Um detetive hippie investiga o desaparecimento de sua ex, um alcoólatra com TEPT se joga na fé, um neurótico encontra o amor, e um garimpeiro encontra petróleo. Todos os filmes de Paul Thomas Anderson – do pior ao melhor

Paul Thomas Anderson é um dos diretores mais talentosos do século XXI. Seu Punch-Drunk Love, que completou 20 anos, nos deu o melhor papel de Adam Sandler; Licorice Pizza foi um dos principais filmes do ano passado, e The Master, sua obra-prima, voltou aos cinemas. Por isso, relembramos todos os nove filmes do diretor e os classificamos do simplesmente ótimo ao melhor.

9. Hard Eight (1996)

Uma história bela e melancólica, em grande parte uma releitura de A Cor do Dinheiro de Martin Scorsese, que por sua vez recontava o grandioso O Jogador. Não há Paul Newman aqui, mas já existe a conhecida decepção do velho jogador em um novo mundo.

No último terço, curiosamente, nos deparamos com um filme completamente diferente, com o talismã tarantinesco Samuel L. Jackson em todo o seu esplendor, com Philip Baker Hall, cuja benevolência esconde uma aura sinistra, e, claro, com Paul Thomas Anderson que, perto do final de sua estreia, alcança um novo patamar, embora ainda não totalmente seu – o estilo característico em Hard Eight ainda está se formando.

8. Phantom Thread (2017)

Um cinema poético, no qual o designer egocêntrico e tirano doméstico Reynolds Woodcock conhece uma garçonete de um café de hotel provinciano, faz dela sua musa e, no fim, se engana. O que começa como uma história clássica ao estilo de Pigmalião se transforma em um drama de codependência – um homem tóxico é complementado por uma mulher tóxica, eles envenenam a vida um do outro (às vezes, literalmente) e encontram nisso uma certa felicidade.

Phantom Thread é visualmente o filme mais perfeito de Anderson, mas, apesar de sua poesia até excessiva, não é sobre moda ou “chique” (palavra que Woodcock odeia), mas sim sobre a ambivalência de um mundo onde até as coisas mais belas podem ser essencialmente feias, e na perversão há sua própria beleza. Ao mesmo tempo, o fio do universo aqui é verdadeiramente fantasmagórico: a beleza eternamente escapa, o momento se evapora, a raiva dá lugar à ternura, o passado é um fantasma, o futuro é uma fantasia.

7. Punch-Drunk Love (2002)

Muitos valorizam menos este filme do que outros trabalhos do diretor – não tem o alcance habitual dos filmes de Anderson nem as filosofias típicas dele. Embora reduzir este cinema sincero e emocional sobre o amor a uma simples comédia romântica também seja um erro. O amor aqui não é um meio de ganhar dinheiro com pipoca, mas um milagre que pode acontecer, ou, basicamente, pode não acontecer.

Ivan Kilyakov

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Em uma hora e meia, Anderson consegue dizer mais sobre o mundo, a vida moderna, a cidade e os empresários neuróticos do que outros diretores em três horas. Punch-Drunk Love continua sendo seu filme mais incompreendido – não é de forma alguma um exercício no gênero clássico de Hollywood, mas uma tentativa de dar-lhe profundidade ontológica, uma tentativa romântica que revela no diretor um verdadeiro romântico, ainda que obcecado por arrependimento, poder, freudismo e a passagem do tempo.

6. Licorice Pizza (2021)

Uma história de amor estranha que pode parecer superficial ou, inesperadamente, séria. Assim como os anos 70, a época em que o filme se passa, a obra divide o público e agita a imaginação. Sob Life on Mars? de David Bowie, o diretor conduz o público a uma excursão, como se os mergulhasse em sonhos do passado, apenas para, por trás das ondas de nostalgia fantasmagórica, enxergar erros dramáticos, a tristeza da incerteza, um amadurecimento fracassado em meio a uma juventude desacreditada.

Estilisticamente, o filme herda Scorsese, Linklater , Bogdanovich ; é um filme para cinéfilos, mas não só para eles. Você pode não ter visto «Taxi Driver», à paródia do qual uma parte considerável de «Licorice Pizza» é dedicada, pode não ter visto o início de Lucas e não ser fã do The Doors, mas a história de um amor estranho (alguns diriam, não muito correto) pode tocar, provavelmente, qualquer um que saiba abrir os olhos a tempo. E os ouvidos também: a trilha sonora aqui é metade da diversão.

Roman Kovalev

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5. Boogie Nights (1997)

O maior sucesso do período inicial do diretor, um grande filme sobre pessoas pequenas e um pequeno homem específico, cuja carreira no pornô o elevou ao Olimpo, apenas para derrubá-lo de lá. O protagonista do filme, Dirk Diggler (o melhor papel de Mark Wahlberg), dono de um pseudônimo extraordinariamente colorido, conseguiu tudo o que podia sonhar, mas não soube administrar, seja por puro infantilismo, seja porque não poderia ser de outra forma. Boogie Nights começa como uma cinebiografia de um ator pornô e termina com o desmascaramento do sonho americano.

No entanto, apesar da seriedade do que acontece na tela, é um filme irônico, envolvente e magistralmente dirigido, no qual o destino de um homem rima com o destino de um país, e a indústria pornográfica com uma família – possivelmente disfuncional, mas ainda assim a única que existe. Este é apenas o segundo filme de Anderson, mas já em tão jovem idade ele conseguiu fazer um cinema ao mesmo tempo devastador e consolador, uma conquista rara.

4. Inherent Vice (2014)

Em princípio, é o melhor filme do mundo, especialmente se você gosta de noirs onde o detetive (Joaquin ) está sempre chapado e não lembra de nada, a femme fatale (Katherine Waterston , melhor papel) está sempre desaparecendo, para sumir de novo, a investigação vai de beco sem saída em beco sem saída na velocidade de uma tartaruga, que, naturalmente, nunca será alcançada pelo Aquiles policial, e o crime principal não é que alguém matou, sequestrou ou roubou alguém, mas que o tempo passa, ou melhor, se esvai, e, caracteristicamente, de forma irreversível.

Nadezhda Vasilyeva

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De toda a filmografia de Anderson, é Inherent Vice que mais pede para ser revisto – nesta fantasmagoria neo-noir sobre os anos 70 americanos, há tantas piadas dignas de The Big Lebowski e, ao mesmo tempo, tanta melancolia e saudade da liberdade (e tudo isso ao som de Neil Young) que, quando o filme termina, dá vontade de rir, chorar e já assistir de novo.

3. There Will Be Blood (2007)

Não é novidade dizer que este é um grande filme. Se Anderson é aluno de Altman, este é o seu McCabe & Mrs. Miller, com a diferença de que McCabe, o herói esquecido dos anos 70, tentava construir um negócio racionalmente, e a época o quebrou, enquanto Daniel Plainview (Daniel Day-Lewis no auge da forma) se entrega ao capitalismo por completo, as curvas de oferta e demanda formam para ele uma cruz, o petróleo substitui a água benta. No fervor religioso do acúmulo de capital, Plainview encontra, claro, Deus, mas Anderson não seria ele mesmo se não perguntasse: que Deus?

There Will Be Blood é uma tentativa épica, de três horas, de responder a essa pergunta, desesperançosa mas majestosa; nela se pode ver um manual de negócios, ou algo como uma revelação, e em qualquer uma dessas formas será uma obra impressionante.

2. Magnolia (1999)

Este drama, que ganhou o prêmio principal em Berlim em 2000, é criticado por muitos hoje – por sua narrativa fragmentada, por pretender uma declaração muito séria, pelo melodrama geral do que acontece. Há uma boa dose de verdade nessas críticas, mas de todos os filmes de Anderson, é Magnolia que tem o impacto mais direto no espectador. É difícil não chorar junto com Julianne Moore, não se apaixonar à primeira vista pela cocainômana junto com o policial romântico; não se desesperar e, de certa forma, se elevar perto do final.

É uma ode tocante e direta sobre amor e ódio, arrependimento e perdão, não tanto um grande filme, mas uma experiência espiritual. Mas também um grande filme: um filme cujo clímax é uma chuva de sapos simplesmente não pode deixar de ser completamente excepcional.

1. The Master (2012)

Um cinema impressionante e grandioso; duas horas e meia a sós com a sensação angustiante de que o abismo da expressão conhecida (no qual é terrível olhar e que, de alguma forma, olha de volta terrivelmente) não está fora, mas dentro. Esse sentimento assustador, Sartre nunca sonhou que o inferno não são os outros, o inferno é você mesmo, atinge aqui seu auge.

Joaquin Phoenix interpreta uma minhoca, Philip Seymour Hoffman interpreta um deus, em algum momento eles trocam de lugar, mas o sentido nem por isso muda: o eterno atrito de duas abstrações, a interdependência do criador e da criatura, do mestre e do discípulo, do senhor (master) e do servo; o mundo se mostra construído sobre uma dicotomia insolúvel, sobre um conflito do qual não há como escapar. Uma vez visto, The Master se instala no cérebro por muito tempo, não dando sossego, e isso é, provavelmente, um sinal de um grande filme.

Não menos importante, isso é mérito dos atores: claro, todos os que se prezam já sabem que Hoffman e Phoenix são grandes, mas em The Master ambos alcançaram alturas nunca antes vistas. Hoffman – infelizmente, a última, mas que altura: uma paródia de um cientologista, um deus, um louco, um charlatão, o Capitão Ahab; sua plasticidade dentro de um único episódio choca. Phoenix não fica atrás: quando o Mestre é preso pela polícia, ele encena uma cena digna do apóstolo Pedro; quando bebe óleo de motor, é o mais último dos bêbados, e é impossível não acreditar nele.