La star du spectacle immersif de Miguel, Ekaterina Zorina, peut pleurer sur commande, adore les projets historiques et est prête à jouer n'importe quel personnage. Dans cette interview, l'actrice vous dira aussi pourquoi elle préfère le drame à la co...

Je suis assise dans le petit hall du théâtre « Priut Komedianta » à Saint-Pétersbourg. Aujourd'hui, on y joue la touchante pièce « Mélodie varsovienne » mise en scène par Vitali Lioubski, d'après la pièce éponyme de Leonid Zorine. L'histoire poignante de deux amoureux sera racontée par Ekaterina Zorina et Alexandre Matveev.

Il reste trois heures avant le spectacle, les préparatifs battent déjà leur plein au théâtre, une légère excitation flotte dans l'air. Dans le confortable loge, une conversation intéressante m'attend avec l'actrice ouverte et incroyablement charmante Ekaterina Zorina.

À propos du cinéma, du théâtre et du spectacle immersif de Miguel

— Dans un article, on écrivait que vous pensez qu'au théâtre, il faut être constamment sous tension, alors qu'au cinéma, on a la possibilité de faire plusieurs prises. Autrement dit, il est plus difficile de jouer au théâtre ?

Je ne me souviens pas avoir dit cela. Mais avant, j'avais de petits rôles épisodiques au cinéma ; ces dernières années, j'ai eu des rôles principaux, c'est-à-dire que presque chaque jour était un jour de tournage et, pour ainsi dire, il y avait de quoi jouer. Je pensais probablement que le cinéma était plus facile parce que je n'avais pas cette expérience.

Et puis je suis tombée dans les séries « Filin » ou « Likhatch ». Là, je travaillais 24 heures sur 24, j'ai découvert ce que c'était que 21 équipes consécutives, quand une équipe dure 12 heures, plus des heures supplémentaires parfois. Les longs métrages peuvent tourner une minute de temps d'écran par jour, alors que dans les séries, on économise parfois et on tourne 17 minutes par jour, soit 24 scènes. Dans ce rythme de tournage plusieurs jours d'affilée, la charge est lourde et, en ce sens, oui, c'est beaucoup plus dur qu'au théâtre.

Au théâtre, le travail consiste en des répétitions matinales et un spectacle en soirée, qui commence un certain temps avant, environ deux heures. C'est important, c'est la mise en condition. Au théâtre, j'ai un matériau dramatique puissant, pas de seconds rôles, et sur scène, c'est une énorme charge. Jouer un spectacle, c'est dur, mais au total, cela fait environ cinq heures. Donc, en termes de durée pure, ce n'est pas comparable à la charge de travail au cinéma.

Le cinéma, c'est aussi quand il faut constamment attendre. Une scène est filmée en plusieurs prises, ce qui donne au final quelques minutes où tu existes dans le cadre. Mais avant, il faut attendre que la lumière soit réglée, que les corrections soient faites, les répétitions. Ce qui sauve, c'est quand on sait se contenir et ne pas gaspiller son énergie, l'utiliser seulement après les mots « Caméra, moteur ! »

Mais il y a aussi des moments difficiles au théâtre. Par exemple, au cinéma, on peut se sentir très mal et travailler. C'était mon cas en hiver sur le tournage des « Notes d'un hôtelier », j'ai passé les 16 équipes à faire baisser la fièvre avec du TeraFlu et du paracétamol. Je rassemblais mes forces seulement pour les prises devant la caméra, et pendant les pauses, j'étais secouée de frissons. Mais si tu es malade et que tu as un spectacle, c'est la mort, c'est horrible, impossible de jouer. En ce sens, je suis d'accord, il est plus facile d'être un artiste de cinéma. Au cinéma, la tension est liée à l'endurance ; au théâtre, elle est psycho-physique.

Si on me demandait de choisir entre le cinéma et le théâtre, je ne saurais même pas dire ce qui est mieux. Mais dans tous les cas, en fin de journée, tout cela est un travail heureux et une fatigue très heureuse.

— Dans un article, il était écrit que vous préférez les rôles dramatiques aux rôles comiques. Qu'est-ce qui vous attire dans le drame ?

Oui, j'ai ce défaut. Je comprends que c'est complètement injuste envers les rôles comiques. Mais on m'a d'abord formée aux rôles comiques ; à l'académie, j'étais plus ronde, un personnage typé. On m'a formée comme une actrice jouant les mères et les vieilles dames joyeuses. Et je me considérais moi-même comme une actrice de genre comique léger. Cela me venait facilement, comme si j'étais faite pour la comédie.

Et puis je suis venue au théâtre Vassilievski chez Vladimir Anatolievitch Toumanov, et, apparemment, d'enthousiasme pour le travail avec lui, j'ai perdu beaucoup de kilos en deux mois. Et soudain, je suis devenue une héroïne. C'était peut-être dans les plans de Vladimir Anatolievitch. C'est lui qui m'a offert de magnifiques rôles dramatiques, et j'y ai pris goût. Et pour moi, ces rôles sont devenus plus précieux.

J'ai, sans doute injustement, la conviction qu'il est beaucoup plus difficile de jouer une héroïne dramatique qu'une joyeuse luronne. Je pense que tout le monde ne peut pas jouer le drame, alors qu'exister dans un registre comique léger est beaucoup plus simple. Dans la comédie, il faut aussi avoir beaucoup de choses : la liberté, la légèreté et le sens de l'humour, oui, mais le drame se joue avec les tripes. Et Vladimir Anatolievitch a révélé cela en moi. J'ai compris que quand on s'investit dans un rôle, qu'on verse son âme au public, à ce moment-là, on commence à adorer un tel rôle, parce qu'il est devenu pour toi une confession, un être cher. Alors que les rôles comiques me sont maintenant moins chers, ils me semblent être une voie plus facile.

J'ai besoin que le rôle me soit donné difficilement, que je le souffre, que je le supplie. C'est comme l'amour : il faut le conquérir. J'ai ce côté masculin. Et quand le rôle vient tout seul, facilement, alors je pense que ce n'est pas honnête vis-à-vis du métier. Il me semble que je n'ai rien fait.

Et puis, je n'aime pas quand les gens rient comme devant des sitcoms. Je comprends que pour beaucoup, c'est un moyen de se détendre. Mais je n'aime pas ce genre de rire. J'aime quand on rit d'une bonne comédie, comme « Le Mariage » de Gogol, c'est un matériau magnifique.

J'aime quand les gens réfléchissent, pleurent, s'inquiètent, quand quelque chose de profond est touché au-delà du rire. J'adore quand la salle est attentive et silencieuse au point qu'il y a un silence assourdissant. Seul un rôle dramatique peut donner cela.

— « Mélodie varsovienne » est un spectacle en duo avec deux acteurs principaux. Est-ce difficile de jouer dans un spectacle où il faut retenir l'attention du public à deux ?

Je ne sais pas, je ne peux pas dire que c'est difficile. « Mélodie varsovienne » est tellement née de moi, c'est tellement moi. Je ne peux pas l'évaluer comme un produit où c'est difficile ou facile, je ne peux pas la regarder avec détachement. Mes investissements personnels de Katia dans « Mélodie varsovienne » et au théâtre Vassilievski sont absolument identiques.

Peut-être qu'être à deux sur scène est même plus facile, paradoxalement, parce que c'est une inclusion mutuelle, une confiance, un amour entre partenaires. Quand il y a 20 personnes dans un spectacle, de toi seul ne dépend qu'un petit fil et c'est tout. Nous connaissons cette grande loi du théâtre : « On ne sait pas pourquoi, soudainement, sans raison, le spectacle ne marche pas ». Une seule personne ne peut pas porter un spectacle s'il y a beaucoup d'autres acteurs. C'est toujours une affaire collective. Si « Mélodie varsovienne » ne marche pas, nous pourrons la rattraper à deux, mon partenaire et moi sommes très liés et nous sentirons si l'un de nous dérive et nous nous soutiendrons.

De plus, « Mélodie varsovienne » est un matériau que j'aime et qui m'est proche, donc je n'éprouve pas de difficultés à jouer. Mais il se peut que j'aie un jour un spectacle à deux qui me soit difficile. Beaucoup dépend du matériau.

— Le spectacle immersif de Miguel « Les Revenants », dans lequel vous jouiez l'un des personnages principaux, Helen Alving, a récemment fermé. Était-ce difficile d'y jouer ?

[Le spectacle immersif est un théâtre interactif où il n'y a pas de quatrième mur, les spectateurs sont directement impliqués dans l'action, se trouvent dans le même espace que les acteurs]

Le spectacle immersif de Miguel est la chose la plus heureuse qui puisse arriver à un acteur. C'était quelque chose d'incomparable et d'incroyable. L'expérience la plus heureuse de ma vie, même si c'était parfois dur et difficile.

Il y a eu des castings incroyables pour le spectacle, on nous a sélectionnés parmi un nombre inimaginable de personnes. Ensuite, nous avons eu beaucoup de formations spéciales et originales selon le système de Miguel, spécifiquement pour les acteurs de genre immersif. Avec Miguel, elles ont été développées par les Américains Victor Karina et Mia Zanetti. Ensemble, ils ont créé le premier spectacle « Les Sans-Visage ». Lors de la préparation des « Revenants », pendant quatre mois, de juin à septembre, les formations avaient lieu quotidiennement, puis avant chaque spectacle, pour te remettre dans l'état requis.

Les formations étaient très intenses, et certains de ceux qui avaient été sélectionnés aux castings ont abandonné. Parce qu'il est difficile d'être un artiste que rien ne déstabilise, qui peut être dans la foule comme si la foule n'existait pas. Grâce à la préparation, nous savons exister dans un tel état, rien de l'extérieur ne peut nous déstabiliser, nous sommes très concentrés.

Les acteurs du spectacle interagissent d'une manière ou d'une autre avec le spectateur. Quelqu'un peut gêner le passage ou s'asseoir à la place d'un acteur, par exemple.

Dans la plupart des cas, 90% des gens, au moindre contact, s'écartent de ton point lumineux ou du fauteuil où tu dois t'asseoir, et avec les 10% restants, nous savons travailler.

Il arrive que la personne ne parte pas. Une fois, je me suis assise comme ça sur un jeune homme. Il ne me cédait pas ma place. Le garçon avait déjà montré un intérêt particulier pour moi pendant le spectacle, et apparemment, il voulait de l'attention. Eh bien, je suis restée assise sur lui pendant toute la scène, parce que c'était mon point lumineux. Et même si je suis mince, cela a dû être dur pour lui. Peut-être qu'il ne recommencera plus, il faut céder sa place aux femmes [rires]. Mais ce genre de chose ne peut pas vraiment nous déstabiliser grâce à la préparation et aux formations.

À propos du trac, des larmes et des rituels

— Avez-vous encore le trac avant de monter sur scène ?

Oui, et il est parfois insupportable. Cela ne se prête à aucune analyse, n'est lié à rien. Tout peut bien aller dans mon âme et à la maison, sans inquiétude, puis 5 minutes avant le spectacle, je me mets à trembler violemment. Il n'y a aucun lien entre le trac et d'autres circonstances. Je ne sais pas ce que c'est. C'est probablement normal, car au fond de nous, nous ne voulons pas nous dévoiler complètement devant les gens.

Je déteste particulièrement la situation liée à mon spectacle « L'Idiot ». Je joue Nastassia Filippovna et j'entre en scène 40 minutes après le début. Sa première réplique est : « Enfin, j'ai réussi à entrer ». Ce qui reflète assez bien mon ressenti. Et quand je suis dans les coulisses, 3 minutes avant d'entrer, je me mets à trembler. Peut-être que je plonge si profondément dans mon personnage, je ne sais pas. Et cela se produit presque à chaque fois depuis 10 ans. Honnêtement, je serais très heureuse si cela cessait.

— Et au cinéma, avez-vous le trac avant une prise ?

Je n'ai plus de trac d'acteur maintenant, car je sais que je peux faire face à n'importe quelle tâche. J'ai déjà eu des rôles très difficiles. Mais j'ai un trac humain : quand je vais au premier jour de tournage et que je ne connais personne. Je suis psychosomatique, et parfois je suis physiquement brisée le premier jour. Je déteste aussi les intrigues, la méchanceté, les scandales. Et quand tu entres dans le car de maquillage, tu comprends presque immédiatement tout du plateau de tournage grâce aux gens. Au bout d'un moment, je fonds progressivement et me calme si tout va bien. Ici, le trac est plus lié au facteur humain, et à cet égard, j'ai même été déstabilisée plusieurs fois, malheureusement. Mais avec l'expérience et le temps, il faut le dire, je deviens plus forte.

— Parfois, il est difficile pour les acteurs de pleurer. Avez-vous des problèmes avec cela ?

Je peux pleurer en une seconde. Au théâtre, il est facile de pleurer : si le spectacle est bon, tu y arrives. C'est la croyance dans les circonstances. Au cinéma, parfois, le plan commence par une scène où tu sanglotes. Et là, je m'assois et je sanglote, sans crayon à larmes ni gouttes.

Mais je ne suis pas sûre que ce soit une bonne chose. Cela s'appelle un psychisme déstabilisé. D'un côté, c'est l'école. On nous apprend à entrer dans les circonstances en un éclair : peur, larmes, panique, tout ce qu'on veut. Mais ces exercices ébranlent la psychophysique : nous faisons en sorte que le psychisme réponde instantanément. Et je peux non seulement pleurer sur commande, mais aussi hurler ou m'inquiéter aussi vite. Ce sont toutes des réactions hypertrophiées. Peut-être que personne ne vous le dira, mais ce n'est pas bien. Pour le métier, c'est très cool, mais pour la vie, c'est un grand malheur. Il vaut mieux que la personne soit heureuse et calme.

— Avez-vous un rituel avant de monter sur scène ?

J'aime beaucoup, pendant le spectacle, quand les premiers accords de musique ou la première scène, si ce n'est pas la mienne, m'approcher et toucher doucement le rideau. Comme pour saluer la scène, l'énergie et le public.

J'aime aussi beaucoup regarder le public au théâtre Vassilievski. Il y a un trou par lequel je regarde, je le fais presque toujours. Dans un seul spectacle, il est recouvert de tissus, et je n'ai aucune idée de qui est assis dans la salle. Je suis toujours très curieuse de savoir quel est le public : jeunes, personnes âgées, filles, garçons. Ensuite, je compare les réactions dans la salle, comment ils regardent. J'ai un intérêt sociologique pour eux.

Je ne sais pas pourquoi, mais quand la salle est jeune, j'ai tout de suite un regain d'énergie. Il me semble, pour une raison quelconque, que les jeunes ont plus besoin de tout cela, je pense qu'ils n'ont pas encore une perception bornée, ils regardent d'un œil pur. Pour eux, j'ai particulièrement envie de jouer, et je suis très heureuse quand je vois une salle jeune. Mais quand je vois des personnes âgées dans la salle, je me sens aussi très responsable. Il me semble qu'elles comprennent beaucoup plus et qu'on ne peut pas mentir, il faut être très honnête. Cela m'élève, et mon humeur s'améliore aussi.

À propos des rôles d'actrice, en toute franchise

— Quel est votre rôle préféré ?

Parmi les pièces, mon rôle préféré est Guélia dans « Mélodie varsovienne ». Le plus cher à mon cœur, il me sauve souvent moralement.

Au cinéma, j'ai deux types de rôles mémorables : ceux qui ont demandé de grands efforts, et ceux que j'aimerais refaire. J'ai un rôle dans une magnifique série historique « Casanova en Russie », qui n'est toujours pas sortie. Là, on me faisait des boucles avec des bigoudis en fonte, on portait des corsets. J'avais un rôle merveilleux, et quel Casanova c'était — un Serbe magnifique et beau — à en perdre la tête. Je jouais et je pensais à quel point tout cela était admirable. Les projets historiques m'attirent, j'aimerais jouer de tels rôles éternellement.

Le rôle dans la série « Filin » m'est très cher, il est lié à beaucoup de choses, jusqu'à en trembler. Il m'a demandé de grands efforts, sur le tournage j'étais soit malade, soit quelque chose d'autre n'allait pas, alors que le rôle était en fait lumineux, gentil et amoureux. Je me suis beaucoup investie dans « Filin », et après chaque saison, je tombais gravement malade. Maintenant, je regarde l'écran et je me souviens de ce que je ressentais chaque jour de tournage. Ce rôle m'est cher non seulement parce que je l'aime, mais aussi parce que j'ai survécu et que j'ai réussi.

Il y a aussi eu une heureuse rencontre : la série « Casanova », mais celle-ci se déroule dans les années 70, avec Svetlana Khodtchenkova et Anton Khabarov. Ça, c'était du cinéma ! Ils tournaient lentement et en détail, tout était beau et parfaitement stylisé. C'était une sorte d'orgasme esthétique professionnel. Il n'y avait pas de précipitation. Tout recevait une attention, une attitude et un amour particuliers sur le plan professionnel, il me semblait que je pouvais y jouer n'importe quoi ! Le rôle était épisodique, mais quel bonheur d'y avoir été.

Mes rôles préférés sont en quelque sorte liés aux gens, à l'atmosphère et aux impressions. Mais, probablement, je n'ai pas encore eu le rôle qui m'aurait faite. Grâce auquel le grand public aurait entendu parler de moi. Si Zviaguintsev m'avait filmée ou Nikita Sergueïevitch [Mikhalkov], alors je dirais peut-être : « Voilà un rôle ! » Au théâtre, j'ai probablement eu plus de chance jusqu'à présent.

— Avec quel réalisateur étranger aimeriez-vous travailler ?

Avec John Cassavetes. J'aimerais jouer tout ce que joue sa femme dans ses films. Il me semble que c'est un rêve. J'ai même un peu volé chez elle pour le rôle d'Helen [spectacle « Les Revenants »]. Je pense que c'est une actrice incroyable avec une grande profondeur. Comme il l'a révélée, comme il l'a vue et montrée. Je voudrais la même chose. Mais elle était déjà à lui, et tout cela était dans le passé, mais j'aimerais quelque chose comme ça.

— Avez-vous des peurs ou des interdits, des choses que vous ne feriez pas devant la caméra ? Par exemple, tout le monde n'accepte pas de se déshabiller.

Je ne me déshabillerais pas comme ça. Il faut comprendre le contexte, évaluer la situation. Il ne faut absolument pas gaspiller son corps, si on parle de déshabillage physique, comme ça. Pour quoi faire ? C'est pour le cinéma.

Mais si Miguel me demandait de me déshabiller, je le ferais tout de suite. Dans « Les Revenants », il y a une scène d'orgie, et j'étais inquiète, mais Miguel a dit alors que j'étais « la seule personne qui ne se déshabillerait pas ». J'ai pensé, Dieu merci. Et quand le spectacle a eu lieu, et mon amour pour Miguel, pour le projet et pour le rôle, j'ai pensé : « Zut, j'aurais volontiers joué Anna » [l'héroïne qui se déshabille]. J'étais prête, parce que pour moi, c'était justifié. Et c'était pour un public spécifique, cela ne deviendrait jamais quelque chose qui serait visionné en boucle sur un enregistrement. Mais nous parlons du théâtre de Miguel.

Me déshabiller pour la nudité du corps, c'est inacceptable pour moi. Miguel m'a convaincue. Au cinéma, j'accepterais si c'était un film d'art puissant et important, pour que ce ne soit pas pour montrer ma silhouette. Mais je ne vois pas un tel film pour l'instant.

C'est une barre très haute, et je ne suis pas prête à me déshabiller pour n'importe quel rôle. Avant tout, mon mari ne le comprendrait pas, puis mon père, mon enfant et moi-même.

Je pense qu'on peut toujours résoudre cette question facilement et avec bienveillance. Je l'ai déjà fait plusieurs fois, par exemple avec les baisers. Tu expliques calmement au réalisateur pourquoi on peut simplement s'embrasser, ou pourquoi il ne faut pas me filmer sous la douche, mais filmer mon partenaire, par exemple, modifier un peu le scénario [rires]. Il me semble que ce n'est pas un problème.

— Y a-t-il des tabous sur les rôles ? Par exemple, n'êtes-vous pas prête à jouer une héroïne toxicomane ?

Pas du tout, aucun tabou, au contraire, je pense que c'est très cool. S'il existe de telles histoires sur des personnes qui sont socialement inacceptables pour certains, il faut au contraire les incarner. C'est nécessaire pour souligner encore plus à quel point c'est une horreur et un malheur.

J'adore jouer Helen Alving [spectacle « Les Revenants »]. À mon avis, c'est le diable incarné. C'est une personne très effrayante par ses actes. Tout ce qu'elle a fait dans sa vie est une erreur. Je pense que c'est cool de jouer des héroïnes aussi horribles et répugnantes. Grâce à cela, quelqu'un verra à quelles terribles conséquences cela mène. J'aime jouer quelque chose d'inacceptable du point de vue du bien, j'y prends du plaisir. Parce que je ne suis pas d'accord avec cela moi-même, et je porte comme un drapeau, je montre comment il ne faut pas agir.

Si nous parlons de quelque chose qui n'est pas reconnu ou accepté, je n'ai non plus aucun tabou. Ni sur la communauté LGBTQ+, ni sur les handicaps psychophysiques, ni sur les modifications de l'apparence, ni sur rien. Je suis très tolérante et j'aborde tout librement. Je me lancerais avec plaisir dans n'importe quel rôle.

— De quoi tirez-vous du plaisir dans la vie ?

Du SPA, une réponse très féminine [rires]. Je prends du plaisir à nager, aux manucures, pédicures, massages. Aux petits plaisirs féminins.

Si je parle de l'essentiel, de la famille.

Et puis j'adore tout simplement regarder une petite série le soir en mangeant des chips. Mon petit rituel d'obésité et de déstressage. Tu t'assois, tu regardes, tu manges, et toute la fatigue disparaît.

— Pouvez-vous trouver un mot qui décrit ce que le théâtre et le cinéma représentent pour vous ?

Théâtre – énergie.

Cinéma… j'ai envie de dire surmenage [rires]. La première chose qui m'est venue à l'esprit, ce qui est lié au cinéma pour moi. Je dirais, cinéma – image.

Ekaterina Zorina recommande…

— Quels 3 films aimeriez-vous recommander à nos lecteurs ?

Mon film préféré est « Une femme sous influence » (réal. John Cassavetes).

Ensuite « Sonate d'automne » (réal. Ingmar Bergman).

Et du côté russe, « Pièce inachevée » (réal. Nikita Mikhalkov). Mais si on plonge dans ce thème, les films de ces années-là, il y en a beaucoup. Mais celui-ci, je l'adore par-dessus tout. Et bien sûr « La Liste de Schindler » (réal. Steven Spielberg).

— Quelles 3 pièces aimeriez-vous recommander à nos lecteurs ?

Je vais un peu tricher et en regrouper plusieurs en une. Je conseillerais deux pièces de Rimas Tuminas : « Oncle Vania » et « Eugène Onéguine ».

Ensuite, « En attendant Godot » de Youri Boutoussov, c'est une pièce de mon enfance. Et aussi, par exemple, les « Le Mariage » ou « Macbeth » de Boutoussov, pour voir l'étendue du réalisateur.

J'ai énormément aimé « Les Trois Gros » d'Andreï Mogoutchi. C'est magnifique, à mon avis. Une telle brûlure émotionnelle. Mes amis du spectacle de Miguel y jouent aussi, je les admire.

Et puis « La Cerisaie » de Lev Dodine m'a beaucoup conquise, je l'ai énormément aimée. J'ai grandi avec Dodine, même si, honnêtement, je n'aurais jamais voulu travailler dans ce théâtre. Je n'aime pas ce qu'ils montent ces dernières années, mais il faut reconnaître que tout ce que fait Dodine est incroyablement cool. C'est un grand maître avec de grands spectacles, c'est vraiment une grande école. Ses pièces montrent une ligne de vie exemplaire.

Dans notre théâtre Vassilievski, je pense que la meilleure pièce est « Oncle Vania » de Vladimir Toumanov. Elle est magnifique.

Photo principale : Pièce « Oncle Vania », Théâtre Vassilievski / Nadejda Borissovskaïa