Examinons des exemples dans l'histoire du cinéma où les auteurs sont sortis du cadre des intrigues qu'ils ont décrites, les ont modifiées ou élargies pour le plaisir des spectateurs.

Un membre du vaisseau, un membre de l'équipe : comment Bill Murray a visité « Asteroid City »

Habitué des films de Wes Anderson (on pourrait dire un membre de sa famille à l'écran), Bill Murray a contracté le coronavirus au début du tournage d'« Asteroid City », ce qui l'a empêché de jouer dans le film, mais n'a en rien diminué son intérêt pour l'œuvre du réalisateur. Une fois rétabli, Murray a visité le plateau de tournage et s'intégrait si naturellement dans les décors reconstitués qu'Anderson ne pouvait tout simplement pas laisser son ami en dehors d'« Asteroid City ». Une solution a été trouvée : une scène de trois minutes avec Jason Schwartzman, dans laquelle le personnage de Murray, Whitney, parle de la sortie imminente du film, dont les scènes avec son personnage ont malheureusement été coupées.

Nous avons besoin de plus de Toretto : la scène post-générique de « Fast and Furious »

Le nombre de volets de la saga de l'essence tend vers l'infini, c'est pourquoi la plupart des spectateurs ordinaires, qui ne se considèrent pas comme des fans de Dominic Toretto, pour qui les lois de la famille sont plus fortes que les lois de la physique, ne peuvent probablement plus dire quel numéro de la franchise est à l'affiche. Encore plus restreint est le cercle de ceux qui savent que les scènes post-générique ne sont pas une tradition récente de « Fast and Furious ». Dès le premier volet de cette course de longue durée contre le bon sens, il y a une scène post-générique. Le spectateur voit Dominic, qui traverse le Mexique dans sa voiture, fuyant les fédéraux. Étant donné que le personnage de Vin Diesel n'apparaît pas dans les deuxième et troisième « Fast and Furious », une telle scène est la cerise sur le gâteau pour les fans inconditionnels.

Psychothérapie pour hommes : une esquisse des créateurs de « Les Bonnes Manières »

Les moments comiques principaux du film « Les Bonnes Manières » sont nés de la désunion des héros contraints de s'unir. Le dur à cuire et le loser doux, aux caractères diamétralement opposés, confrontés à diverses situations, divertissaient le spectateur, mais progressaient régulièrement vers une coexistence en équipe.

Mais, comme les personnages à l'écran, les acteurs ont aussi besoin de cohésion, qu'un psychologue peut les aider à atteindre. C'est précisément de séances de psychothérapie de couple que parle la vidéo, sortie avant la première du film. Ryan Gosling et Russell Crowe se préparent pour la sortie du film, et consultent donc un psychologue pour obtenir de l'aide dans sa promotion. Des souvenirs à l'effigie de Gosling, la colère de Crowe qui explose, la réflexion d'acteurs toujours tendus et, bien sûr, un flot de blagues sous le contrôle de Melissa Rauch – tout cela se trouve dans cette vidéo de 9 minutes.

Et finalement, la maman : la fin alternative de la série « How I Met Your Mother »

« How I Met Your Mother » est l'un des sitcoms les plus populaires de notre époque, qui a tenu l'antenne pendant 9 saisons. Pendant tout ce temps, Ted Mosby raconte à ses enfants l'histoire détaillée de sa rencontre avec leur mère. Et bien que Tracy (c'est le nom de la mère) ne soit un personnage à part entière que dans la dernière saison, le spectateur s'est attaché à l'actrice Cristin Milioti et à leur duo avec Josh Radnor tout autant qu'au couple Robin et Barney, dont le mariage a été suivi pendant toute une saison.

Suivi pour quoi ? Exactement ! Pour apprendre dans le dernier épisode que Robin et Barney ont divorcé, que Tracy est morte, et que Ted racontait l'histoire « comment j'ai aimé tante Robin toute ma vie » à ses enfants uniquement pour obtenir leur bénédiction pour renouer une relation amoureuse avec elle.

Naturellement, une telle fin n'a pas seulement attristé les fans de la série, mais les a mis en rage. Et la colère a atteint une telle ampleur que les créateurs de la série ont dû utiliser pour l'édition DVD une fin alternative, dans laquelle la mère est vivante, et le mariage de Barney et Robin n'a pas été vain.

« Alien: Covenant » – un prologue religieux pour un film religieux

Les références religieuses dans les films de Ridley Scott sont déjà légendaires. Parfois, elles sont si nombreuses qu'elles non seulement relèguent l'intrigue au second plan, mais la remplacent même. L'exemple le plus frappant est le préquel court-métrage du film « Alien: Covenant ». Le titre « Prologue : La Cène » parle de lui-même. À l'instar de la fresque de Léonard de Vinci représentant le dernier repas partagé par Jésus-Christ avec ses disciples, le spectateur est invité dans cet extrait à faire connaissance avec l'équipage et à voir une dernière fois tous les personnages du vaisseau avant que les événements du film ne commencent – l'« aliénation » de la religion.

Sous le voile de l'intimité : le baiser tant attendu pour le public sentimental d'« Orgueil et Préjugés »

L'adaptation cinématographique du roman « Orgueil et Préjugés » avec Keira Knightley et Matthew Macfadyen dans les rôles principaux a été appréciée par beaucoup. La chimie entre les personnages est si bonne que de nombreux fans de l'adaptation, contrairement aux normes morales décrites par Jane Austen elle-même, aspiraient à voir quelque chose de plus intime qu'un léger contact des mains des amoureux, même à travers un gant.

Et pour ces spectateurs sentimentaux, amoureux de l'amour, le réalisateur Joe Wright a créé une fin incroyablement tendre, dans laquelle Mr Darcy et Elizabeth, au milieu du silence nocturne, profitent de la compagnie l'un de l'autre. Mais les partisans conservateurs de l'œuvre d'Austen étaient plus forts, et le baiser sensuel des personnages principaux est resté une scène séparée pour le plus grand plaisir des cœurs de fans émus.

« L'Âge de glace » – la légende du gland convoité

En 2020, le studio Blue Sky a été racheté par Disney, fermant les projets de l'équipe d'animation autrefois prospère. Et bien que le spectateur lui-même ne soit déjà plus friand du tapis roulant appelé « L'Âge de glace », le statut culte des premiers films est difficile à nier, tout comme l'amour infini pour certains personnages.

C'est pourquoi un groupe d'artistes de Blue Sky s'est réuni pour sortir, pour le plus grand plaisir des fans, cette vidéo courte mais si importante, dans laquelle l'écureuil Scrat mange le gland ! Pendant un peu plus de vingt ans, ce gland a été le catalyseur de nombreux événements et catastrophes dans la franchise, et la persévérance de l'écureuil pourrait être citée en exemple dans des cours de motivation. L'heure est venue où l'attirance sans limite de Scrat n'a plus été vaine. Lui et le spectateur ont eu leur gland !

Bienvenue au mariage royal : la suite en court-métrage de « Raiponce »

Il est de coutume dans les contes de fées que le temps d'écran consacré à la résolution du problème et au parcours semé d'embûches des amoureux vers les bras l'un de l'autre prédomine toujours sur le « ils vécurent heureux et eurent beaucoup d'enfants », qui ne s'exprime à l'écran que par un baiser et un mariage d'une minute.

Mais les créateurs de « Raiponce » n'ont pas privé le spectateur de la possibilité de jeter un coup d'œil dans les coulisses de la célébration, en réalisant le court-métrage « Heureuse pour toujours » – une suite directe de l'histoire, dans laquelle le cheval Maximus et le caméléon Pascal perdent les alliances. Bien que l'histoire se concentre sur ces personnages, elle donne néanmoins au spectateur la possibilité de voir ce que les autres dessins animés ne laissent qu'entrevoir, et d'être un invité au mariage royal des héros bien-aimés.

On recommence, Igor, tout... : les mondes alternatifs de « Major Grom »

Dès 2017, les réalisateurs Vladimir Besedin et Maxim Malinine ont créé une vidéo de cinq minutes intitulée « Les Avions en papier ». Les événements du court-métrage se déroulent à Saint-Pétersbourg, et l'antagoniste principal du film « Major Grom : Le Docteur de la peste » appelle à lancer des avions en papier par les fenêtres comme une démonstration du désir de voir des changements dans la conscience publique. Après le redémarrage de Bubble Studios, le film original a été retravaillé (en conservant certains détails et personnages), et le teaser n'a plus de lien direct avec lui aujourd'hui, mais il restera à jamais le catalyseur de l'histoire.

Et ce n'est pas tout ! Qu'en est-il d'un film entier d'une demi-heure, sorti en 2017, dans lequel le rôle d'Igor Grom est interprété par Alexandre Gorbatov ? Devenu aujourd'hui une sorte de dimension alternative de l'univers canonique, le film cumule un nombre considérable de vues sur YouTube – 12 millions.

Nous l'avons déjà vu : du court-métrage « 9 » au long métrage

Revenons 14 ans en arrière et rappelons-nous comment, le 09/09/2009, le film d'animation « 9 » est sorti dans le monde entier. Ce film de Shane Acker, créé dans le genre steampunk, non seulement captivait par le thème d'un univers alternatif de la première moitié du XXe siècle et l'apparence des personnages – des poupées de chiffon – mais faisait aussi peur par l'atmosphère d'un monde post-apocalyptique où l'on lutte contre des machines pour survivre. Ce drame d'animation avec une touche de style burtonien durait moins d'une heure et demie et avait au moins deux versions : mondiale et russe.

Mais tout le monde sait-il que le film lui-même est une adaptation ? Plus précisément, une version étendue de lui-même. Car 4 ans auparavant, en 2005, Acker avait sorti un court-métrage de 11 minutes du même nom, qui avait un peu moins d'esprit de Burton, un peu plus de style de Švankmajer, a été créé à la maison, mais transmet entièrement l'essence de l'histoire étendue déjà connue de tous. Il est à noter que les deux versions du film d'animation comptent de nombreuses nominations à divers prix, ce qui reflète l'autonomie de chacune malgré leur similitude extérieure.

Bonus sombre et marionnettique

Et puisque Tim Burton est mentionné dans l'article, rappelons que la filmographie du réalisateur comprend également un film d'animation qui peut être placé dans la même lignée que les exemples examinés ci-dessus.

Le film « Frankenweenie » de 2012 trouve son origine en 1984, lorsque Burton a créé un court-métrage du même nom pour le studio Disney. À l'époque, ce film, qui est une interprétation de « Frankenstein » de James Whale (1931), a été rejeté par le studio, qui a jugé le matériel trop effrayant pour les enfants, et le projet a été mis de côté jusqu'en 1992, date à laquelle il a finalement vu le jour dans une version éditée. Ce n'est que 20 ans plus tard que Burton sortira un remake sur les écrans, le créant dans son décor sombre caractéristique, en utilisant la technique du stop motion.