Los autores de «Después de los créditos» reflexionan sobre los pros y los contras de la neutralidad deliberadamente adoptada por Nolan con respecto a la historia de Robert Oppenheimer.

«Prometeo robó el fuego a los dioses y se lo regaló a la humanidad. Por ello, fue encadenado a una roca y sometido a un tormento eterno»

Christopher Nolan, adepto del cine grandioso y las construcciones monumentales, no podía pasar por alto una historia de escala épica. No solo dirigiendo, sino también adaptando personalmente el libro «Oppenheimer: Triunfo y tragedia del Prometeo americano» de Kai Bird y Martin Sherwin para el guion, Nolan pareció plasmar con su cine la existencia de paralelismos entre las cualidades personales del hombre de ciencia que, utilizando un corte de las leyes clásicas de la física y la ciencia innovadora para crear, fue infinitamente leal a su trabajo, y el hombre de arte que, utilizando las leyes clásicas del cine junto con ideas innovadoras (el primer uso de película en blanco y negro en cámaras IMAX), crea con un sentido de devoción al cine. Pero a pesar de esto, la biopic según el plan, pero que no lo es en esencia, «Oppenheimer» es un artículo cinematográfico de tres horas no tanto sobre «Prometeo», sino sobre su «regalo a la humanidad».

La película se divide en dos partes condicionales. La primera, por lamentable que suene en el marco de una biopic, se puede describir con las palabras: «Érase una vez un hombre, y luego, como suele ocurrir, murió». Y no es que a Nolan no le interesen en absoluto los aspectos sociales de la vida del científico, aunque incluso sobre la esposa (Emily Blunt) de Oppenheimer el espectador solo se entera de que es una ex comunista de partido bebedora a la que la maternidad le resulta muy difícil, pero no son más que fragmentos. Arrancados de la vida, como electrones libres de un átomo, para conocer brevemente a las personas que luego aparecerán en los eventos principales.

Y se centran en la creación de la bomba atómica. Nolan presta especial atención al trabajo de los físicos, construyendo la narración con todos los medios disponibles y favoritos: lleva la narración de forma no lineal, se mueve entre el pasado y el futuro (un pasado un poco menos lejano), utiliza inserciones con visualización de procesos físicos. El compositor Ludwig Göransson, que trabajó anteriormente en «Tenet» (lea sobre la película en ), vuelve a intensificar el ambiente de una película ya bastante tensa. En ciertos momentos, no entiendes de inmediato de dónde surge esa sensación de inquietud, como aprendida, hasta que te das cuenta de que en la melodía se entrelazan los sonidos de una sirena, que suena en las calles de las ciudades en caso de alarma.

Varvara Ulyanenok

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En esta parte de la historia se reúnen todos los personajes presentados anteriormente, y si de repente te confundes con los nombres de los científicos y su nacionalidad, no te preocupes: te lo recordarán con fotogramas de flashback. La cadena de personajes es colosal, pero no a todos se les presta ni una gota de atención. Solo interesan sus convicciones y afiliación partidista, para construir el conflicto a través del prisma de las opiniones. Parece que la mayoría de los actores famosos o al menos simplemente conocidos, como Casey Affleck, Rami Malek, Kenneth Branagh, Gary Oldman, se colaron en la película por respeto a Nolan y por el interés de trabajar con él, ya que lo máximo que se les da es una aparición fragmentaria y, si acaso, un par de frases contundentes.

Los personajes principales son Robert Oppenheimer y Lewis Strauss. La confrontación invisible entre el físico y el empresario es una consecuencia que no tiene menos importancia que la acción que llevó al giro señalado de los acontecimientos. Por lo tanto, Nolan no solo exprime todo lo posible de actores increíblemente talentosos, sino que también recurre a métodos artísticos. Mientras Robert Downey Jr. complace el ego inflado del vástago capitalista, para quien solo existen los extremos, Nolan transmite esta polaridad a través de una imagen en blanco y negro. Mientras Cillian Murphy se sumerge con toda su entrega en el papel de un sociópata apasionado por el trabajo, el director no escatima en primeros planos, dedicando a la mímica de Murphy todo el tiempo necesario para que el espectador comprenda al personaje.

Pero la dificultad radica en que se quiere comprender una personalidad contradictoria, como lo fue Oppenheimer, y en la pantalla hay que asimilar su versión más estéril. El director salva al personaje central del fuego del juicio de valor, protegiéndolo con el escudo de la unilateralidad. Oppenheimer se muestra principalmente como un personaje positivo, atormentado por el remordimiento, o al menos «no tan malo». El director lo justifica de todas las formas posibles, dotándolo de una imagen de mártir, a la que se contrapone Estados Unidos.

La neutralidad se mantiene también en relación con la historia en general, y Nolan, como un hábil equilibrista, se mueve sobre una cuerda fina, tratando de maniobrar entre «los nuestros» y «los suyos». En la película se escuchan muchas veces frases opuestas entre sí sobre la justificación de las acciones del gobierno estadounidense, opiniones polares sobre la personalidad de Oppenheimer e incluso fotogramas visualmente diferentes, teniendo en cuenta la inestabilidad de la opinión histórica, con un solo trazo, relacionados con la vida de Jean Tatlock, interpretada por Florence Pugh.

Aquellos científicos que expresaban abiertamente sus pensamientos en la vida, en la película se encogen de hombros y hacen muecas con más frecuencia. La lucha de opiniones no llega a conclusiones, no se toman posiciones, y queda claro que Nolan filmó la película de tal manera que ni los suyos lo devoraran vivo, ni el estreno mundial fracasara. Y solo las declaraciones sobre los comunistas adquieren un tono un poco más marcado, aunque el término «macartismo» y los métodos de implementación de este movimiento también se omiten.

Así resulta que «Oppenheimer», con todos los aspectos positivos de su impresionante apartado visual y actuación, es un cine ideológicamente muy estéril. Esta es una historia sobre cómo la inteligencia engendró la muerte, pero ni la inteligencia ni la muerte se examinan con la debida atención. Si comparamos la película con la física, podemos decir que a partir de los datos disponibles del problema llamado «Oppenheimer» se construye una solución extensa, escrita en tres pizarras, pero que no conduce a una respuesta concreta.

Valeria Stoykova

«Oppenheimer» de Christopher Nolan es una abundancia de diálogos, reflexiones y acciones pausadas, pero al mismo tiempo es una película muy tensa, intrigante y, en ocasiones, fascinante. Su duración de tres horas pasa desapercibida gracias al desarrollo no lineal de la trama, las hermosas tomas y cierta línea detectivesca. El suspense se crea gracias al diseño de sonido, cuando en los momentos más tensos suena el silencio o, por el contrario, el sonido salta bruscamente. Y las composiciones de Ludwig Göransson, en la frontera entre lo instrumental y lo mecánico, rematan nuestras últimas neuronas sensibles.

Nolan logró hacer una película biográfica no trivial en la que no expresa su posición personal. Y creo que ahí reside el mérito de la película. El director trató de presentar a Oppenheimer de la manera más objetiva posible: tanto como un científico apasionado por la ciencia como un destructor de mundos. Aquí hay tanto el triunfo de la inteligencia humana como el triunfo de la crueldad y la humanización. Al final, Nolan no solo hizo una fuerte declaración pacifista, sino que también recordó que el progreso científico y el derramamiento de sangre casi siempre van de la mano.

En «Oppenheimer», la tragedia personal se combina con reflexiones sobre la humanidad y el precio de las revoluciones científicas. Y vemos todo esto a través de los ojos de un físico que ingenuamente creía que la bomba atómica traería la paz. No era malo ni bueno, era simplemente un ser humano.

Nadezhda Vasilyeva