Le 7 décembre, le dernier anime du génial Hayao Miyazaki, « Le Garçon et le Héron », sortira peut-être en salles en Russie. À cette occasion, notre rédaction a décidé de vous expliquer brièvement pourquoi chacun des dix films du maître est magnifique...

Hayao Miyazaki est un célèbre animateur japonais qui, tout au long de sa vie, a su conquérir le cœur de millions de spectateurs avec ses œuvres. Chaque projet est un chef-d'œuvre incroyable et magnifique. Ce n'est pas pour rien que le seul anime à avoir reçu un Oscar a été réalisé par lui. Il y a dix ans, le maître sortait son dixième film et annonçait qu'il prenait sa retraite. Cependant, avec le temps, des rumeurs ont commencé à circuler selon lesquelles le génie préparait une autre œuvre, qui a enfin vu le jour cette année.

Le onzième anime (sans compter « Lupin III : Le Château de Cagliostro », qui fait partie d'une grande franchise) a déjà été présenté au festival du film de Toronto, où il a pris la troisième place et recueilli des critiques exclusivement positives. C'est là que le vice-président du studio Ghibli, Jun'ichi Nishioka, a laissé entendre que « Le Garçon et le Héron » ne serait peut-être pas le dernier cadeau du génie à ses spectateurs. Espérons-le. En attendant, toute notre rédaction attend la première, et nous avons décidé de vous raconter pourquoi Hayao Miyazaki n'a jamais connu d'échec professionnel et pourquoi chacune de ses œuvres peut facilement devenir votre préférée.

« Nausicaä de la Vallée du Vent » (1984)

L'un des thèmes qui ne quittent jamais Hayao Miyazaki tout au long de sa carrière est l'écologie. Ce sont ses réflexions sur la destruction du monde par l'homme qui ont conduit à la création du manga « Nausicaä de la Vallée du Vent », qui s'est ensuite transformé en un long métrage d'animation.

Parfois, les thèmes abordés par le film peuvent même se contredire. D'un côté, dans « Nausicaä », l'homme est présenté comme une créature terrible qui a détruit le monde dans lequel il vivait. De l'autre, l'humanité y est montrée comme digne de défendre son droit à une coexistence pacifique avec la nature et de l'aider à renaître sous une nouvelle forme.

Il faut également souligner l'image unique du monde post-apocalyptique qui nous est présentée. Remarquez : comme les oiseaux n'existent pratiquement plus depuis longtemps, les gens construisent leurs vaisseaux volants à l'image des insectes. C'est un détail, certes, mais quel détail agréable.

« Le Château dans le ciel » (1986)

« Le Château dans le ciel » est mon anime préféré de Hayao Miyazaki. Bien sûr, il y a « Le Voyage de Chihiro », oscarisé, et « Le Château ambulant », adoré de beaucoup, mais c'est ce film qui m'a le plus marqué.

Une histoire d'aventure sur la recherche d'un mystérieux château volant, convoité à la fois par des pirates et par le gouvernement. C'est un véritable blockbuster familial, comparable à « Indiana Jones » ou à « Star Wars ». Il a tout pour captiver les spectateurs de tous âges : de l'action, une histoire intéressante, des personnages hauts en couleur, une musique excellente et des images tout simplement époustouflantes.

Dans « Laputa », tout fonctionne comme un mécanisme bien huilé et magistralement assemblé, dont toutes les pièces sont fabriquées par un ingénieur de génie. Miyazaki y a trouvé un équilibre presque parfait entre la beauté majestueuse de la nature et le steampunk, pourtant si destructeur pour cette même nature. Il est tout simplement impossible de ne pas tomber amoureux de cet anime. On aura envie d'y revenir maintes fois, même des années plus tard, pour revivre avec les personnages cette aventure incroyablement captivante, pleine de joie, de rires, de bonté et de tristesse.

« Mon voisin Totoro » (1988)

« Mon voisin Totoro » est sorti en 1988 le même jour que « Le Tombeau des lucioles » d'Isao Takahata, c'est pourquoi peu de gens l'ont remarqué au début. Les festivals et les critiques se concentraient d'abord sur le puissant drame anti-guerre, plutôt que sur cette histoire assez enfantine, presque sans conflit, de deux filles qui se déplacent dans un monde de fantaisie. Mais plus tard, l'œuvre de Miyazaki a été diffusée à la télévision, et c'est là que s'est produit le véritable Totoboom, rendant le personnage si culte qu'il a même été placé sur le logo du studio Ghibli.

Le maître a voulu porter à l'écran cette histoire douce, méditative et apaisante pendant dix ans, mais n'a jamais pu trouver de financement. Finalement, la créature adorable a trouvé sa place, et le film est devenu une sorte de carte de visite de Ghibli pour de nombreuses années. Hayao Miyazaki a montré qu'un film n'a pas nécessairement besoin d'un antagoniste physique. On peut faire du mal la maladie d'un proche et ainsi soulever de nombreux thèmes importants. « Mon voisin Totoro » parle au spectateur de la peur de perdre ses proches, de la solitude, de la séparation, mais il le fait sur un territoire enfantin, à la frontière du monde de la magie et de la fantaisie, ce qui le rend plus doux à percevoir, mais non moins touchant. Et comment ne pas aimer Miyazaki après avoir vu cela ?

D'ailleurs, si « Totoro » ne vous suffit pas, vous pouvez regarder sur Internet le court métrage « Mei et le Chatobus », sorti en 2002 et projeté au musée du studio Ghibli. Malheureusement, seul un enregistrement d'écran est disponible, mais ce n'est pas un obstacle suffisamment grand pour ne pas se plonger une fois de plus dans le monde merveilleux de Hayao Miyazaki.

« Kiki la petite sorcière » (1989)

Pour le public russe, la découverte de Miyazaki commence rarement par « Kiki la petite sorcière ». C'est peut-être dommage. Car de toutes les œuvres de la légende de l'animation japonaise, c'est l'histoire de Kiki qui est la plus proche de chaque être humain, indépendamment de son environnement culturel.

Les aventures de la petite sorcière qui effectue une séparation rituelle de sa ville natale sont basées sur le livre « Le Service de livraison de Kiki » d'Eiko Kadono. Bien que le film se soit assez éloigné de l'original (à mon avis) un peu trop sucré, mettant au premier plan des conflits ambigus et les émotions complexes que vit l'héroïne principale.

Quand on regarde cette œuvre de Miyazaki à l'adolescence, l'histoire de Kiki sur le passage à l'âge adulte est une étape inévitable et familière de la vie. Quand on revoit le film à 30 ans, en exil à Lisbonne (une sorte de ville au bord de la mer), on ressent que les thèmes abordés seront probablement pertinents pour le reste de sa vie. On ne sait jamais quand on devra à nouveau tomber amoureux de son travail, chercher un nouveau langage commun avec des personnes déjà proches, ou simplement rêver de beaux vêtements.

Je pense que c'est l'une des principales composantes du génie de Hayao Miyazaki : raconter une histoire et d'une manière telle qu'elle soit proche et intéressante pour le spectateur, quel que soit son contexte de vie.

Et, bien sûr, comme toujours, une légère touche de fantaisie ajoute de la profondeur et du symbolisme. Chacun répondra par lui-même à la question de savoir pourquoi il ne comprend plus Jiji.

« Porco Rosso » (1992)

« Porco Rosso » peut être considéré comme le film le plus discrètement remarquable de Hayao Miyazaki, car il est moins une expression de la créativité du réalisateur qu'un reflet de lui-même. L'intrigue est centrée sur le thème de l'aviation, et malgré le fait que le logo du studio soit Totoro, Ghibli est le nom abrégé de l'avion italien Caproni Ca.309 Ghibli. C'est pourquoi « Porco Rosso » peut être considéré en partie comme un hommage à son père, dont Miyazaki a hérité de l'intérêt pour l'aviation.

Cet amour sincère se transmet à l'écran, car des batailles magnifiquement dessinées se déroulent dans le ciel, et le personnage principal, dont le nom se traduit littéralement par « Cochon Rouge », semble impossible à imaginer sans son avion écarlate. Miyazaki s'est tellement plongé dans ce thème qui lui est cher qu'il s'est éloigné des schémas standard de ses œuvres, faisant du personnage principal un homme adulte qu'il est assez difficile pour le spectateur d'aimer. Il ne correspond pas du tout au cadre des personnages charismatiques que Miyazaki écrit habituellement pour les hommes dans ses autres œuvres, mais il est d'autant plus intéressant de lire le portrait psychologique de Porco Rosso, avec l'apparence duquel le réalisateur identifie à la fois l'extérieur et l'intérieur.

Et le film lui-même (malgré la présence d'un début magique et de moments métaphoriques) est bien plus terre-à-terre que toute autre œuvre du maître. Le thème de la guerre et même de l'amour dans le film est alourdi par le poids du quotidien et du réalisme, ce qui ne peut que rendre l'œuvre beaucoup plus personnelle, tant pour Miyazaki lui-même que pour le spectateur, à qui il est plus facile d'intégrer dans son jugement des associations avec la réalité environnante.

« Princesse Mononoké » (1997)

Comme tout film très personnel, « Porco Rosso » n'a pas été reconnu par les masses. L'esprit de magie et l'énergie surnaturelle propres aux œuvres précédentes du maître sont ce pour quoi les spectateurs vénèrent Miyazaki. C'est pourquoi l'animateur est revenu à un schéma éprouvé, en sortant l'anime « Princesse Mononoké ».

Véritable chef-d'œuvre de l'art cinématographique, le film plonge le spectateur sans ménagement ni introductions lyriques dans les horreurs de la guerre. Miyazaki entre sur le terrain de la confrontation la plus importante de ses films — la lutte entre les principes naturels et sociaux, en s'exprimant sans censure. Des bras arrachés, des têtes transpercées, des animaux tués. La période où les premières armes à feu sont apparues au Japon est considérée comme la ligne au-delà de laquelle la nature devient particulièrement vulnérable face au besoin humain de ressources, car même l'esprit de la forêt est mortel. Pendant plus de deux heures, l'animateur, avec réflexion et sang, utilisant la force des dialogues, le charme des couleurs et une représentation graphique capable d'ébranler les cœurs par des images attrayantes ou absolument répugnantes et dures, explique que chacun essaie de trouver sa place dans ce monde.

Et seul le personnage principal, pris entre deux feux, incarne le seul équilibre véritable entre les mondes en conflit. Ainsi, le spectateur doit trouver pour lui-même dans ce film un juste milieu entre le bien et le mal, l'innocence et la violence, les paysages enchanteurs et la ville de pierre. Avant de regarder, il faut se préparer à l'atmosphère oppressante de l'histoire, mais se rappeler que même dans le monde le plus sombre, on peut trouver un moyen de renaître.

« Le Voyage de Chihiro » (2001)

Selon le projet initial de Hayao Miyazaki, le film devait durer 3 heures. Vous savez, j'aurais volontiers regardé cinq, voire dix heures, juste pour ne pas quitter ce monde. Le lore du film est si riche et varié qu'on aimerait que ce soit un jeu vidéo d'exploration en monde ouvert. Ainsi, on pourrait voyager indéfiniment dans cet univers, découvrant toujours plus de secrets et de mystères.

Les problèmes écologiques et l'inimitié entre l'homme et la nature sont parmi les thèmes les plus fréquents dans l'œuvre de Miyazaki. Dans « Le Voyage de Chihiro », Miyazaki a offert une triste histoire au personnage principal : le garçon Haku était un esprit de la rivière jusqu'à ce que les humains ne comblent sa demeure pour leurs propres besoins. Sans parler de Sans-Visage ou des esprits de la rivière, qui crient littéralement à l'écran : « Ne polluez pas les rivières ! ».

Outre le sous-texte écologique, le réalisateur parle habilement de la façon dont les coutumes européennes se sont profondément immiscées dans la vie de chaque Japonais. Les personnages sont habillés à l'européenne, conduisent une voiture européenne et envisagent de vivre dans une maison de type européen. Ce n'est pas pour rien que l'héroïne principale change de tenue et de nom. Et comment oublier le message principal du film : crois en toi et n'oublie pas qui tu es.

« Le Voyage de Chihiro » est comme un doudou préféré. Il s'est perdu quelque part dans les déménagements, mais tes pensées y reviennent toujours, et si tu fermes les yeux et imagines le temps où tu jouais avec, la chaleur réconfortante te ramène en enfance et te rappelle que ce doudou est toujours avec toi.

Valeria Fomina

« Le Château ambulant » (2004)

« Le Château ambulant » peut être considéré comme la création la plus douillette du studio Ghibli. Et ce n'est pas seulement parce que le personnage central est une femme âgée (en fait, une jeune fille, mais quand même), mais à cause des pensées et des méthodes que l'anime transmet.

Nous avons devant nous une histoire sur les tourments intérieurs et les complexes que vivent des personnages renfermés sur eux-mêmes et dans un même espace. Chacun suit un arc de personnage, se débarrassant de diverses malédictions précisément en résolvant des conflits internes. La nécessité de quitter sa zone de confort, que les personnages savourent dans leurs dialogues (que ce soit la résignation de la vieille femme ou les tentatives du jeune homme de cacher son rejet de soi), fait avancer l'intrigue. Et Miyazaki raconte que la couverture est loin d'être le reflet de la véritable personnalité.

L'image du château, inspirée de l'isba russe sur pattes de poule, constitue une métaphore ambulante continue, qui est un point de concentration de sens et d'images. Comme tous ceux qui se trouvent à l'intérieur du château, lui-même est composé de nombreux éléments hétéroclites (en quelque sorte des traits de personnalité), visuellement en conflit les uns avec les autres, mais construisant un immense édifice (lisez : la personnalité), que seule la force du feu de la vie sauve de la destruction.

Miyazaki se donne libre cours dans la représentation visuelle de l'histoire, démontrant la richesse des images colorées, jouant avec le temps et les images des personnages. Le réalisateur aborde à nouveau le thème de la guerre, mais, contrairement à ses premières œuvres, il le traite à peine sérieusement, l'utilisant plutôt comme un décor pour faire avancer l'intrigue et la croissance des personnages. C'est pourquoi, même avec des questions lourdes, « Le Château ambulant » est enveloppé de chaleur et de confort, que l'on a envie d'absorber autour d'une tasse de thé sous un plaid, assis près du feu.

« Ponyo sur la falaise » (2008)

À quoi ressemblerait « La Petite Sirène » de Disney si elle était dessinée par des Japonais ? Pourquoi s'inventer quelque chose quand on a déjà une option toute prête — « Ponyo sur la falaise ».

Un autre film méditatif du réalisateur, qui plonge le spectateur dans un état très spécifique. Ici, tout, des plans lents de la préparation des repas au magnifique monde sous-marin, contribue à l'atmosphère. Il n'est même pas nécessaire de s'attacher vraiment aux personnages, car ils existent avant tout dans ce monde étonnant que le film nous fait découvrir.

En même temps, nous avons une histoire touchante sur deux enfants qui sont encore trop jeunes pour comprendre ce qu'est l'amour, mais qui ne peuvent déjà plus se passer l'un de l'autre. C'est juste que l'un d'eux a une origine très inhabituelle. Certains pourraient trouver « Ponyo sur la falaise » trop enfantin, et je ne les en blâmerai pas. Mais est-ce vraiment un mal ?

« Le vent se lève » (2013)

Le ciel attirait Jiro depuis son enfance, mais il n'était pas destiné à devenir pilote à cause de sa mauvaise vue. Il a donc trouvé une autre voie : il est devenu ingénieur aéronautique. Mais que se passerait-il si la réalisation de son rêve entraînait la mort de milliers de personnes ?

« Le vent se lève » est sans doute le film le plus adulte de Hayao Miyazaki. Il ne contient presque pas d'éléments fantastiques habituels dans ses films, mais c'est en même temps un véritable conte de fées. Un conte de fées sur la poursuite d'un rêve, l'amour véritable et l'humanisme, en fin de compte.

Le plus touchant dans le film est la vision de la beauté dans le contexte d'un événement aussi sombre que la guerre. Car le personnage principal ne voit pas dans son travail la création d'un moyen de tuer des gens, mais d'un appareil pour conquérir les cieux et ressentir la magie du vol. Bien avant Christopher Nolan, le maître japonais, à travers le prisme de l'histoire d'une personne réelle, s'interrogeait sur le danger du génie et le faisait avec subtilité, mais sans crainte d'être jugé par l'opinion publique.

Valeria Stoykova

La neutralité de Nolan. « Oppenheimer » – une déclaration idéologiquement stérile ou pacifiste ?

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Si Hayao Miyazaki avait terminé sa carrière sur cette œuvre, comme il l'avait prévu, cela aurait été une fin digne de sa filmographie, mais même sans cette circonstance, « Le vent se lève » est un grand film.