Alguns filmes arruinaram o potencial da franquia, outros se tornaram o ponto final da série – reunimos para você filmes fracassados em séries cinematográficas conhecidas e populares.

Filmes fracassados em franquias se tornam assim por diferentes razões. Alguns querem ganhar dinheiro com um nome famoso e não se esforçam para manter o padrão estabelecido pelos antecessores. Outros se entregam a experimentos excessivos e se afastam muito do que faz os originais serem amados. Neste material, reunimos 15 exemplos de como não fazer uma sequência. Mesmo que tenha heróis há muito amados ou um conceito que conquistou o público.

“Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal” (2008, franquia Indiana Jones)

Sente aquele grito saindo da garganta: “Eles destruíram o Indy!”? Aquela cena ridícula de sobreviver a uma explosão nuclear dentro de uma geladeira. Eu estava explodindo de insatisfação naquele momento. Eles pegaram o herói da infância, invencível, sempre sorrindo na cara da morte e dos nazistas, Dr. Henry Walton (Indiana) Jones Jr., enfiaram ele numa maldita caixa de aço, arrastaram pelo ar por uma boa milha e o jogaram no chão como um saco de batatas. Dane-se a geladeira: eles o enfiaram nessa sequência horrível, no mesmo balaio que Shia LaBeouf – aquele neurótico problemático de “Transformers”!

Depois, a indignação do mundo com a quarta parte da lendária franquia foi muito claramente, no espírito do realismo da Nova Hollywood, transmitida por Matt Stone e Trey Parker no 8º episódio da 12ª temporada. O mundo, no entanto, deu à “Caveira de Cristal” quase 800 milhões de bilheteria – tanto quanto os dois filmes anteriores da franquia juntos. Mas o gosto amargo ficou. Por quê?

Indy envelheceu, Indy ganhou peso, a ironia sarcástica se transformou em resmungo de aposentado. No lugar dos nazistas vieram “russos maus”, soldados soviéticos liderados por Cate Blanchett com um penteado que inspira tristeza e, por algum motivo, um florete. E no lugar do Baixinho, o eternamente nervoso Shia LaBeouf. Bem, você entende.

Perseguições, tiroteios, lutas espetaculares em sua irrealidade e o Enigma Assustador com o Artefato permaneceram no lugar. Assim como o final, sobre o qual as ações dos heróis ao longo do filme não têm influência alguma. Indy novamente derrota os inimigos, reencontra um velho amor e novas responsabilidades. O Instituto novamente não recebe nenhuma antiguidade.

Olho para trás e realmente tento lembrar o que irritava tanto na quarta parte das aventuras do arqueólogo aventureiro. E, parece, não consigo. O filme quase não difere de seus antecessores – nem melhor, nem pior (bem, exceto talvez pela primeira parte, que, simplesmente por direito de nascença, nenhuma sequência consegue superar). Parece que irritava algo completamente diferente – a nostalgia pregou uma peça cruel, e a Caveira de Cristal inadvertidamente nos mostrou um futuro não muito brilhante. Como dizia um bom sujeito (embora pirata): “O mundo permaneceu o mesmo. Nós é que encolhemos”.

“O Exterminador do Futuro 3: A Rebelião das Máquinas” (2003, franquia O Exterminador do Futuro)

Sarah Connor na sequência de O Exterminador do Futuro dizia que nós mesmos fazemos nosso destino. Os produtores de “O Exterminador do Futuro 3” discordaram e disseram: “Queremos dinheiro”.

“O Exterminador do Futuro 3” não é o pior filme da franquia. E o filme em si não é ruim, se removermos as referências ao Exterminador, ao destino e tal. Seria um bom filme de ação sobre viagem no tempo e robôs malignos. Mas a pertença à franquia impõe obrigações, por causa das quais “O Exterminador do Futuro 3” desmorona como um castelo de cartas. Toda a moral e o dilema das duas partes anteriores foram destruídos por um roteiro ruim e pelo desejo de explorar a franquia. Depois deste filme, houve apenas um pequeno lampejo de esperança na forma do quarto filme, mas a quinta e a sexta partes estragaram tudo.

Talvez nenhuma continuação fosse necessária. “O Exterminador do Futuro 2” ainda é um dos melhores filmes de ação do mundo, e é improvável que o próprio James Cameron consiga superar a si mesmo, mesmo que assuma uma nova parte. Mas isso provavelmente nunca saberemos. Embora tudo seja possível, pois nós mesmos fazemos nosso destino.

“Duro de Matar: Um Bom Dia para Morrer” (2013, franquia Duro de Matar)

A criação de John McTiernan desde 1988 já havia trocado vários diretores, até o próprio McTiernan retornou à franquia, dirigindo exemplarmente o terceiro “Duro de Matar”. Mas seu exemplo não encontrou eco entre os seguidores. E se “Duro de Matar 4.0” saiu mais ou menos equilibrado por mergulhar o policial old school McClane no novo mundo do cibercrime, a quinta parte saiu francamente ruim.

Roteiro fraco, ação alucinante que encobria uma direção morna, um grau inadequado de pompa, em vez do sarcasmo ressacado e sombrio de McClane, e um Bruce Willis que relutantemente retornou ao papel literalmente enterraram a franquia. O título do filme – “Um Bom Dia para Morrer” – acabou sendo assustadoramente profético.

“Shrek Terceiro” (2007, franquia Shrek)

Dizer que “Shrek” mudou as regras do jogo entre os estúdios de animação é não dizer nada. Todos os grandes conglomerados tentaram fazer seu próprio “Shrek”, e poucos conseguiram. A desconstrução dos contos de fadas, que surgiu no final do renascimento da Disney, pregou o último prego no caixão das histórias de animação tradicionais. Além disso, muitos (incluindo alguns autores da redação do “Depois dos Créditos”) podem dizer com confiança que “Shrek 2” em muitos aspectos supera o original, oferecendo um conflito moral interessante que raramente foi adaptado em geral.

Por isso, “Shrek Terceiro”, que parece ter trocado os personagens e enterrado a imagem do Príncipe Encantado, decepciona tanto. As piadas se tornam rasas e desinteressantes, Shrek parece ter sido substituído, e seu relacionamento com Fiona não recebe atenção alguma. Sim, a animação fica melhor a cada filme, mas de alguma forma resultou numa desconstrução pela desconstrução – e isso nunca levou a nada de bom.

Em comparação com “Shrek Terceiro”, todas as continuações, spin-offs e curtas-metragens parecem obras-primas, o que diminui um pouco o valor do segundo filme. E isso é... Um fim triste para uma bela história.

“Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio” (2021, franquia Invocação do Mal)

James Wan lançou “Invocação do Mal” em 2013 e imediatamente condenou o filme a uma continuação: hoje, o universo de “Invocação do Mal” inclui oito filmes — original, sequências, spin-offs, prequels de spin-offs, apenas prequels — suas bilheterias combinadas ultrapassaram 2 bilhões de dólares. No entanto, apesar do sucesso de bilheteria, a franquia de terror já havia tomado um rumo errado em 2018, logo após “A Maldição da Freira”, mas se os spin-offs são perdoados por suas tolices de enredo, uma continuação direta não.

“Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio” foi lançado em 2021 pelo jovem diretor Michael Chaves, e parece que seu objetivo era fazer uma sequência genérica. Não contrariar os produtores, não mostrar individualidade, usar muitos clichês batidos, embora testados — feito. Os sustos não assustam, a escuridão não fascina, o exorcismo parece ridículo e secundário… Lembre-se dos fantasmas lendários dos primeiros filmes do universo cinematográfico. Lembrou? Ha, no novo “Invocação do Mal” não há fantasmas. O conceito de “o inimigo mais terrível é o homem” também não funciona aqui. Resultou em algum híbrido mal desenvolvido. É uma pena.

“Piratas do Caribe: A Vingança de Salazar” (2017, franquia Piratas do Caribe)

A exploração descarada da popularidade da franquia levou os “Piratas” ao porto dos Buracos na Trama e do Absurdo. A trilogia de Gore Verbinski contou uma história magnífica com personagens vibrantes, mas depois ninguém conseguiu ir além do fim do mundo, então primeiro foram parar em “Navegando em Águas Misteriosas” e depois o conto de fadas acabou.

A imagem do [capitão] Jack Sparrow sem dúvida conquistou o público, mas sem um bom roteiro, explorá-la é uma ideia duvidosa. E se na quarta parte ainda havia um pouco do espírito da pirataria, “A Vingança de Salazar” se esgotou e cheira a decomposição. Atores cansados de seus papéis, retorno sem sentido de personagens “antigos”, auto-repetições, enredo fraco. Nem mesmo o macaco Jack consegue carregar isso.

“Ela Dança, Eu Danço 6: Ano de Dança” (2019, franquia Ela Dança, Eu Danço)

A franquia de dança começou em 2006 como um filme sobre encontrar seu lugar na vida, uma forma de autoexpressão através da arte, como uma rebelião contra as normas existentes. Também era uma declaração sobre problemas na sociedade americana. O segundo filme continuou parcialmente a tradição, mas a partir do terceiro, o foco mudou completamente para a dança como arte do movimento e forma de autoexpressão.

A cada novo filme, a imagem se tornava mais colorida: a coreografia e as mise-en-scène se complicavam, adicionavam-se recursos técnicos e a escala das cenas de dança aumentava. Já o enredo se simplificava, chegando finalmente ao confronto banal entre a dança como negócio (com competição e batalhas) versus a dança como arte. Mas, devido aos números impressionantes e personagens carismáticos, muito era perdoado à franquia. Até que o sexto filme saiu.

“Ela Dança, Eu Danço” por espírito é mais uma franquia americana (não só porque tudo acontece nos EUA). Lá reinam a energia e a liberdade da dança de rua (ou seja, uma mistura de r'n'b, breakdance e outros estilos de hip-hop que se tornaram populares no mundo graças à América), rebeldia e protesto contra as tradições, características em grande parte da mentalidade dos EUA. Por isso o público amava essa franquia. Mas nada disso se sente na 6ª parte, que foi transferida para a China — uma realidade completamente diferente em espírito e cultura.

Novos heróis asiáticos, outra energia e música, e no final este filme parece um enjeitado, estranho e alienígena. De bônus, uma coreografia não muito forte, danças sem amplitude, e o enredo (embora tente falar sobre problemas da sociedade chinesa e da dança como negócio) é confuso e se debate em algum lugar nos bastidores. A melhor solução aqui seria não se agarrar à marca “Ela Dança, Eu Danço”, mas criar um filme separado, usando as vantagens da cultura asiática e rostos novos de atores.

“Premonição 4” (2009, franquia Premonição)

“Premonição” é uma franquia de terror onde não há tanto sangue, mas arrepios correm do primeiro ao último minuto. O conceito de que não se pode fugir da morte faz com que, após cada filme, a gente se vire a qualquer barulho, e às vezes até dá medo de entrar no banheiro.

Mas após a terceira parte brilhante e memorável, algo claramente deu errado. Foi justamente nesse período que cada filme tentava experimentar o formato 3D. Especialmente os filmes de terror queriam se destacar nisso. Imagine só: algo quebra, perfura corpos, respingos de sangue, e você no epicentro de tudo isso!

Sim, é empolgante, mas por causa dessa atração os criadores começaram a esquecer o enredo. E eram justamente as cadeias lógicas de mortes, sua presença inesperada, que tornavam a trilogia tão atraente. Em vez disso, mais trash, mais sangue e o desejo de simplesmente esquecer tudo o que foi visto o mais rápido possível.

“A Era do Gelo: As Aventuras de Buck” (2022, franquia A Era do Gelo)

Se falamos de uma continuação malsucedida de um sucesso de animação, o primeiro que vem à mente é o do ano passado, “A Era do Gelo: As Aventuras de Buck”. No centro da trama estão os gambás Crash e Eddie, que decidem fugir da mamute Ellie e começar uma vida independente. As dificuldades surgem imediatamente: ao caírem no Mundo Perdido, os bichinhos encontram o inteligente dinossauro Orson, que deseja conquistar o reino subterrâneo.

O principal argumento contra o novo “A Era do Gelo” é que os personagens amados praticamente não são envolvidos na trama. Manny, Sid, Diego vagam pelo filme procurando a dupla, e Scrat nem aparece. Pode-se notar também o desenvolvimento superficial dos novos heróis: o dinossauro Orson sonha em governar o mundo, porque os fortes devem dominar os fracos, e a namorada de Buck, Zee, decide se envolver na aventura porque não consegue superar a perda de entes queridos. A parte cômica também deixa a desejar. Muitas piadas, voltadas mais para o público jovem, se repetem várias vezes, o que rapidamente começa a cansar.

“Jason Vai para o Inferno: A Última Sexta-Feira” (1993, franquia Sexta-Feira 13)

No geral, este é um dos piores filmes da história. É objetivamente bastante monstruoso tanto do ponto de vista da narrativa e do tratamento do herói Jason, quanto até mesmo em termos de cumprimento dos cânones do slasher, que o filme em algum momento deixa de se parecer, e dos cânones da franquia (algumas das regras mais importantes são violadas de passagem).

Ao mesmo tempo, se você tem coração e ele, como se diz, bate no ritmo dos golpes de facão de Jason – é impossível não se apaixonar por este filme terrível. É gótico sulista, filmado em um estado do norte; um slasher adolescente sem adolescentes, mas com um caçador de recompensas e uma gravidez demoníaca, e o próprio Jason só serve para despertar nos habitantes de uma cidadezinha em extinção velhas mágoas – e eis que pessoas outrora unidas já atiram umas nas outras com espingardas. Por trás de tudo isso, de forma não óbvia, está o livro Necronomicon. E se você se lembra de Lovecraft – esqueça, isso lembra mais Mikhail Elizarov.

E o mais assustador neste filme, talvez, é que apesar do título, esta não é de forma alguma a última “Sexta-Feira” – depois virá “Jason X”, e por razões que ninguém entende, a história do cinema não terminou com ele.

“Jurassic World: Domínio” (2022, franquia Jurassic Park)

O universo cinematográfico de “Jurassic Park” era famoso por dinossauros vivos, dilemas científico-éticos e aventuras arriscadas de cientistas carismáticos na selva. Revivida em 2015 sob o nome “Jurassic World”, a franquia elevou as ideias de Steven Spielberg a um novo nível: primeiro na escala de uma ilha, depois de um continente. E todos esperavam que em 2022 a terceira parte de “Jurassic World” conseguisse colocar um ponto final digno na história que começou em 1993. No entanto, o milagre não aconteceu.

Colin Trevorrow conseguiu esquecer a exposição, mudou completamente as regras do jogo com os dinossauros, deixando-nos com perguntas sem respostas. Os heróis mudam de localização com tanta frequência que no meio do filme você simplesmente para de tentar entender as inconsistências do enredo devido à superlotação de locações. Sem mencionar que os dinossauros foram transformados quase em uma nação, que recebeu um território para viver (mas esqueceram as leis evolutivas, problemas de adaptação e instintos animais). Ao mesmo tempo, curiosamente, os escamosos são mais como móveis, não têm valor para o enredo, e para os heróis são como “moscas irritantes” no caminho.

E uma das maiores decepções, difícil de perdoar, foi o retorno medíocre de Sam Neill, Laura Dern e Jeff Goldblum. Trevorrow queria jogar com a nostalgia, mas no final estragou tanto os “velhinhos” quanto os novos personagens de Chris Pratt e Bryce Dallas Howard. Como resultado, de ficção científica só restou a palavra, dos dinossauros — gráficos em vez de impressionantes bonecos robóticos, as aventuras se transformaram em um mingau incompreensível, e os personagens foram tornados histéricos e estúpidos. E antes criticavam a terceira parte de “Jurassic Park”, que agora parece muito mais sólida.

“Star Wars: A Ascensão Skywalker” (2019, franquia Star Wars)

O caminho de “Star Wars” tornou-se espinhoso já com a trilogia prequel, mas a trilogia sequência superou-as em um parsec, ou até dois. Primeiro, deram ao público um remake de “Uma Nova Esperança” com uma Mary Sue no papel principal, depois deram uma chance a Rian Johnson, mas estragaram todas as suas ideias por causa do fanservice, chegando não a uma “Ascensão”, mas a um “Ocaso”. Palpatine ressuscitado, a reviravolta horrível com a linhagem de Rey e um monte de vergonha alheia. Provavelmente, este é o caminho.

Em “Star Wars” cabe perfeitamente a expressão sobre três filhos, onde o terceiro é o tolo. Entre as trilogias, o tolo são as sequências, e dentro delas, é “A Ascensão Skywalker”. Os novos personagens desde o início não agradaram a muitos, e os antigos eram mortos um por filme, deixando claro que na grande tela, numa galáxia muito, muito distante, há grandes problemas. Bem, é bom que no segmento de séries as coisas estejam mais ou menos bem. Esperamos que nos cinemas um dia haja uma nova ascensão.

“V/H/S: Viral” (2014, franquia V/H/S)

Lançada em 2012, a antologia de curtas de terror V/H/S reiniciou o cansado gênero found footage (filmagem encontrada), mostrando em um único filme vários materiais de fitas de vídeo. Juntos, eles formavam uma obra única, permitindo ver algo sobrenatural na vida cotidiana.

A franquia surgiu graças aos criadores do site dedicado ao terror Bloody Disgusting. Brad Miska ele mesmo criou e produziu os filmes, e convidou jovens cineastas para dirigi-los, dando carta branca total para qualquer ideia. Aliás, apesar das bilheterias impressionantes, os orçamentos de V/H/S não ultrapassam meio milhão de dólares.

Hoje, o universo V/H/S inclui cinco filmes experimentais com dezenas de novelas malucas. Muitos criticam a terceira parte, “V/H/S: Viral” de 2014 — ela realmente cai em comparação com as outras — e elogiam os reboots nostálgicos dos anos 1990 (“V/H/S/94”, “V/H/S/99”), mas é impossível criticar inequivocamente este ou aquele filme, pois a graça de V/H/S é que sempre há algo novo. Assim, de um campo experimental, V/H/S se transformou talvez na maior franquia da modernidade, que conseguiu não perder o entusiasmo. Pelo menos por enquanto.

“Jogos Mortais 3D” (2010, franquia Jogos Mortais)

A franquia “Jogos Mortais” começou a declinar já após o primeiro filme, mas ainda assim nas partes 2 e 3 havia algumas referências à ideia original e engenhosidade nas torturas. O moedor de carne completamente sem sentido começou a partir do 4º filme e só aumentou, até o 7º. Isso começou porque o massacre em si veio para o primeiro plano, e as ideias outrora estabelecidas de busca pela verdade, punição e redenção através da dor se perderam entre tripas viradas do avesso e corpos mutilados. Quanto ao principal maníaco, ele se transformou em um louco imortal e inatingível, e as autoridades policiais a cada episódio pareciam mais estúpidas.

Os filmes começaram a competir em nível de violência. E enquanto as torturas se tornavam mais sofisticadas (embora houvesse fracassos também, como na 5ª parte), o enredo se transformava em um mingau cada vez mais incompreensível. O apogeu da violência sem sentido e da história fraca a franquia alcançou na 7ª parte, intitulada “3D” (onde, por algum motivo, também apareceu o vocalista do Linkin Park, Chester Bennington).

Foi justamente a ideia de mostrar a violência em grande escala e da forma mais bárbara possível, para que parecesse impressionante em 3D, que se tornou o principal erro dos criadores. As torturas ficaram tão repugnantes e banais que causavam tédio e vontade de avançar (ou sair da sala de cinema). Se já transformar as torturas corporais em uma característica distintiva, é melhor fazê-lo de forma engenhosa. E mesmo o final, que inesperadamente remete ao primeiro filme, não salvou a sétima parte do fracasso.

“Velozes & Furiosos 9” (2021, franquia Velozes & Furiosos)

No geral, é óbvio que qualquer filme com Vin Diesel é trash para fortes, e qualquer filme com The Rock é grandioso. Pois bem, neste “Velozes & Furiosos” não tem The Rock. No lugar do fortão perspicaz está John Cena, no enredo – irmão mais novo do herói de Vin Diesel (se você imagina o tamanho do ator Cena, entende – isso não só soa, mas também parece magnífico), com quem, por uma soma de razões, eles não se falavam há muitos anos.

Na nona parte de “Velozes & Furiosos”, os heróis partem para todas, ou melhor, tornam-se a personificação audiovisual dessa expressão popular. Dois amigos voam para o espaço em um Pontiac tunado; Dominic Toretto reconhece o inimigo em uma gravação de vídeo pela “cruz familiar”; e as perseguições eternas, que, no fundo, constituem o filme, adquirem uma escala não tanto bíblica, mas pagã. E os atores notáveis Kurt Russell, Helen Mirren e Charlize Theron ganham, obviamente, muito dinheiro – caso contrário, sua presença é difícil de explicar.

Apesar de tudo isso, “Velozes & Furiosos 9” é uma obra surpreendentemente coesa. É um filme de corrida com dois temas-chave – o perdão cristão e o papel da família. Na linha de conflito entre Dominic e seu irmão, esses temas convergem, e os retratos de Vin Diesel e John Cena dão até vontade de colar num evangelho infantil. Na verdade, é para isso que tudo caminha na 10ª parte: o fato de Dominic Toretto não ter perguntado a Roman e Tej, que estiveram no espaço, se viram Deus lá – é puro acaso, e tenho certeza de que isso será corrigido.