De dramas modestos de festivais a sucessos de animação e documentários impactantes — continuamos compartilhando nossos filmes favoritos de 2025.
Em 2025, muitos filmes notáveis foram lançados, mas a lista compilada com base na votação editorial não pôde incluir todos devido ao número limitado de vagas. Os autores do 'After Credits' decidiram corrigir essa injustiça e falar sobre filmes que, em sua opinião, ficaram injustamente na sombra.
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'Lua Azul' é exatamente o tipo de cinema que Richard Linklater e Ethan Hawke sabem fazer melhor. É uma história intimista de uma noite, onde cada réplica é como uma confissão, e cada pausa vale mais do que qualquer monólogo. A nona colaboração entre diretor e ator se transforma em um retrato comovente de um gênio em declínio — o letrista Lorenz Hart, que passa a noite de março de 1943 em um bar, enquanto seu ex-parceiro Richard Rodgers recebe aplausos pela estreia de 'Oklahoma!'. Linklater extrai tudo de uma única locação: fumaça de cigarro, tilintar de copos, observações sarcásticas sobre 'Casablanca' e a amargura de um homem que percebe que sua era acabou.
O filme explora a fragilidade do artista, a dor da rejeição profissional e romântica — e faz isso com a melancolia característica do diretor, que transforma conversas em música. 'Lua Azul' não tenta heroificar Hart — mostra-o quebrado, espirituoso, agarrando-se desesperadamente às ilusões, e é por isso que emociona até arrepios. É uma despedida honesta de uma lenda esquecida (para os fãs da Broadway), filmada com tanta ternura e compreensão que é impossível não se envolver. Em um ano em que o grande cinema cada vez mais grita, Linklater sussurra — e é ouvido mais alto do que todos!
Em nosso top editorial, infelizmente, não havia nenhum filme de animação. Não é surpreendente, já que 2025 foi bastante escasso em bons longas-metragens de animação, mas um diamante poderia ter sido incluído. Claro, estou falando de 'Caçadoras de Demônios K-pop' — um verdadeiro sucesso da Netflix e da Sony Pictures Animation, que já está prestes a se tornar uma franquia de longa duração. Então, em um futuro próximo, aguardamos o lançamento da sequência, que foi oficialmente colocada em desenvolvimento!
Uma história simples sobre amor e a luta do bem contra o mal conquistou instantaneamente milhões de corações. Os criadores combinaram magistralmente a mitologia coreana, o estilo asiático e um álbum inteiro de incríveis faixas K-pop (Your Idol — arrasa tudo, desde a infância com K-pop). Antes da estreia, ninguém podia imaginar que um projeto com esse nome não seria uma brincadeira barata de streaming, mas sim quase o principal candidato a prêmios de prestígio nas categorias de 'melhor música' e 'melhor filme de animação'. Bem, pode-se afirmar com confiança que todos os troféus são totalmente merecidos!
'Bugonia' de Yorgos Lanthimos dividiu os críticos do Festival de Cinema de Veneza em dois campos. Uns diziam que o diretor não é mais o mesmo, que não veríamos um novo 'Dente Canino' ou 'O Lagosta'. Outros afirmavam que marinar o espectador e liberar as emoções no último terço do filme é típico da 'estranha onda' grega. A constelação de Emma Stone e Jesse Plemons brilha no firmamento da glória mundial e não planeja desaparecer ao amanhecer. Os atores novamente interpretam ora cúmplices, ora rivais. É uma história de narrador não confiável, que força o espectador a captar interpretações e construir suas próprias teorias.
Aqui tudo depende da ótica: ou Teddy é um sequestrador louco, ou Michelle é uma representante de uma raça alienígena. De qualquer forma, o mundo está ameaçado. Uma interpretação inequívoca está na comédia sci-fi coreana 'Salvem o Planeta Verde!', na qual 'Bugonia' foi baseada. No entanto, a crise da humanidade e o significado das abelhas já são mérito de Lanthimos. É ele quem faz o espectador prender a respiração após um desfecho ensurdecedor e deixa temporariamente o cargo de diretor. Após a exibição, dá vontade de verificar os tornozelos da elite mundial: não são muito finos?
Pedro Almodóvar já se estabeleceu há muito tempo na arte cinematográfica como uma forma de aplicá-la à realidade: as obras do espanhol não são eventos, mas sim o ser. Elas são regulares, é difícil para elas aderirem a um conteúdo estritamente dramático, mesmo que seja declarado pelo roteiro. Sua visão de diretor, límpida e nítida, não pretende ser total. Suas mulheres são fortes, mas não autoritárias, sua comédia é absurda, mas pé no chão, sua Espanha é colorida e romântica, mas real em sua sujeira e aspereza.
No caso de 'O Quarto ao Lado', Almodóvar não está em Madri, nem na Espanha, mas no estado de Nova York, na cidade de Woodstock, a noroeste de Kingston. Suas mulheres são, claro, fortes, mas uma delas está incurável. A comédia do diretor se tornou tão tênue que nem existe mais. As últimas horas de vida de uma jornalista (Tilda Swinton) ao lado de uma amiga convidada (Julianne Moore), o amante comum (John Turturro) deixado em segundo plano pelas heroínas e pelo autor, as cores flamengas dos trajes soltos e elementos de interiores — Almodóvar encontrou novos tons e imagens que antes não lhe pertenciam para expressar em sua língua a mensagem do pós-modernista irlandês James Joyce: 'É melhor passar corajosamente para o outro mundo no auge de alguma paixão do que murchar e definhar miseravelmente com os anos'.
Um fixer solitário (Riz Ahmed) nos cenários lustrosos de Nova York salva uma cliente (Lily James) das mãos de mercenários corporativos que caçam documentos comprometedores. Entre o salvador e a salva, surge um jogo sutil de suspeita mútua e revelações, no qual inesperadamente emerge um sentimento nascente. Do trabalho de David Mackenzie ('Até o Último Homem'), que retornou ao grande cinema após uma pausa de seis anos, é claro que se espera algo pesado e significativo. E o diretor corresponde a essas expectativas: — um thriller de espionagem bem montado, com todos os atributos necessários do gênero, facilmente se alinhando com clássicos como 'Os Três Dias do Condor' ou 'A Fita'.
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Mínimo de reflexão, máximo de trabalho intelectual e um pouco de romance extremo — uma receita quase perfeita para um cinema memorável, que não se envergonha de parecer um pouco antiquado, mas ainda assim resiste bem aos golpes das tendências modernas da indústria. Riz Ahmed, parece, pode interpretar qualquer coisa apenas com os olhos; Lily James — uma mulher solitária precisando de proteção, cuja vida de repente deu uma guinada rápida; Sam Worthington — um ex-cão de caça aposentado, mas ainda assim perfeitamente adequado para o papel de perseguidor. 'O Despachante' prende facilmente a atenção não apenas com seu enredo emocionante, mas também com as atuações. E também facilmente faz você voltar a ele repetidamente. Em suma, como dizia Panikovsky: 'Vê-se logo — é cinema de antigamente'.
Não por acaso, mas de forma bastante natural, a distopia de Stephen King, escrita por ele ainda no auge da campanha do Vietnã, foi adaptada para a tela justamente em 2025. 'A Longa Marcha' embora perca em inventividade para boa parte dos análogos do gênero e não siga em tudo a letra da obra original (que, na minha opinião, está desatualizada em alguns aspectos), ainda assim representa um exemplo de thriller de alta conceito bem construído, cuja principal vantagem está na exaustiva revelação da mensagem do autor. O filme de Francis Lawrence não é um conjunto de lições morais especulativas sobre ditadura, natureza humana, influência corruptora do capitalismo na psique ou o colapso do chamado 'sonho americano', mas uma declaração inequívoca.
Ao contrário do coreano 'Round 6', que ficava na memória graças à estética berrante, ou 'Jogos Vorazes' com seu excesso de atributos característicos da ficção adolescente dos anos 2010, este filme nem se gaba de seu componente espetacular. Não é uma 'batalha real' com subtexto satírico, mas uma crônica sombria de pisoteamento da dignidade humana, onde jovens exaustos, cobertos de sangue, suor e lama, são levados ao abate sob o barulho ensurdecedor de rajadas de metralhadora, cada uma marcando a eliminação de um atleta. Há, no entanto, lampejos de luz em 'A Longa Marcha', vindos principalmente do personagem interpretado por David Jonsson, mas são muito raros e fragmentados para dar esperança aos heróis e ao público. E sim, esta é a segunda adaptação de uma obra de Stephen King depois de 'O Nevoeiro' de Darabont, onde o final alterado supera em muito o do livro.
Tudo o que eu sabia sobre Chris Hansen e seu programa antes de assistir 'Predadores' de David Osit, aprendi com o episódio de 'South Park' Le Petit Tourette (11ª temporada, episódio 8). Aparentemente, essa é mais uma razão pela qual este documentário me impressionou tanto. Qual era a essência do projeto de Chris To Catch a Predator? Sua equipe, junto com a polícia e 'iscas vivas' (adultos que parecem adolescentes), rastreava adultos que começavam a se comunicar nas redes sociais com aqueles que percebiam como menores de idade e os levavam a um encontro sob supervisão policial. Os espectadores viam a conversa do apresentador com os protagonistas e sua subsequente prisão, enfatizando o caráter preventivo dessas ações para proteger as crianças.
Para os EUA, esse show se tornou uma espécie de marco de época, e Chris Hansen, uma figura reconhecível na cultura pop (além de 'South Park', o apresentador foi mencionado e parodiado em dezenas de programas e sitcoms). No entanto, To Catch a Predator não era um programa separado, mas uma série de edições investigativas especiais dentro do programa jornalístico-documental Dateline NBC. Em 2007, 19 das 25 horas de maior audiência na MSNBC eram de reprises noturnas. A NBC cancelou o show no mesmo ano de 2007, em meio a um grande escândalo (vamos evitar spoilers) e críticas crescentes ao formato. O show foi acusado de provocações e possíveis violações dos direitos dos suspeitos.
David Osit chegou à criação de Predators ao perceber que, em torno do antigo segmento televisivo, havia se formado toda uma comunidade de fãs, arquivistas e imitadores — desde 'caçadores' do YouTube até subreddits que vivem disso, colecionando versões completas e não exibidas das 'emboscadas'. Outro ponto de partida foram as perguntas. Como aconteceu que um programa desaparecido do ar há mais de 15 anos ainda vagueia pela internet na forma de memes e republicações, e os espectadores que reassistem e distribuem essas imagens não se tornam parte da mesma humilhação pública?
No final, resultou em um dos melhores documentários dos últimos anos, que não dá espaço para 'fuga moral'. Ele nos permite sentir por nós mesmos onde termina o jornalismo e começa a exploração da desgraça alheia. E como um projeto televisivo, inicialmente concebido como um meio de proteção e advertência, com o tempo começa a obedecer às leis da dramaturgia e da audiência. O foco do documentarista não é mais apenas o apresentador, mas também como o canal monta a história, calcula o grau de choque e cria na tela uma imagem conveniente do 'predador exemplar'.
Não nos mostram escândalos isolados, mas todo um ecossistema: mídia, polícia, ativistas e o público, que alimentaram mutuamente (e continuarão alimentando) a existência desse formato. Uma hora e meia passa num fôlego, despertando curiosidade primitiva e muitas emoções, inclusive sobre como é fácil transformar vergonha, dor e medo alheios em conteúdo sensacionalista.
Uma das estreias mais silenciosas do ano passado foi a comédia dramática 'Código 3' de Christopher Leone, que conta a história de um paramédico de ambulância, interpretado por Rainn Wilson, conhecido pela maioria do público pelo papel de Dwight no icônico sitcom 'The Office'. À primeira vista, o tom divertido da narrativa e o intérprete principal juntos criam uma sensação de leveza e descontração durante a exibição. No entanto, já a premissa do filme deixa claro que estamos diante de uma pessoa que sofre de depressão profunda em seu trabalho.
Rainn Wilson demonstrou, talvez, um dos melhores trabalhos de atuação de sua carreira. Apoiando-se em seu papel de bobo, ele joga magistralmente com o contraste entre ironia e drama, mostrando toda a profundidade de sentimentos e emoções apenas com o olhar. O personagem que ele incorpora está cheio de desespero, cinismo e indiferença, mas ao mesmo tempo parece extremamente humano, despertando sincera simpatia e compreensão. Muitos justamente notam a semelhança do filme 'Código 3' com o drama severo de Jean-Stéphane Sauvaire , já que ambos os filmes abordam temas sinônimos. Só que, ao contrário do noir naturalista com Sean Penn , a tragicomédia de Christopher Leone dá aos espectadores esperança por um futuro brilhante, que tanto falta em nosso mundo permanentemente instável.
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Na trama do filme 'Ladeira Abaixo', Aurora (a maravilhosa Joana Santos) imigrou de Portugal para a Escócia em busca de uma vida melhor e conseguiu um emprego em um armazém do equivalente local do Wildberries. Com a vida melhor não deu certo, e ela busca dia após dia apenas mercadorias para separar e enviar. Tanto ela quanto seus colegas entendem que, no geral, não se pode viver assim: mesmo robôs achariam esse trabalho insuportável, e Aurora é uma pessoa viva, com interesses, sentimentos, hobbies. Estes, no entanto, praticamente não vemos: a pessoa se adapta ao ambiente, e a única forma de adaptação nas condições de vida de Aurora é abafar as emoções, abrir mão do lazer, deixar de ser ela mesma até certo ponto.
O drama de Aurora é cotidiano, não há tragédias em sua vida — eventos que seriam fáceis de classificar assim e se lamentar por eles — porque toda a sua vida, sob certo ângulo, é uma tragédia. De desamparo, perplexidade, migração interna em direção a uma melancolia sem esperança. A estreia de Laura Carreira não é à toa comparada ao cinema de Ken Loach — como o principal socialista britânico, ela se preocupa com a destruição interna do homem em meio à crise externa da sociedade. Mas onde Loach sempre tem o pathos da solidariedade de classe, Carreira tem uma melancolia bastante suave de episódios cotidianos. Um amor não correspondido por um polonês bondoso (ótima cena no bar), uma cicatriz no braço de uma vendedora comunicativa, uma porção extra de ensopado em momentos de fome; no final das contas — simples bondade.
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