Une histoire intimiste dans des tons d’ocre, captivant par une stagnation mélancolique, ou une méta-prose édentée où l’intrigue s’efface devant le charme de l’image ? Qu’est-ce qu’«Asteroid City» ?
Wes Anderson est toujours Wes Anderson. C’est la sensation de déconnexion de l’existence derrière un écran de filtres de couleurs douces. C’est une immersion dans une image théâtrale du monde réel. Choyé et critiqué par le public et la critique, Anderson reste toujours un voyageur décrivant de manière étrange des microcosmes vivant aux limites de la carte politique.
«Asteroid City» est l’histoire de l’un de ces microcosmes dans le sud-ouest des États-Unis. De jeunes astronomes et leurs familles se rassemblent pour le festival annuel à Asteroid City – une petite ville près d’un site d’essais nucléaires, dont la seule attraction est un vestige d’astéroïde. Mais tout cela n’est qu’une pièce de théâtre, dont les étapes de création sont racontées au spectateur par un présentateur-guide (Bryan Cranston) dans une émission télévisée.
La consistance d’«Asteroid City» est semblable à des sables mouvants. Composée de nombreux éléments et couches, elle ne diffère du phénomène naturel que par le fait qu’elle aspire d’autant plus vite que le spectateur est immobilisé par l’absence de dynamique de l’intrigue et l’accompagnement mesuré de la musique à peine reconnaissable d’Alexandre Desplat. Et pour émerger à la surface des couleurs tamisées de la pièce grand format, divisée en actes, qui est elle-même une partie de la méta-prose, on ne peut que plonger dans le monde noir et blanc du petit écran, qui parfois se livre à de telles effusions de pensées qu’on ressent l’influence invisible de Lynch, hypnotisant de manière monotone par la voix narrative d’Anderson : « Tu ne te réveilleras pas si tu ne t’endors pas. »
Et tout le monde est plongé dans un rêve : l’actrice fatiguée de la vie Midge Campbell (Scarlett Johansson), le photographe de guerre Augie Steenbeck (Jason Schwartzman), contraint trois semaines après la mort de sa femme de finalement raconter ce qui s’est passé à ses enfants, ses filles charmantes mais comme sorties des couloirs de l’hôtel Overlook, s’identifiant à l’extraterrestre et à l’au-delà, et le gérant de l’hôtel vide, où même un demi-pont morne au-dessus de l’autoroute mène à nulle part.
Vers nulle part… Il semble que tout dans le récit d’Anderson y mène, car pendant que la caméra fait des cabrioles entre les images en noir et blanc et en couleur, focalise le regard du spectateur par le centrage du cadre, flotte, tourne et dicte à celui qui regarde ce qu’il faut examiner plus en détail, où il faut tourner la tête, le contenu se remplit d’une stagnation douloureuse dans laquelle personne ne peut sortir des chaînes de son petit monde intérieur. Ces petits mondes sont les chambres où les personnages se sont installés : la chambre noire et la salle de bain. Et ce n’est qu’à travers de petites fenêtres, disposées symétriquement les unes par rapport aux autres dans le cadre, que des personnes symétriques dans leur tristesse intérieure peuvent s’ouvrir. Mais seulement un peu, car même les dialogues brillant d’évidence montrent la fatigue de l’existence.
– Vous n’êtes pas là.
– Nous ne sommes pas là-bas.
– Je serai là à mon arrivée.
Il n’y a pas d’achèvement dans le film, quoi que ce soit. Les héros n’atteignent pas leurs objectifs, ou les effleurent à peine : la poursuite avec fusillade est interminable, le groupe country reste simplement sur place, le père ne décide pas de l’avenir de ses filles, et le grand-père abandonne ses tentatives de changer le lieu d’inhumation de leur mère, le chèque du gagnant du concours a été remis hors champ, la maison brûlée n’a pas été réparée, même le terrain acheté, semble-t-il, n’est pas vraiment acheté.
Mais c’est là tout le charme du film, son essence. On ne peut pas accuser le réalisateur de manque d’idées dans le film, car au milieu du « rien » qui mène à « nulle part », chacun trouve un peu plus facilement ce qui va remuer le « néant » de la vie. La soif de découvertes, les théories du complot, l’amour et même un extraterrestre qui, pour ne pas perturber le sommeil universel, se comporte comme un chaton craintif mais espiègle. Et pour que l’homme puisse remarquer la possibilité de ressentir quelque chose de nouveau, il a besoin d’un petit repos, d’une petite quarantaine dans un endroit tranquille.
D’un seul coup, Anderson a non seulement justifié le rebondissement de l’intrigue, mais aussi joué avec les clichés de la politique militariste américaine, ainsi qu’avec les coutumes des Américains eux-mêmes, qui, par exemple, même sur la plus petite place, parviennent à installer un parc d’attractions avec une grande roue et de la barbe à papa.
Et après ? Quand l’agitation temporaire s’apaise, les décors colorés se vident, et la vie reprend son cours, le spectateur revient-il au point de départ d’un film insensé ? Le réalisateur a-t-il simplement créé une image charmante, obligeant les héros à piétiner sur place, littéralement et figurativement ? Curieusement, contrairement à « », Wes Anderson a réalisé un film très cohérent sur le plan du sens. Décrivant la fuite de la réalité, il est lui-même un moyen de se reposer et de ne pas la remarquer pendant au moins deux heures.
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