Por que amamos os filmes de estreia dos diretores? Pela energia pura e inesgotável, pela ausência do peso da experiência e das expectativas do público (e dos estúdios), pelo desejo de surpreender e impressionar, por um novo fôlego e soluções inesperadas.

Lembrem-se dos primeiros trabalhos de George Romero ("A Noite dos Mortos-Vivos"), Quentin Tarantino ("Cães de Aluguel"), Steven Soderbergh ("Sexo, Mentiras e Videotape"). Todos esses projetos foram ousados, inovadores, derrubando as regras e os cânones dos gêneros e do cinema em geral. E dezenas, senão centenas, de exemplos assim podem ser encontrados na história. Mas decidimos nos limitar aos últimos 5 anos e apresentamos a vocês as 15 estreias de direção mais marcantes e notáveis dos últimos tempos. Acreditem, a escolha foi difícil, mas incrivelmente interessante.

A sequência inesperada do filme de sucesso, mas bastante secundário, "Cloverfield - Monstro", acabou sendo uma surpresa agradável, superando o original em todos os aspectos. E não é à toa, pois colocaram no centro desta história o conflito interpessoal de pessoas se escondendo em um bunker, e não as tentativas instintivas de sobreviver em uma luta perdida de antemão contra um monstro gigante.

Dan Trachtenberg conseguiu fazer um thriller hermético com o mínimo de cenário, tensão crescente e um conflito magistralmente escrito entre os personagens de Mary Elizabeth Winstead e John Goodman. E mesmo o final confuso, que visa amarrar todas as pontas e ligar os dois filmes da franquia, não estraga a impressão de uma estreia poderosa e segura.

Curiosamente, desde então Trachtenberg não dirigiu nenhum filme, mas participou da criação de um dos melhores projetos seriados dos últimos anos.

A estreia de Jordan Peele só não foi elogiada por quem não quis. A história de como um rapaz negro conhece os parentes de sua namorada branca é, sem vergonha, citada entre as melhores estreias de direção de toda a história do cinema. E isso é bastante natural.

Peele colocou temas sociais em um cenário de terror com maestria e misturou tudo com uma sátira espirituosa, presenteando-nos com um dos filmes mais cativantes do século XXI. É assustador. É engraçado. É interessante. "Corra!" ao mesmo tempo agrada o público intelectual e proporciona um prazer imenso como uma atração. Filmes assim são raros, por isso merecem todos os elogios e revisões múltiplas.

A história de uma família onde ocorrem eventos trágicos ficou assustadoramente realista e terrivelmente assustadora. E para isso, Aster nem precisou recorrer a truques baixos do gênero, como sustos. Afinal, um bom roteiro combinado com uma edição competente e uma atuação de primeira linha (a Toni Collette está impecável aqui) ajudam a alcançar qualquer efeito desejado pelo diretor.

Mas não foi apenas no terror que surgiram novos jogadores notáveis nos últimos 5 anos. Bo Burnham — um homem-orquestra que se destacou no stand-up, entrou com muito sucesso no território do grande cinema. Em seu trabalho de estreia sobre uma menina na puberdade que mantém um vlog sobre o cotidiano adolescente e problemas de autoestima, ele conseguiu manter um equilíbrio delicado entre o riso e a comoção.

Muitos reconhecem seus próprios medos e ansiedades na protagonista, mas o filme é sobre otimismo, sobre um futuro brilhante e sobre a capacidade de se aceitar com todos os defeitos. E é genuinamente engraçado, apesar de todo o seu sentimentalismo. Assim como o próprio Burnham.

Muitos atores tentam a sorte na direção, mas poucos conseguem fazer isso como Bradley Cooper. Sim, sua estreia não é um projeto original, mas um remake de uma história que é filmada quase com tanta frequência quanto os filmes da Cinderela. Mas isso não afeta o fato de que "Nasce Uma Estrela" com Lady Gaga e o próprio Cooper nos papéis principais é um ótimo filme.

A química na tela entre os atores, que arrepia até os céticos e espectadores sem emoção, a trilha sonora que instantaneamente se tornou clássica cult, cenas brilhantes e memoráveis — tudo neste filme é maravilhoso. Exceto pelo fato de que a história já foi desgastada até o osso. É ainda mais interessante ver como Cooper lidará com material original no futuro.

Jonah Hill é um homem que está acostumado a quebrar estereótipos. Por muito tempo, ele foi visto como um ator de um único tipo (cômico), mas depois atuou com Martin Scorsese e na série "Maniac". Ninguém acreditava que Hill pudesse se tornar um bom diretor, mas ele pegou e fez um belo filme, "Meados dos Anos 90".

Em sua estreia, Hill mostrou uma história de amadurecimento que os garotos de trinta anos receberão como flashbacks da infância. E não importa se eles ouviam Onyx ou Malshishnik na época, se saíam em Los Angeles ou em algum lugar nos confins da Rússia.

No nosso cinema também há exemplos de estreias cinematográficas brilhantes e ousadas. Veja, por exemplo, o filme "Papai, Morra" de Kirill Sokolov, que em suas ambições e ousadia lembra os primeiros trabalhos de Quentin Tarantino e Guy Ritchie. Literalmente desde os primeiros minutos, o filme sobre as tentativas de um rapaz de matar o pai de sua namorada leva a esquizofrenia ao máximo e dispara sem freios até o final, surpreendendo repetidamente com sua criatividade.

Na tela, rios de sangue são derramados, a crueldade não tem limites, assim como o carisma dos personagens principais, e tudo isso é temperado com um bom humor negro — esse conjunto de ingredientes agradou até mesmo os críticos da Empire, The Observer e Variety, que avaliaram muito bem o trabalho do nosso compatriota (a propósito, no Ocidente o filme foi lançado com o título não menos engraçado e provocativo "Why Don't You Just Die!")

Vamos ser sinceros: Olivia Wilde é uma atriz mediana, com o mínimo de papéis verdadeiramente memoráveis. Mas, talvez, ela se torne uma diretora de primeira linha. Pelo menos, seu filme de estreia demonstra um potencial muito grande de Wilde como cineasta.

Entre os elogios ao filme sobre a amizade feminina nos últimos dias de aula antes do início da vida adulta, podem-se encontrar frases de que "Fora de Série" ressignificou o gênero da comédia juvenil, que é uma nova palavra no segmento de filmes coming-of-age. Talvez sejam palavras grandiosas, mas há uma dose de verdade nelas. Wilde pegou um enredo simples como base, mas colocou nele uma série de temas importantes (autoaceitação, confiança nos entes queridos, atitude perante a vida), mas sem moralismo, temperando-os com um humor excelente, universal e compreensível.

Frequentemente, os diretores em seu primeiro grande trabalho declaram amor aos seus ídolos, ao trabalho deles ou à época em que criaram suas principais obras-primas. Andrew Patterson é obviamente fã de Steven Spielberg dos anos 70 e 80, pois em seu filme "A Vastidão da Noite" podem-se encontrar notas de "Contatos Imediatos do Terceiro Grau" e "Além da Imaginação".

Ao mesmo tempo, não falta coragem a Patterson, pois sua estreia pode ser caracterizada como uma grande conversa sobre OVNIs com quase 90 minutos de duração. Nenhuma ação, cenários mínimos, orçamento ínfimo — tudo isso não impediu o diretor de fazer um filme sólido, cativante e, acima de tudo, atmosférico.

"A Salvadora" (também conhecida como "Santa Maud") é uma obra-prima independente daquelas que encantam os críticos de cinema mais exigentes. Ao mesmo tempo, esses filmes geralmente são pouco conhecidos do público em geral. Mas o filme de Rose Glass merece ser falado com mais frequência e mais alto.

A história de uma garota que pirou (ou não) por motivos religiosos é um exemplo de como uma fábula simples, com a abordagem certa, funciona perfeitamente e até dá a sensação de algo novo. E também sensações de desconforto, antipatia, envolvimento e uma pitada de loucura. Se você estiver pronto para isso, o filme certamente não o decepcionará, e seu final pode até causar êxtase (ou algo pior).

A sinopse enganosa sobre o primeiro amor de uma garota mortalmente doente pode afastar espectadores que esperam uma repetição de "Paixão sem Limites", "A Culpa é das Estrelas" e mais uma dezena de dramas adolescentes lacrimejantes.

Na verdade, o filme de Shannon Murphy ficou completamente diferente. Sem especulações baratas sobre emoções. É uma tragicomédia silenciosa, de cada canto da qual emanam sinceridade e descontração, excentricidade e... normalidade. Sim, a protagonista usa perucas coloridas. Sim, a quantidade de drogas e sedativos por minuto de tela às vezes é exagerada. Mas por trás de tudo isso, esconde-se uma história simples e compreensível de amadurecimento e de uma vida que pode não existir.

O diretor estreante Max Barbakow, em seu primeiro longa-metragem, decidiu brincar de "Feitiço do Tempo", ou seja, colocar os personagens (sim, ele não é o único especial aqui) em um loop temporal. E ele se saiu muito bem.

Darius Marder e seu "O Som do Silêncio" tornaram-se participantes inesperados da corrida ao Oscar, apesar do orçamento modesto e do tema complexo, mas não popular nos círculos acadêmicos (o protagonista, interpretado pelo brilhante Riz Ahmed, é um baterista que perde a audição).

Marder nos lembra claramente de que mecanismo caprichoso é o ser humano, e que uma única peça defeituosa desse mecanismo pode, de fato, destruir uma vida. Mas os acentos no filme são colocados de forma a mostrar que qualquer diagnóstico não é uma sentença, que, com vontade de lutar, sempre se encontra uma maneira de chegar à tão falada luz no fim do túnel.

Minha colega Varvara Ulianenok expressou-se sobre a estreia de Florian Zeller como diretor de cinema da seguinte forma: "Meu Pai" é um drama pungente sobre a dor e a impotência diante da velhice, que não deixará ninguém indiferente.

Os verdadeiros cinéfilos adoram quando, além da própria história, o filme tem uma infinidade de elementos diferentes aos quais se agarrar. Seja soluções visuais incomuns ou referências "para os íntimos". Isso proporciona um prazer cinéfilo genuíno.

E "Censura" é um desses filmes onde o enredo é secundário (embora não seja ruim), quando o que vem à tona é sua majestade, a homenagem. Homenagem à era do VHS, homenagem aos filmes trash de terror de baixo orçamento, mas infinitamente ambiciosos, homenagem àqueles tempos em que a imagem era vintage e o cinema não era tão sério e politizado como agora.

E qual das estreias dos últimos tempos você considera a mais bem-sucedida?