéresser à la fois par son style d'exécution et sa composante sémantique.

Valeria Stoykova

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